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28/08/2019 - Clarin

Música Crítica. Excelente. Jean-Guihen Queyras: la vuelta al mundo en cuatro cuerdas

El violonchelista francés deslumbró en el Teatro Colón con obras de Bach y Kodály.


El violonchelista francés de origen canadiense Jean-Guihen Queyras (Montreal, 1967) se presentó el lunes en el Colón para el Mozarteum. Miembro fundador del Cuarteto Arcanto, ex solista del Ensamble InterContemporain de Pierre Boulez, Queyras seguramente sea una de las principales figuras en la tradición del violonchelo; pero además sobresale por su gran amplitud de miras. Da la impresión de que la época de los ultraespecialistas se está volviendo una cosa del pasado; como el pianista Alexander Tharaud o la violinista Isabelle Faust, para citar dos asiduos colaboradores suyos en la interpretación de cámara, Queyras parece sentirse igualmente a gusto en la música barroca, en la música contemporánea y en el repertorio clásico-romántico.

Para su debut en el Colón el músico eligió el gran testamento del violonchelo solo, las Seis Suites que Bach escribió hacia 1720. Queyras las dividió en dos programas: el pasado lunes 26 hizo las primeras tres y el lunes próximo hará las tres restantes (también para el Mozarteum).
Queyras, nos informa el programa de mano, toca con un instrumento construido por Gioffredo Cappa en 1696 (aunque no emplea las viejas cuerdas de tripa, sino de metal). Su toque y su soltura impresionan de inmediato, ya desde el preludio de la Suite N° 1 en Sol mayor, que suena como una música sin barras de compás, como efectivamente podrían ser los antiguos preludios, si no en la letra, al menos en el espíritu (aunque también algunas veces en la letra, como es el caso de los préludes non ménsurés, “no medidos”, de algunos clavecinistas franceses del siglo XVII). Si hubiera efectivamente un progreso en la interpretación de la música antigua, no consistiría tanto en la reinvención de un sonido como en la de una actitud.
 

Es fascinante la variedad de matices de Queyras; de peso del arco, de vibrato, de colores, para no hablar de la fluidez: la Courante de la Suite N° 2 transcurrió como un rapidísimo suspiro, aunque no cautivó menos la gravedad introspectiva de la Sarabanda que se oyó a continuación. En su sutil administración de la energía, Queyras tiene un gesto conclusivo que recuerda al de la pianista Martha Argerich, por su forma de abrir el brazo drecho y levantarse del banco casi con la última nota de la pieza.

El músico agrupó las tres primeras sonatas consecutivamente en la primera mitad del programa, y dejó para la segunda parte la Sonata en Si menor de Zoltán Kodály (1882-1967). El húngaro seguramente la haya escrito con un oído en Bach, aunque no por sus materiales sino por sus técnicas, especialmente la polifonía (real y virtual) que se puede crear en un instrumento melódico como el violonchelo. Ahí se acaba el contacto.

Si el principio de las Suites de Bach es el de la variedad y el equilibrio, el de la Sonata de Kodály es más bien el de la obsesión; especialmente en el extenso Allegro maestoso inicial, que parece rumiar una y otra vez sobre los mismos materiales, aunque no sin maestría; y también con un arduo virtuosismo, que Queyras resolvió con una seguridad apabullante. El gran músico francés respondió a las ovaciones con un bello fragmento de su coterráneo Henri Dutilleux, un número de las Tres estrofas sobre el nombre de Sacher.

 

10/07/2019

Mitten wir im Leben sind

Trois danseurs et deux danseuses – parmi lesquels Anne Teresa De Keersmaeker en personne – adaptent, interrogent et dansent les six suites pour violoncelle de Bach qu’interprète le violoncelliste de renommée internationale, Jean-Guihen Queyras. Leur architecture ingénieuse, leur rythmique dansante et leur beauté intemporelle continuent à fasciner jusqu’aujourd’hui.

Les suites pour violoncelle de Jean-Sébastien Bach constituent un jalon dans l’histoire de la musique occidentale. Leur architecture ingénieuse, leur rythmique dansante et leur beauté intemporelle continuent à fasciner jusqu’aujourd’hui. Anne Teresa De Keersmaeker a déjà démontré son affinité avec Bach par le passé. Elle poursuit sa quête d’une écriture chorégraphique susceptible de capturer l’essence du langage musical de Bach. Trois danseurs et deux danseuses – parmi lesquels De Keersmaeker en personne – adaptent, interrogent et dansent les six suites qu’interprète le violoncelliste de renommée internationale, Jean-Guihen Queyras. Cette symbiose fascinante de la musique et de la danse révèle à la fois la nature individuelle de chaque suite et leur interaction mutuelle dans l’ensemble du cycle.
 
Un grand moment de grâce et de beauté. - La Libre

De Keersmaeker verbluft met Bach - De Morgen

If you were going to choose a choreographer to pair with Bach, it would be Anne Teresa de Keersmaeker. - The Guardian

Bach-worthy genius – The Arts Desk


 

01/07/2019 Abend Zeintung

Clemens Schuldt und Jean-Guihen Queyras mit Murail und Schumann


Das Münchener Kammerorchester beschließt seine Saison mit einem Werk von Tristan Murail

 
 

Mit der deutschen Erstaufführung des Violoncellokonzerts von Tristan Murail ist dem Münchener Kammerorchester, das dieses Werk mit in Auftrag gab, ein echter Coup gelungen. Der 1947 geborene Franzose, der lange in New York lehrte, zieht hier eine Summe seiner bisherigen Arbeit. Der Titel „De Pays de d‘Hommes Étranges“ bezieht sich auf „Von fremden Ländern und Menschen“ aus den „Kinderszenen“ von Robert Schumann und stellt das umfangreiche Werk somit in einen Kontext, der dem Hörer schon bei der ersten Begegnung Orientierung ermöglicht – wohlgemerkt ohne Schumanns Musik wahrnehmbar zu zitieren.

Ab den in hoher Lage einsetzenden Gesängen des Solo-Cellos, das Jean-Guihen Queyras spielt, als ob er mit dem neuen Stück aufgewachsen sei, entspinnt sich im Prinzregententheater eine instrumentale Erzählung mit Sogwirkung. Immer wieder setzt der Solist zu expressiven Aufschwüngen an, die von aufbrausenden Gesten des Kammerorchesters noch verstärkt werden.

Hellwach und durchstürmt

Das Material selbst, die durch Vierteltöne zum Schimmern gebrachten Regenbogenklänge, die Anblasgeräusche der Holzbläser, überhaupt die hohe Beredsamkeit, sind aus dem sogenannten „Spektralismus“ bekannt. Murail, einer der Hauptvertreter dieser kompositorischen Richtung, ordnet sie überlegen sinnvoll an, sodass die Aufnahmefähigkeit eines interessierten Publikums gefordert, aber nicht überfordert wird. Das ist vielleicht ein Meisterwerk.  

 

Aufs Schönste mischt sich der drahtige Ton des französischen Cellisten Queyras mit dem Münchener Kammerorchester, das von seinem Chefdirigenten Clemens Schuldt in jeder Sekunde zur hellwachen Kommunikation angehalten wird. Die einzelnen Episoden werden so aussagekräftig geschärft, dass hier der seltene Fall einer gleichzeitig komplexen wie sofort zugänglichen Neuen Musik vorliegt.

Perfekt wäre es gewesen, wenn diese Klangphantasie dann auch noch auf Schumanns Symphonie Nr. 1 B-Dur „Frühling“ ausgestrahlt hätte, die, wie gehabt, historisierend angehaucht und allzu brutal durchstürmt wird. Dafür bringt der erste Teil mit dem Zyklus „The Seasons“ („Die Jahreszeiten“) des jungen John Cage eine weitere, exzellent einstudierte Entdeckung: einen Bilderreigen, auf so ungewohnte und lustvoll subversive Weise gegenständlich, als ob in einem abstrakten Gemälde auf einmal eine Reihe lustiger, lyrischer und bedrohlicher Theaterfiguren auftreten würden.


30/06/2019 Süd Deutsche Zeitung

Im Labyrinth der Obertöne


Jean-Guihen Queyras mit der deutschen Erstaufführung des neuen Cellokonzertes von Tristan Murail in München.

Von Harald Eggebrecht

Ein hoher Ton ganz oben auf dem Griffbrett des Violoncellos, im Reich des ewigen Schnees, wie die Cellisten jene Regionen der hohen Lagen so ironisch wie respektvoll nennen. Der hohe Ton schwebt gewissermaßen über den kleinräumigen Orchesterbewegungen ein, die zart und doch geräuschvoll jene Klangfläche bieten, über der das Cello erscheint. Dann stürzt sich der Solist hinab bis in die Tiefen der C-Saite, um sogleich wieder in weiten Schritten aufzusteigen.

In der Realisierung seines Werkes verschwindet der Komponist als leibhaftige Person

Diese Erzählfigur des großen Auf und Ab misst den Klangraum aus und charakterisiert das neue Cellokonzert von Tristan Murail, das an Robert Schumanns "Kinderszenen" anknüpft: "De Pays et d'Hommes Étranges", "Von fremden Ländern und Menschen". Es ist ein Auftragswerk unter anderem des Münchner Kammerorchesters (MKO). Das Orchester gestaltet im Münchner Prinzregententheater unter Leitung von Clemens Schuldt die Klangraumabenteuer, die der grandiose Cellomeister Jean-Guihen Queyras erlebt, vielfältig mit. Die Spanne der cellistischen Exaltationen reicht vom leisen Auf- und Niedergleiten bis zu herben, ja, zornigen Ausbrüchen. Die Mikrointervalle des Obertonspektrums reiben sich reizvoll an den orchestralen Fragen und Antworten, auf die Queyras mit immer neuen sich auf und ab bewegenden "Erzählungen" reagiert. Die Souveränität seiner Darstellung und die physische Präsenz dieses Virtuosen im wahren Sinne des Wortes, schlagen Musiker wie Publikum in Bann, das Queyras enthusiastisch feiert. Dann kommt der befremdende Moment, dass Schuldt und Queyras fordernd ins Publikum winken. Wenig später betritt der Komponist Tristan Murail die Bühne, fast linkisch verbeugt er sich, als ob er nicht recht dazu gehöre. Das hat etwas Wahres, denn in der Realisierung seiner Komposition verschwindet der Urheber als leibhaftige Person. Zwar bemühen sich alle, Murail mit zu feiern, aber es kann natürlich nur Jean-Guihen Queyras mit dem Prelude der ersten Bach-Solosuite dem brausenden Beifall entsprechend danken.

Zuvor hatte das MKO unter seinem agilen Chefdirigenten Clemens Schuldt John Cages neunteilige Ballettmusik "The Seasons" von 1947 sorgsam dargestellt. Es war Cages erstes Stück für Orchester, ein Reigen sanft verhaltener "Natur"-Musik von der Ruhe des Winters bis zur fatalistisch genommenen Zerstörung des Herbstes, bevor der Zyklus von Neuem anfängt. Am Schluss eine feurige Aufführung von Schumanns erster, der "Frühlings"-Symphonie. Das geriet manchmal in den Akzenten etwas prall, und manchmal widerstand Schuldt nicht ganz der Neigung zum Treiben. Doch insgesamt gelang es, Schumanns so raffiniert kalkulierten Schwung und seine klangpoetische Begeisterung in diesem wahrhaft jungen Werk mitreißend zu verwirklichen.

03/06/2019 Bachtrack

Queyras in a masterly display of the familiar and the unfamiliar

Cellist Jean-Guihen Queyras is no stranger to Hong Kong audiences, having collaborated with the Hong Kong Sinfonietta back in 2017, also for the Le French May Arts Festival. The Canadian-born Frenchman is known for his boldness in programming, often presenting both the timely and the timeless in a single offering. The convergence of these two worlds was illustrated two nights ago when he pitted solo contemporary works with three of the complete Bach Suites for Unaccompanied Cello, and tonight that duality continued with the Hong Kong Sinfonietta, as he favoured the well-known Tchaikovsky Variations on a Rococo Theme together with the Asian première of Tristan Murail’s De Pays et d’Hommes Étranges (2019).

Jean-Guihen Queyras  Marco Borggreve
Jean-Guihen Queyras
© Marco Borggreve

Queyras is a master of his craft. He exuded carefully constructed nuance from each gesture and fashioned microcosms of sound into broader statements of significance. The Murail was the perfect platform for Queyras to explore these gifts, as it offered a diverse palette of colours and a mosaic of motivic ideas. The work treats the cello as storyteller, leading the unfolding of ideas in which the orchestra reacts in a variety of ways. Structurally a difficult work to comprehend, conductor Christoph Poppen worked in tandem with Queyras, allowing the soloist to weave his tale and the orchestra to provide the necessary support, comment and, at times, agitated disagreement. De Pays could be described as a kaleidoscopic exploration into sound, colour and interplay.

The Tchaikovsky was unequivocally the highlight of the evening. Queyras presented the important opening theme almost matter-of-factly, which demonstrated his command of the instrument and his understanding of the music. The most inwardly contemplative passages were executed with masterly precision and the necessary projection, and the more technically challenging material was never flamboyant or staged. There were a number of memorable moments, which included the beautifully constructed dialogue between orchestra and soloist in Variation IV, and the poignancy offered at the close of the cadenza that transitions into Variation VI. Here Queyras played with a level of delicacy that was palpable: he has the ability to bounce between the whimsical and the profound, always with the deepest commitment.

Probably as expected, Bach was selected for his encore: the opening Prelude from the Cello suite no. 1. This provided further evidence that Queyras was not only at one with the music, but with his instrument. He brought an almost meditative quality to the playing, such that his cello was not merely an extension of him, but that music, man and mechanism were united in their endeavours.

The remainder of the programme was bookended by Mozart. The success of the overture to La Clemenza di Tito depends upon the orchestra to deliver subtle degree of variation, as on the surface this appears to be a standard sonata-form movement with traditional modulations and idiomatic writing. Under the direction of Poppen, the Sinfonietta displayed nice clarity in the softer sections and brighter tones in the more emphatic statements. There were lengthy pauses between the opening chords, but these were curtailed in the return. Other interpretative decisions were more successful and this overture provided a solid start to the evening.

From a similar period as the opera, Mozart’s second to last symphony ended the evening in the turbulent key of G minor. A rare key for his symphonic writing, this tonality has often been associated with sadness and tragedy for the Austrian. The work contains bold statements of solemnity and the most expressive representations of despair.

Poppen’s approach to the symphony was somewhat pedestrian, opting for a more reserved interpretation. Even the famous opening gesture was delivered with little contour and the dynamic palette presented throughout was restrictive. In general, the orchestra lacked bite and the sound was not always homogenous. The tempo too lacked consistency, fluctuating with noticeable effect particularly in the second movement. Poppen’s gestures were more indicative of musical matters, but what the orchestra needed at times was a clear and decisive pulse. The last movement’s Allegro Assai is suggestive of fiery and technically dazzling material, but here the preferred approach was still for restraint and moderation. This was a disappointing end to an otherwise very polished programme.

28/05/2019

Latvijas Radio 3

  
Franču čellistu Jean-Guihen Queyras klausītāji Latvijā pirmoreiz dzirdēja 2015. gadā, Sinfonietta Rīga 10. sezonas atklāšanas koncertā Virtuozā franču mūziķa un mūsu mūziķu viesošanās šopavasar Ķelnē bija šīs radošās sadarbības turpinājums. Šī gada rudenī Keirass atkal atgriezīsies Rīgā un būs Rudens kamermūzikas festivāla viesis, atskaņojot visas Baha svītas čellam solo un citu komponistu mūziku.
Dāvis Eņģelis Spīķeri - radošais kvartāls tikās ar izcilo mūziķi un izvaicāja par plašo repertuāru un programmu veidošanu, Haidna ģenialitāti un Bulēza harismu, skaņas skaistumu un dziedāšanu korī.
28/04/2019

A translation of Bach's music into movement by Anne Teresa De Keersmaeker and Rosas


How many of us have listened to all six Bach Cello Suites without interruption, performed live? Playing a recording of them is one thing, but few music lovers have witnessed, in real time, the sheer tenacity required to execute this pinnacle of the solo Baroque repertoire. The main reason is simply that most cellists don’t play all six in concert. Apart from, say, Yo-Yo Ma, the majority perform them across two concerts, or in three parts with two intervals. Extraordinarily experimental, the suites turn the concept of monophonic music on its head, thanks to Bach’s multi-voice melodic writing which requires the cellist to sing and characterise several different, interweaving melodies simultaneously. And then there’s the challenge of connecting with the music’s spiritual side, which has led Steven Isserlis to relate the work to the story of Christ: “I played all six in concert a few times,” he told Gramophone in 2007, “but they’re torture.”
Marie Goudot and Jean-Guihen Queyras  Anne Van Aerschot
Marie Goudot and Jean-Guihen Queyras
© Anne Van Aerschot
The opportunity, then, to hear these works in their entirety is just one of several compelling reasons to see Anne Teresa De Keersmaeker’s 2017 piece Mitten wir im Leben sind (In the midst of Life)/Bach6Cellosuiten, which received its UK premiere at Sadler’s Wells. For the 58-year-old Belgian choreographer’s fourth Bach-based work, created for and in collaboration with her dance company, Rosas, Canadian-born French cellist Jean-Guihen Queyras provides the soundtrack. It’s a tireless, commanding performance, in which he explores fully the music’s wide-ranging tonal, dynamic and expressive nuances. But he is no mere accompanist; constantly varying his position on stage in relation to the dancers, his interaction with them ebbing and flowing, Queyras is fundamental to De Keersmaeker’s overall concept – not least in the dramatic Fifth Suite – where he takes to the stage alone, bathed in light, his silhouette projecting onto the adjoining wall. It’s a powerful reminder that, when it comes to dance, live music is indispensable.
Queyras played a key role in the project’s evolution; he took all five dancers (three males, two females, including De Keersmaeker) through the score, bar by bar, highlighting significant key changes and melodic landing points and writing out the ‘hidden’ bass line. This enabled De Keersmaeker to map out core gestures: moving forwards for major keys and backwards for minor ones, slotting a stepping pattern into the bass line – in essence, translating the structure of the music into the human body. At times, her ‘one note, one step’ approach enables us to literally ‘read’ the music through dance. At others, there’s a juxtaposition between what we hear and what we see. Even if it looks spontaneous and improvised, it’s not. “Only when the rules have been set in place,” De Keersmaeker says, “can one truly start to play.”
Rosas and Jean-Guihen Queyras  Anne Van Aerschot
Rosas and Jean-Guihen Queyras
© Anne Van Aerschot
From an audience perspective, we are able simply to marvel at the harmony of music and movement, and the journey through ‘the midst of Life’ this takes us on. On the floor of a pared-back stage, a set of conjoined circles and spirals has been etched. Before each suite, De Keersmaeker and another dancer trace the shape of a pentagram with tape, which they then stick down; as the piece progresses, these pentagrams expand and interlock. We know that, structurally, Bach’s suites follow the same order of dances – Prelude, Allemande, etc – and these geometrical patterns pay homage to that unifying structure; in addition, they provide spatial boundaries for the dancers and invite Queyras into the performing space. But each suite differs in terms of key and mood, thus the first four suites are each assigned to a different dancer, De Keersmaeker announcing each suite with a cryptic hand gesture, fleetingly connecting with that dancer. This highlights each suite’s uniqueness: although the suites possess similar movement vocabularies, each dancer interprets these in contrasting ways.
Jean-Guihen Queyras, Michal Pomero, Botjan Antončič and Julien Monty  Anne Van Aerschot
Jean-Guihen Queyras, Michaël Pomero, Boštjan Antončič and Julien Monty
© Anne Van Aerschot
Movement is natural, often reminiscent of an athlete limbering up before a race (an idea reinforced by the casual clothes of dark shorts and t-shirts for the men, and trainers (or, for De Keersmaeker, Converse) for them all. We see hops, skips, jumps, prances, knee bends, one-leg balances, handstands, ‘cat’ stretches, press-ups – all executed with an astonishing combination of precision and abandon. But we also see pivots, pirouettes, tumbles, shoulder shimmies and, at one point, a parody of a courtly dance. This ‘jumble’ of styles is given a sense of cohesion by a recurring motif of ‘clock hands’ – the arms suggesting 3 o’clock or 9 o’clock – often performed by more than one dancer at the same time. One arresting example comes during the Third Suite, when Marie Goudot – lighter than air, mesmerising throughout – and De Keersmaeker hold this position while the cello continues to play; when the cello stops, the dancers begin to move in silence, perfectly in unison. Dance, we are reminded, is inherently musical. But when, as in the Fourth Suite, we see Boštjan Antončič propelled by repeated cello figurations into a swirling vortex, we witness that perfect symbiosis of music and movement referred to in Balanchine’s epithet “See the music, hear the dance”.
It’s only in the Sixth Suite that all five dancers finally come together – and it’s a joyous moment. Even De Keersmaeker, typically taciturn until now, permits herself to smile. Queyras takes centre-stage while the dancers simultaneously look to the past by repeating previous motifs, and to the future by colliding and intertwining, often on the floor, in new, synchronised movements. There’s humour, ‘togetherness’, release. Surely Bach’s music has never been so relevant, and so human.

Sarah Kirkup
Bachtrack 28/04/2019
24/04/2019

DanceTabs : Galerie of the UK Premiere of "Mitten wir im Leben sind" at Sadlers Wells


The undiluted perfection of Jean-Guihen Queyras’s playing commands the stage, so it doesn’t matter where he’s placed: a lone cellist on the huge, open Sadler’s Wells stage, sitting on a stool with his back to the audience. Into this intense musical odyssey of Bach’s six cello suites that he interprets, rarely heard back to back, enters Anne Teresa De Keersmaeker with four dancers from Rosas. No stranger to working with Bach and renowned for her strong musical sensibility, she presents us with complex interventions between choreography and Bach’s score. What unfolds over the next two hours is an extraordinary conversation between musician and dancers.

Sometimes the bodies seem to absorb the music so much that they become possessed by it. At other times they seem to challenge Bach’s machinations while there are also moments of complete symbiosis. But ultimately both art forms exist without hierarchy. Bach6Cellosuiten is a cool, abstract work but the intricate patterns and character of each suite and corresponding choreography creates an ever-fluctuating emotional landscape. There are welcome theatrical interludes, such as De Keersmaker’s signing to the audience as she introduces each cello suite, or exchanged glances between the performers, a twitch of an eye brow or slight utterance from the lips as they tussle with the music, encounter each other or face the audience.

De Keersmaeker is a matriarchal figure and very present throughout. She’s an MC introducing each cello suite; a technician helping each dancer mark out floor patterns with tape or moving Queyras’s stool; and a dancer. When she partners the three muscular men, Michael Pomero, Julien Monty and Bostjan Antoncic and the sinuous Marie Goudot, you definitely feel the respect from each, hinted at in the careful and slightly restrained manner in which they move around her. Their robust, wide reaching physicality and athletic suppleness contrasts with her delicate brittleness and measured range of movement.  What’s also fascinating is that dancers and choreographer rarely make contact, and when they do it is very light and almost awkward – the occasional brushing of limbs, light support given by Antoncic or the hovering of a hand over Goudot’s hand when De Keersmaeker is dancing with her. She relates to both men and woman as an older mother to grown up children, or a professor to her graduates; a mixture of supportive and teacherly.

The physical language exposes a gestural linearity: limbs or fingers point into space, directing movement across up or downstage. Movement also builds on and clashes with the personality of each piece of music. For example the increasing crescendo in Queyras’s playing is developed further by Pomero in a sequence of large hip-twisting leaps, while Antoncic at the beginning of the fourth suite falls repeatedly to the ground in a repetitive cycle of fast, hip hop lunges. Sometimes they seem to embody the notes on Bach’s manuscript, at other times they run away with them, extending their meaning through a juxtaposition of shoulder stands, furious floor rolls or running. As the music is both expansive and contained so is the movement, both spatially and technically. Every inch of the stage is covered and the excitement in watching the bodies inhabit that space lies in the precariousness of their risks – will they fall off the stage into the audience or disappear into its recesses. Their proximity to Queyras is also startling at times but one that displays trust and familiarity.

Structurally the choreography mirrors the clarity of the various musical movements. For the first four suites Pomero, Monty, Antoncic and Goudot perform solos, a duet with De Keersmaeker and then when she slips off into the wings, continue alone. Each performer, including the cellist, pushes her or himself to limits, making the music work even harder as they meet it. The precision, attention to detail and stamina of everyone as they power through the non-stopping two hours is impressive.
There are sections of stillness and slowness of course and some of these are the most resonant. After walking across the stage in a phalanx several times to a driving passage of the music, the dancers take rest on the floor, surrounding Queyras as he continues to play, bringing relief from the intensity of the solos. There is also another exquisite visual moment in which Queyras performs alone in half-darkness lit from the side, framed by his enormous shadow on the wall. Joined later by the pensive De Keersmaeker who lingers behind him, moving minimally yet purposefully, they convey a striking tableaux of the connection between two phenomenal artists.

Josephine Leask

Gallery of pictures by Foteini Christofilopoulou

05/04/2019

"Demandez le programme" avec Jean-Guihen Queyras sur RTBF


Camille de Rijck reçoit pour la première fois dans Demandez le Programme le violoncelliste Jean-Guihen Queyras. L'occasion de faire le point sur son parcours et les raisons qui l'ont poussé à faire du violoncelle. Et vous verrez que la famille n'y est pas pour rien...

Longtemps soliste de l'Ensemble Intercontemporain, Jean-Guihen Queyras a été profondément influencé par son travail avec Pierre Boulez. Sa discographie, marquée par l'éclectisme, comprend aussi bien des œuvres de Haydn, Vivaldi ou Schumann (sur instrument d'époque) que de Dvorák ou de compositeurs du xxe siècle.

Fondamentalement ouvert à la musique contemporaine, Jean-Guihen Queyras a créé les concertos d'Ivan Fedele, Gilbert Amy, Bruno Mantovani et Philippe Schoeller (Wind's Eyes), dont certains seront enregistrés pour harmonia mundi fin 2008. Ses récitals solos au Triphony Hall à Tokyo ou au Théâtre du Châtelet à Paris offrent une résonnance contemporaine au répertoire plus ancien. Ainsi, il a associé les Suites de Bach (enregistrées en 2007) aux Echos commandés à Kurtág, Amy, Fedele, Nodaïra, Mochizuki et Harvey, projet qui connut le succès au Konzerthaus de Berlin, à la Musikhalle de Hambourg et à la Cité de la Musique.


Ecoutez l'émission en replay :

19/03/2019 Des Tagesspiegel

Liebeserklärung an die Welt

Musikalische Mammutleistung: Der französische Cellist Jean-Guihen Queyras begeistert im Pierre Boulez Saal.

Auf der kleinen Auftrittsfläche im Pierre Boulez Saal umgibt ihn eine Aura sensibler Jugendlichkeit, hautnah dem Publikum ausgesetzt, fragil und fast schmächtig wirkend. Dabei vollbringt Jean-Guihen Queyras eine Mammutleistung, die vermutlich eine stahlharte Konstitution benötigt.

Six Suites, Six Echoes“ nennt der französische Cellist sein Projekt, für das er den sechs Suiten Johann Sebastian Bachs jeweils sechs zeitgenössische Auftragswerke voranstellt. Dabei spielt Queyras die Suiten, Kompendium der Cellokunst des 17. Jahrhunderts und auch heute an technischer Kniffligkeit und Tiefsinn Prüfstein für jeden Cellisten, in der ursprünglichen Reihenfolge, erzählt sie als eine Geschichte in Klang gesetzter Lebensstationen. Die wiederum geraten in neue, schillernde Beleuchtungen durch die vorangestellten modernen Kompositionen, Echos, die einen Vorgeschmack geben.

Vom spielerisch-experimentellen Geist beseelt

Ivan Fedeles „Arc-en-ciel“ führt so mit tastend angestimmten, zunehmend beschleunigten Flageolett-Tönen in die Suite Nr. 1 G-Dur, die jetzt, mit ihrer aus wogenden Dreiklängen hervorgehenden Melodik, vom gleichen spielerisch-experimentellen Geist beseelt erscheint. Jonathan Harvey schlägt schärfere, gestischere Töne an, nimmt den Kontrastreichtum der grüblerischen d-Moll-Suite mit dramatisch gezackten Abwärtsfiguren vorweg. Die murmelnden Abwärtsläufe, mit denen György Kurtág des großen Cellisten Miklós Perényi gedenkt, könnten geradewegs den abwärtsgerichteten Figuren der C-Dur-Suite entstammen, wären diese nicht so viel kraftvoller und optimistischer. Schattenhafter Abgesang spricht aus der ausdrucksvollen Einsilbigkeit des großen Ungarn. Gilbert Amy, Misato Mochizuki, Ichiro Nodaida leiten mit kontrastreich grundierten Pizzicato-Ketten, sich durch die Register seufzenden Sexten und kraftvoll akzentuierter Motorik zu den Suiten Es-Dur, c-Moll und D-Dur.

Denen gibt Queyras – wie auch schon den vorausgegangenen Bach-Werken – in virtuoser Selbstverständlichkeit sprechenden Nuancenreichtum, lässt Gavotten und Bouréen wunderbar schwingen, zelebriert die Sarabanden in einsamer Verlorenheit.

Isabel Herzfeld
Der Stagesspiegel

04/03/2019 ResMusica

La géométrie dAnne Teresa De Keersmaeker


La chorégraphe  affirme expressément son intérêt pour les mathématiques et souligne dans ses écrits et ses interviews l’importance du rôle qu’elle leur confère dans son processus de création.

La musique n’est pas chez elle un simple accompagnement. Et la danse n’est pas une simple illustration de la partition. Danse et musique sont liées, comme le dit Philippe Guisgand, par la partition. s’attache davantage à la structure de la musique. C’est donc en travaillant à dégager la structure de la partition que se dessine la structure de la danse. Interrogée à l’occasion de Vortex Temporum, Anne Teresa De Keersmaeker déclare qu’« il s’agit de chorégraphier mon expérience de cette musique. » (Cvejié, 2013)

Philippe Guisgand, qui a consacré une thèse en esthétique à la chorégraphe, distingue au terme d’un dialogue au long cours avec Jean-Pierre Plouvier, trois phases dans l’évolution du travail de la chorégraphe. Trois phases caractérisant l’évolution de son rapport à la partition : le temps de la demande, entre soumission au savoir musical et révolte Fase ; le temps de l’adresse, adresse d’une lecture de la musique, dans sa structure et ses principes. Cette relation se lit dans la danse et l’occupation de l’espace. Et enfin, le temps de la surenchère. La musique chez Anne Teresa de Keersmaeker se trouve au centre d’un noyau danse-musique présent dès la genèse de l’œuvre chorégraphique. Au départ du processus de création de ses œuvres, le choix de la musique est primordial et peut impacter la structure en terme de son comme de sémantique.

Profondément mélomane, elle aura travaillé de grandes partitions de la musique savante occidentale (le maître Jean-Sébastien Bach évidemment dans Moitten avec les Suites pour violoncelle seul, les Six Concertos brandebourgeois, la Grande Fugue de Beethoven, le Quatuor n°4 de Béla Bartók), dont certaines musiques destinées à la danse (la Partita n°2 pour violoncelle seul de J-S. Bach). Mais son travail inclut aussi des collaborations avec des compositeurs contemporains (Steve Reich pour les spectacles Fase, Clapping Music, Rain, Counter Phrases, Steve Reich Evening, les compositions mathématiques de Thierry Demey). Très régulièrement, les musiciens font partie intégrante du spectacle. Qu’ils soient instrumentistes (on peut citer l’ensemble Ictus, les chanteurs de Graindelavoix, le violoncelliste Jean Guilen Queyras dans les suites pour violoncelle seul de J-S. Bach ou encore la violoniste Amandine Beyer…) ou chanteurs (chant Keeping Still, The Song, 3Abshied). Ils se sont produits en direct sur scène aux côtés des danseurs, là où le ballet classique, par exemple, opère une séparation plus rigide des disciplines. L’orchestre y est habituellement dissimulé dans la fosse tandis que les danseurs seuls sont visibles sur la scène. Le silence dans The Song ou l’absence de rythme dans la musique spectrale de Gérard Grisey, oblige parfois la chorégraphe à développer des techniques pour « voir le son. »

Plus récemment, la chorégraphe a travaillé sur l’Ars subtilior et y a trouvé une résonance dans la structure de ce singulier contrepoint à trois voix (cantus, tenor et contratenor) mélangeant rythmes binaires et ternaires, où la beauté nait de la juste proportion des parties avec la direction polyphonique qu’empreinte sa danse et son travail sur la marche. Marchant les lignes mélodiques et transposant ainsi « les proportions de cette mesure du temps dans l’espace »,  pour donner à voir les relations complexes des voix par la danse. A son principe « comme je marche, je danse », répond symétriquement le principe du « comme je parle, je danse. »
 

Les mathématiques

Nous le disions, la danse d’Anne Teresa de Keersmaeker n’est pas assujettie à la partition musicale, pas plus qu’elle ne vient simplement l’illustrer. On pourrait de ce principe faire un parallèle avec le travail que la chorégraphe opère avec les mathématiques. Elle les interroge. Elle s’attache à ces concepts abstraits pour organiser les paramètres chorégraphiques selon des techniques cohérentes.
 

Danser c’est aussi arpenter une scène

Robert Bilinski a l’intuition d’une ressemblance entre les mouvements des danseurs traversant la scène au sein de l’espace de création du chorégraphe et un champ de vecteurs. Il y trouve une confirmation dans les Outillages chorégraphiques de Karin Waehner. Elles permettent de donner à voir les déplacements des danseurs et la manière dont ils structurent cet espace.

Le langage chorégraphique d’Anne Teresa De Keersmaeker inclut les éléments de base que sont des formes géographiques simples et un mouvement des danseurs axé verticalement autour de la colonne vertébrale et horizontalement sur les plans du corps soumis à la gravité (debout, couché, assis). En créant des figures de leur corps mais également en suivant des formes fictives au sol, les danseurs se déplacent dans un espace euclidien. Ces mouvements sont improvisés ou requis par la chorégraphie. Ces éléments géométriques et arithmétiques organisent le temps et l’espace de sa chorégraphie (par exemple, la distribution des mouvements dans l’espace et le temps), alimentant sa danse, y introduisant également des éléments de contrainte qui font surgir l’innovation et permettent une chorégraphie complexe avec des moyens minimaux.
 

Organisation dans l’espace dansé selon des formes géométriques

L’une des marques d’Anne Teresa de Keersmaeker est donc l’organisation de l’espace. Une marque rigoureuse et teintée de formalisme par l’inscription des mouvements dans des formes géométriques strictes mais non statiques, susceptibles d’évoluer et de se transformer en d’autres figures. Un autre principe d’organisation constitue une part plus ésotérique, plus obscure et irrationnelle (teintée de symbolisme ?) des recherches de la chorégraphes : le carré magique qu’elle utilise parfois pour organiser l’espace ou structurer les mouvements, la notion de Qi, le Ying et le Yang hérités des philosophies extrêmes orientales, d’une part, et de l’autre, la géométrie sacrée.

Autre outil récurrent dans son travail : phi, le nombre d’or, proportion harmonieuse et esthétique qu’elle utilise pour distribuer les moments de tension dans sa dramaturgie mais également pour organiser l’espace en sections définies et équilibrées. On peut y ajouter l’utilisation de la suite de Fibonacci. A vrai dire, comme le dit Bojana Cvejić, Anne Teresa de Keersmaeker fait une utilisation non dogmatique et pragmatique de ces notions. Sa chorégraphie n’y est pas assujettie de façon dogmatique.

Chez Anne Teresa de Keersmaeker, plusieurs éléments introduisent l’émotion et viennent altérer l’aspect implacable des séries mathématiques. On peut citer la fatigue souvent née de la structure du dispositif chorégraphique lui-même : la répétition et la multiplication de motifs ou de phrases de danses ou de motifs musicaux. Donnons l’exemple de Piano Phase où l’implacable répétition des boucles, ou encore de la répétition des mouvements dans Rosas où l’aspect implacable qui déroule de la chorégraphie n’est trahi que par la fatigue qui croit chez les danseuses et les danseurs (Laermans, Van Kerkhoven, 1998), cette petite part d’humain, ce grain d’imperfection qui contribue à rendre la danse d’Anne Teresa de Keersmaeker tellement émouvante et humaine ; cette oscillation entre un apparent côté implacable et répétitif et la vitalité, l’humanité de sa Danse.

Anne Teresa de Keersmaeker fait elle-même remarquer dans ses Carnets d’une chorégraphe, combien la physicalité radicale de Fase vient introduire l’émotion de manière assez brutale ; alors la musique semble procéder de façon mécanique par des répétitions de motifs. II se décalent peu à peu mais se rencontrent à nouveau à l’issu de répétitions. Comme elle le dit elle-même, dans Drumming et Rain, elle ne dissimule ni la douleur, ni le plaisir pour déployer des patterns aussi précis, complexes, sur une longue durée.


ResMusica

19/02/2019 Move On

" Un léger choc de modernité " Une excellente conversation musicale !


Au programme de ce « léger choc de modernité », le Concerto pour violoncelle n°2 en ré majeur de Joseph Haydn
De pays et d’hommes étranges (création) de Tristan Murail
Symphonie n°40 en sol mineur de Mozart
Direction d'orchestre Nicolas Chalvin
 
Pour nous éclairer, une interview de Thierry Saint Solieux
 
Thierry, votre avis sur le concert d’hier soir ?
Je n’avais pas entendu jouer de Tristan Murail depuis un certain temps. Il est le digne héritier des musiciens français Debussy, Ravel, Dutilleux. Il se situe vraiment dans cette lignée qu’on ne peut pas réduire au terme d’impressionnistes, mais d’impressions, d’atmosphère. On retrouve ce côté moderne d’une lutte entre le soliste et l’orchestre, l’individu et la foule. Même si ça ne raconte pas réellement une histoire, on perçoit des sentiments antagonistes.

Une dimension cinématographique.
Oui, j’adore la musique de films ; il y a de grands compositeurs qui font de la musique de films. Je parlais d’impressions parce que ça suscite des images, c’est la définition de l’impressionnisme en musique. J’avais l’impression d’entendre une déclinaison de « Tout un monde lointain »,concerto de Dutilleux. Une musique très séduisante et évocatrice.

Que dire du programme, Haydn, Murail, Mozart ?
Haydn parce que c’est un orchestre de chambre. Le soliste , Jean-Guihen Queyras, joue en même temps que l’orchestre. J’ai entendu Francesco Piemontesi avec l’Orchestre de la Suisse Romande. Pour la 27° de Mozart, il jouait les tutti avec l’orchestre, sans vraiment appuyer sur les cordes. Pour Haydn, c’est de la musique de chambre élargie à l’orchestre, une sorte de conversation .

D’où ce côté très lié.
Le soliste est l’émanation de l’orchestre. Queyras a fait partie de l’Ensemble Intercomtemporain fondé par Pierre Boulez. Il s’est colleté à la musique contemporaine dans ce qu’elle a de plus revêche.

Revêche ?
Oui. C’est un musicien merveilleux capable de jouer sur instrument moderne, ancien, cordes métalliques ou en boyau indifféremment. Il adore quand on lui demande après un concert sur quel instrument il a joué. Je le soupçonne même d’avoir changé d’instrument ce soir entre les concertos de Haydn et de Murail.
   J’ai trouvé le Haydn très ludique et bienveillant. C’est un inventeur. On reste dans l’intimité, sans démonstration, même pour le final. Queyras a aussi fait ressortir ce côté terrien de Haydn. Tout ceci est très sophistiqué et paraît très simple.

Et le petit cadeau qu’il nous a fait en jouant du Bach ?
Ah, c’était beau ! Queyras a réalisé une intégrale des Suites pour violoncelle de Bach, l’une des plus belles versions modernes jamais réalisées !
  Il y a Casals d’un côté, le grand son romantique et puis cette espèce de méditation hors d’âge. On a alors l’impression d’ouvrir une fenêtre sur un monde ancien.

Tout est très léger chez Queyras, le corps, la façon de jouer…
Il est mince, aérien. Il y a eu de violoncellistes qui avaient un grand son, Rostropovitch…(et Thierry de mimer à la fois le corps et le son). Frédéric Lodéon dit que, jeune, il était un peu sec, qu’il a pris du poids et que sa sonorité s’en est enrichie.

On devient soi-même l’instrument ?
Il y a peut-être un échange.

Comme en amour ?
Ou avec son chien de compagnie.

Et la symphonie n°40 de Mozart ?
Elle m’a fait penser à Haydn. La transparence, le côté ludique et bonhomme de Haydn. Le 2° mouvement, qui peut tourner à la rengaine, était allant. On peut jouer Mozart de façon plus théâtrale puisque le théâtre a inspiré toute sa musique. On peut le jouer de façon plus sombre, plus Don Giovanni, ou plus cosy, comme hier. J’ai eu l’impression d’entendre une hypothétique symphonie de Haydn.

C’était un programme cohérent ?
D’autant plus que le choc de la modernité n’était pas si marqué. Haydn /Mozart, c’est une époque, une continuité stylistique et le Murail s’inscrit dans une lignée de sensations très française et très claire.

C’était donc une bonne soirée.
Une excellente soirée.
13/02/2019 France3

Les nommés des Victoires de la Musique Classique 2019 : Jean-Guihen dans la catégorie soliste!


La liste des nomms aux Victoires de la Musique Classique 2019 a t diffuse. Six catgories seront reprsentes au cours de cette 26e crmonie. La soire sera diffuse en direct depuis la Seine Musicale sur France Musique et France 3 et prsente par Lela Kaddour-Boudadi et Judith Chaine, productrice de France Musique.

Dans la catgorie Soliste instrumental

Nicholas Angelich, piano
Bertrand Chamayou, piano
Jean-Guihen Queyras, violoncelle


Dans la catgorie Artiste lyrique

Stphane Degout, baryton
Elsa Dreisig, soprano
Sandrine Piau, soprano

Dans la catgorie Rvlation, soliste instrumental

Tho Fouchenneret, piano
Thibaut Garcia, guitare
Alexandre Kantorow (piano)

Dans la catgorie Rvlation, artiste lyrique

Ambroisine Br, mezzo-soprano
Elonore Pancrazi, mezzo-soprano
Guilhem Worms, baryton basse

Dans la catgorie Compositeur

Benjamin Attahir, Serpent et Orchestre
Guillaume Connesson, Les horizons perdus
Jean-Frdric Neuburger, Concerto pour piano


Rendez-vous le 13 fvrier prochain La Seine Musicale, sur France 3, France Musique et Culturebox pour connatre les rsultats !

11/02/2019 Le Monde

Victoires de la musique classique : la jeunesse sur le devant de la scène


Ce 2 février au matin, la Seine musicale bruisse de voix d’enfants et de sons d’instruments. Derniers préparatifs avant le concert de midi donné par les « apprentis » de la Promotion Mozart, initiée l’année dernière par l’Académie Philippe ­Jaroussky. En bouquet final, la version compactée de l’« Andante » de Barry Lindon, le film de Stanley Kubrick qui a popularisé le Trio pour piano, violon et violoncelle op. 100 de Schubert. Le morceau est également au programme des 26es Victoires de la musique classique, qu’accueille cette année la Seine musicale, à Boulogne-Billancourt (Hauts-de-Seine). Alani est au piano pour l’introduction rythmique avant qu’Inès, au violoncelle, puis sa sœur, Jana, au violon, osent le thème principal. Le jeune trio n’a qu’un an et demi de pratique – le reste de l’extrait sera relayé par leurs « professeurs » –, mais il a encore dix jours avant le direct du 13 février sur France 3 et France Musique.

Didier Martin, président des Victoires : « Cette année, nous avons décidé de mettre un accent particulier sur la pédagogie et la transmission »

« Cette année, nous avons décidé de mettre un accent particulier sur la pédagogie et la transmission, confirme Didier Martin, président des Victoires de la musique classique et directeur du label discographique Alpha Classics. Participeront aussi la Maîtrise des Hauts-de-Seine, des élèves du pôle supérieur du Conservatoire de Boulogne-Billancourt, et l’un des grands élèves de Philippe Jaroussky, le contre-ténor Paul-Antoine Bénos, avec lequel il sera en duo. » Un émouvant « Sempre piango, e dir non so » de Giovanni Bononcini, dont la répétition est plus que prometteuse.

La révélation des jeunes talents est en effet depuis toujours l’un des points forts des Victoires de la musique : « 99 % des artistes distingués sont ceux qui font la vie musicale d’aujourd’hui », affirme Didier Martin, citant pêle-mêle Patricia Petibon, Renaud Capuçon, Sabine Devieilhe, Julie Fuchs, Bertrand Chamayou, Edgar Moreau… Il faut être français ou étranger résidant en France depuis cinq ans minimum pour faire partie de la sélection, qui désigne trois nominés dans chacune des six catégories. Ont été proposés au collège des 300 votants (artistes, compositeurs, agents, producteurs, éditeurs, journalistes) quelque 300 instrumentistes, 150 chanteurs, 80 compositeurs et entre 400 et 500 enregistrements discographiques.

« L’équivalent des Césars »

Seules les « Révélations » (instrumentale et artiste lyrique) se ­contentent de 25 à 30 candidats. Cette catégorie est aussi ouverte au vote du grand public, qui pourra s’exprimer jusqu’au mardi 12 février, 20 heures, sur les sites Francemusique.fr et Francetv.fr. Il s’agira de choisir entre le baryton-basse Guilhem Worms et les deux mezzos Ambroisine Bré et Eléonore Pancrazi ; entre le guitariste Thibaut Garcia et les pianistes Théo Fouchenneret et Alexandre Kantorow. Aux primés, le CIC, partenaire des Victoires de la musique depuis 2003, offrira quelques ­concerts à Paris et en région.

« Cette cérémonie est en quelque sorte l’équivalent des Césars pour les musiciens classiques, estime la présentatrice des Victoires, Leila Kaddour. Elle leur offre en effet une exposition médiatique incroyable et une reconnaissance incontestable. » La journaliste du JT de 13 heures le week-end sur France 2, dont ce sera la troisième édition, sera en binôme avec la productrice de Dimanche à l’opéra, sur France Musique, Judith Chaine, qui remplace Frédéric Lodéon, qui tire sa révérence après dix-huit ans de bons et loyaux services.

Didier Martin : « La participation du public sur le Web, les séquences postées sur YouTube : les Victoires ont pris naturellement le tournant numérique »

« La participation du public sur le Web, les séquences postées sur YouTube : les Victoires ont pris naturellement le tournant numérique », renchérit Didier Martin, permettant de facto son internationalisation. Et de citer le succès de la publication de Barbara ­Hannigan en 2018, dirigeant, jouant, dansant et chantant I Got Rhythm, de Gershwin, qui a ­généré en moins d’une semaine 1,5 million de vues, soit le nombre habituel des téléspectateurs.

En solo, en musique de chambre ou accompagnés par l’Orchestre d’Ile-de-France, dirigé par Julien Leroy, la plupart des nominés seront programmés durant les trois heures de prime time à partir de 21 heures. Dans la catégorie ­ « Soliste instrumental », le violoncelliste Jean-Guihen Queyras, les pianistes Nicholas Angelich et Bertrand Chamayou ; dans la catégorie « Artiste lyrique », le baryton Stéphane Degout, les sopranos Elsa Dreisig et Sandrine Piau. En guest stars, Roberto Alagna et Aleksandra Kurzak (réunis dans le prochain Otello de Verdi à l’Opéra Bastille, du 7 au 29 mars), mais aussi le pianiste chinois Lang Lang, 36 ans, récipiendaire d’une Victoire d’honneur. A déguster dans la Grande Valse brillante op.18 de Chopin et celle composée par Yann Tiersen pour Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain – dix ans après une première prestation lisztienne aux Victoires de la ­musique classique 2009.

Les Victoires de la musique classique, mercredi 13 février, à 21 heures, en direct sur France 3 et France Musique.

Marie-Aude Roux

15/01/2019 Dernières nouvelles d'Alsace

Jean-Guihen Queyras la voie du violoncelle


Artiste en résidence au Philharmonique de Strasbourg, le violoncelliste virtuose Jean-Guihen Queyras donne prochainement ses deux premiers programmes.

Ouverture, limpidité, élégance. Voilà trois mots qui
viennent à l'esprit lorsqu'on pense à Jean-Guihen Queyras qui fut nourri à plusieurs sources vives, celle de l'école française tout d'abord avec Reine Flachot, « une grand-mère protectrice pour le gamin de onze ans que
j'étais, grâce à qui j'ai eu accès à la génération des plus grands : Pierre Fournier, Paul Tortelier, Maurice Gendron. Elle avait une technique d'archet très horizontale, tout en souplesse et en fluidité, et une inlassable curiosité, me disant de m'intéresser aux expérimentations des "baroqueux" qui renouvelaient alors l'interprétation. »
Plutôt que de suivre le classique cursus honorum passant par le CNSM de Paris, il décide de s'ouvrir, étudiant à Fribourg-en-Brisgau (où il enseigne aujourd'hui) avec Christoph Henkel (« qui m'a transmis
une rigueur germanique»), puis aux USA, avec Timothy Eddy, « héritier de la tradition juive d'Europe
centrale, de cette diaspora qui a fuile nazisme ».
Des souvenirs qui demeurent...
C'est dans ce melting-pot d'influences que réside la vision musicale d'un quinquagénaire à l'allure d'étemel jeune homme, aimant explorer les horizons les plus variés, des musiques balkaniques (avec les frères Chemirani et Sokratis Sinopoulos) au jazz, bientôt, en compagnie de Raphaël Imbert.
Celui qui fut meilleur soliste instrumental aux Victoires de la Musique 2008 se souvient avec émotion de Claire Rabier : « À neuf ans j'avais eu un coup de foudre pour l'instrument. Elle m'a fait faire mes premiers pas, me disant de ne pas être tendu en tenant mon archet, com
me si un petit oiseau se nichait au creux de ma main. Ces images restent ! Elle m'a donné le goût de jouer avec les autres, me faisant comprendre la nécessité de l'expérience chambriste ».
Jean-Guihen Queyras donnera ainsi un programme avec huit membres du pupitre de violoncelles de TOPS, le 27 janvier, où se croiseront des ragtimes de Joplin, deux Ba
chianas Brasileiras de Villa-Lobos -la rencontre entre Bach et le Brésil- et Messagesquisse de Boulez, un
compositeur cher au coeur de celui qui fut membre de l'Ensemble intercontemporain qu'il avait fondé.
« II nous poussait à aller chercher tout le potentiel d'une oeuvre et à remettre sans cesse en question ce
que nous savions », résume Jean-Guihen Queyras qui se réjouit de faire découvrir une page « d'une densité extrême, où le soliste se lance, comme un cheval fou, dans une cavalcade éperdue au milieu des sons des autres violoncelles qui fusent dans tous les sens ».
Dans une autre série de concerts, les 24 et 25 janvier, il jouera le deuxième Concerto de Chostakovitch à qui
TOPS consacre un cycle, « la quintessence de l'oeuvre d'un homme qui, à la fin de sa vie, n'a plus rien à prouver. Il brouille les cartes dans une pièce méditative et intime, presque labyrinthique qui évoque curieusement Mahler ».
Son objectif ? « Me lover dans un univers que m'offre le compositeur. Raconter Chostakovitch avec la langue de Chostakovitch, ce qui ne veut pas dire que l'interprète
doit s'effacer ».

LE VIOLONCELLE BAROQUE...
Parmi l'abondante discographie de Jean-Guihen Queyras, deux récents opus explorent le répertoire baroque. Gravé avec l'Ensemble Resonanz, l'un est dédié à Carl Philipp Emanuel Bach (le fils de), tandis que l'autre
est consacré à Vivaldi. Si sur le premier, il a utilisé des cordes modernes (en métal), sur le second, il s'est servi d'un montage baroque avec des cordes en boyau : « Je n'ai pas de dogmatisme en la matière, ce qui est important n'est pas l'instrument mais la manière dont on le joue », affirme-t-il. Dans les deux disques, parus chez Harmonia Mundi, éclatent néanmoins une identique virtuosité et une pareille joie de jouer.

Hervé LEVY
Dernières nouvelles d'Alsace 15/01/2019


Jeudi 24 et vendredi 25 janvier à 20 h au FMC (concert symphonique)
puis dimanche 27 janvier à 11 h à l'Auditorium de la Cité de la musique et de la danse (programme chambriste).

Tout le programme :
15/01/2019 Kaaitheater, Brussels

Pre-premiere Mitten, a film by Olivia Rochette & Gerard-Jan Claes

                   
                  

MITTEN follows the final weeks of rehearsal of Mitten wir im Leben sind, a performance by Anne Teresa De Keersmaeker, her company Rosas and cellist Jean-Guihen Queyras, based on the six cello suites by Johann Sebastian Bach. The film offers an intimate glance into De Keersmaeker’s meticulous methodology, in which a choreographic universe is built up through a careful study of musical composition. This intense creative process of continuously reshaping and honing, characterised by De Keersmaeker’s inexhaustible longing for precision and detail, is reflected in the filmmakers’ patient look at the work of the choreographer, the musician and dancers.

Pre-premiere 15.01.2019 — Kaaitheater, Brussels

AFTERTALK :

Following the screening, Anne Teresa De Keersmaeker, cellist Jean-Guihen Queyras and director Gerard-Jan Claes have a discussion.

07/01/2019

Vous avez dit Mozart ? Alexander Melnikov, Isabelle Faust et Jean-Guihen Queyras en sonates et trios sur France Musique


Alexander Melnikov, Isabelle Faust et Jean-Guihen Queyras respectivement au piano, violon et violoncelle nous offrent quelques pages sublimes de musique de chambre, tout Mozart.


Concert donné le 17 octobre 2018 à la Cité de la Musique à Paris

Programme du concert

Wolfgang Amadeus Mozart
Sonate pour violon et piano n°26 en si bémol majeur K 378

Wolfgang Amadeus Mozart
Trio pour piano, violon et violoncelle n°3 en sol Majeur K 496

Wolfgang Amadeus Mozart
Sonate pour piano n°12 en fa Majeur K 332

Wolfgang Amadeus Mozart
Trio pour piano, violon et violoncelle n°4 en si bémol Majeur K 502

Alexander Melnikov  piano
Isabelle Faust  violon
Jean-Guihen Queyras  violoncelle

05/12/2018

Philharmonie de Paris : Anne Teresa De Keersmaeker en Suites de Bach

La Philharmonie de Paris a reçu du 17 au 19 novembre Mitten wir im Leben sind/Bach6Cellosuiten, une pièce créée en 2017 par la danseuse et chorégraphe belge flamande Anne Teresa De Keersmaeker.

 

L’écrin acoustique sert le violoncelliste français de renommée internationale Jean-Guihen Queyras dont la remarquable interprétation aimante le public. A la fois un défi musical; jouer les six Suites en intégralité et un défi scénique; jouer en étant acteur en colonne vertébrale de la partition chorégraphique. Près de deux heures d’immersion dans une dimension sonore aussi puissante que délicate. La compagnie Rosas est composée de trois danseurs et deux danseuses, dont la chorégraphe elle-même qui nous offre ici un dialogue organique ciselé entre danse, musique, corps et géométrie sonore. Une magistrale incarnation chorégraphique des Six Suites pour violoncelle BWV 1007-1012 de Johann Sebastian Bach.

 

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Mitten De Munt © Anne Van Aerschot

Le titre de la pièce reprend les mots de Martin LutherMitten wir im leben sind” suivis de « /mit dem tod umfangeng ». La traduction littérale «Au coeur de la vie nous sommes/ embrassés par la mort » nous place d’emblée dans l’évocation ternaire ; vie, mort et rédemption. De Keersmaeker en emprunte le sens funeste et prometteur, et nous invite à envisager une matière nourrie de l’essentiel ; la communion de l’être sensible avec la nature, avec l’espace sonore, l’intimité des impressions musicales avec les émotions dansées, la proximité des élans intérieurs et secrets.
Le cycle inéluctable est évoqué par le jeu de lumière : vive dès la première Suite, elle décline peu à peu jusqu’à son extinction à la cinquième. A la sixième Suite, le salut émerge du flot musical intemporel, rejoignant les danseurs et l’espace dans un halo rédempteur.

La pièce de près de deux heures s’assoit sur une mise en scène chorégraphique savamment construite sur l’étreinte de la source musicale en live et la danse. De Keersmaeker s’empare de l’œuvre du célèbre compositeur et livre les corps au jeu harmonique et mélodique avec une rigueur structurelle étincelante rappelant : « …Bach utilise des règle de jeu qu’il élargit et brise à chaque fois. […] La traduction du musical en paramètres physiques et spatiaux est aussi cela : la définition de règles de jeu ».
Les règles du jeu sont divulguées au spectateur sans détours. Géométrie rigoureuse de l’espace sonore et de l’espace corporel, tensions rythmiques jouant de l’ambigüité de l’harmonie et de la mélodie… Un jeu orchestré avec maestria. En maître de cérémonie, De Keersmaeker annonce dans sa danse chaque Suite par son chiffre. Dans un silence consciencieux, elle s’aide d’un danseur pour tracer au scotch de couleur la règle géométrique associée à la Suite ainsi annoncée. Les pentagrammes s’élargissent progressivement dans le décor vide et volontairement dépouillé. Point d’artifice. Un minimalisme propice, en offrande à l’intensité du discours qui se déploie.

La chorégraphe offre une Suite en solo à quatre danseurs. Chaque suite est attribuée au danseur dont l’affect dominant est en correspondance avec celui de la musique, favorisant ainsi le discours corporel. La cinquième et la sixième suite sont le lieu de voix différenciées à deux ou plusieurs danseurs, entrées, sorties… Avec finesse, De Keersmaeker investit les différentes « danses » de la Suite -l’allemande, la courante, la sarabande, la gigue – partant de leur propre loi : « si la musique de Bach est extrêmement structurée, elle n’est jamais systématique. Il utilise des règles de jeu qu’il élargit et brise à la fois». Au-delà de l’installation d’une conjugaison émotionnelle commune et l’appui sur les couleurs et la structure rythmique, c’est au gré des tonalités que se tisse le lien organique entre corps dansant et musique. Ainsi, introspection et gravité, corps spiralés dans l’abandon et proches du sol s’allient à la tonalité mineure. Déploiement fugace, vivacité des petits sauts et parcours amples à la tonalité majeure. Plus loin, les corps soutenus par une même cadence se croisent sans heurts et délivrent sans retenue les expériences émotionnelles enfouies.

Quelles imprégnations nous laisse cette pièce ? Une écriture chorégraphique intelligente en regard d’un impressionnisme musical puissant. Il nous reste des ressentis fugaces d’énergies sonores qui résonnent profondément. Les corps qui exultent en vibrations accordées avec le flot harmonique et mélodique, prolixes dans les accents, pivots, circularité, rondeur, chutes… L’inépuisable éventail d’énergies révélées par le corps dansant en écho aux vibrations sonores remplies d’autant de visages et de couleurs.

Une danse expressive qui se nourrit de l’introspection et de la gamme émotionnelle conjointe à la musique et à la danse pour se déployer. Une rigueur qui va droit à l’essentiel et des règles strictes tracées au cordeau, extirpées de l’analyse minutieuse de la partition musicale. Un minimalisme efficace qui sert la richesse du propos. Une géométrie implacable qui rappelle la prédilection de maître Bach pour les mathématiques et leurs liens au divin.
De tout cela, nous retenons volontiers notre universelle proximité avec la musique et la danse, notre propension naturelle à nous fondre intimement dans les deux mondes, à nous livrer au merveilleux imaginaire de l’éphémère union sacrée…

New york Times 04/12/2018

A Border-Crossing Work Wins One of Musics Biggest Prizes

Joel Bons, a Dutch composer, has been awarded the 2019 Grawemeyer Award for Music Composition for “Nomaden.”

                          

With nationalism on the rise around the world — Britain planning to leave the European Union and the Trump administration sending troops to the southern border of the United States — one of contemporary music’s most prestigious prizes is being awarded to a work that crosses cultural borders.

Joël Bons, a Dutch composer, has been awarded the 2019 Grawemeyer Award for Music Composition for “Nomaden,” an hourlong work featuring a cellist and an ensemble playing a wide array of instruments from across Asia, the University of Louisville in Kentucky, which awards the prize, announced Monday.

The Grawemeyer, which is one of the largest and most prestigious in music, comes with a $100,000 award. In Mr. Bons, 65, it is going to a composer who has long thought deeply about integrating music from different corners of the world.

 

“Nomaden,” which was written for the French cellist Jean-Guihen Queyras and the Atlas Ensemble, a group of 18 musicians from Asia, the Middle East and Europe, had its premiere at the Cello Biennale in Amsterdam in 2016, where it was received enthusiastically. It pairs its cello soloist with musicians who play instruments from China (erhu and sheng), Japan (sho and shakuhachi), India (sarangi), Turkey (kemenche), Armenia (duduk), Iran (setar) and Azerbaijan (tar and kamancha).

“‘Nomaden’ is not a traditional concerto, but a work for cello and instruments from cultures around the world,” Mr. Bons said in a statement. “I imagined an unlimited potential of combinations and an unheard spectrum of timbres. My aim was to create a piece in which the musicians and the instruments, in all their cultural differences, could bloom in full glory.”

Mr. Bons, a professor of composition at the Conservatory of Amsterdam, attributes his interest in music in world music to his parents’ wide-ranging record collection. In 1980, he was one of the founders of the Amsterdam-based contemporary music group Nieuw Ensemble, and in 2002 founded the Atlas Ensemble. He has championed works by contemporary Chinese composers, and his musical travels have taken him to Syria and Iran.

Marc Satterwhite, a music professor at the University of Louisville who directs the award, cited Mr. Bons’s musical juxtapositions in a statement. “Art of all kinds is becoming more and more eclectic, juxtaposing materials and influences in increasingly new ways,” Mr. Satterwhite said. “‘Nomaden’ is one of the most successful musical examples of this trend in recent years.”

The Grawemeyer has been awarded to some of the most important composers of our time, including Gyorgy Ligeti, Harrison Birtwistle, John Adams, Tan Dun, Thomas Adès, Pierre Boulez, Kaija Saariaho, Gyorgy Kurtag, Brett Dean, Louis Andriessen and Esa-Pekka Salonen, among others. Mr. Bons will accept the prize in Louisville in April.

29/11/2018

Jean-Guihen sur Radio Classique à 20H dans le Journal du classique

 


Ce jeudi 29 novembre à 20 heures, Laure Mézan reçoit le violoncelliste Jean-Guihen Queyras à l’affiche des Sonates pour violoncelle et basse-continue de Vivaldi d’une part et de la Sonate pour violoncelle et piano de Debussy d’autre part (Harmonia mundi).

23/11/2018

OnMag -Topaudio : Sonates de Debussy


           

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C'est à un Debussy intime que nous convie ce disque. Celui des dernières compositions, des années de guerre. Les trois sonates, jouées ici sur instruments anciens, prennent une saveur singulière. Tout comme les dernières œuvres écrites pour le piano, une résonance particulière. Des interprétations dues à une fine brochette de musiciens français et à deux pianistes étrangers, l'un russe, l'autre espagnol. Des exécutions bien différentes de celles du disque paru l'année dernière (Erato), livrées par l'autre cohorte française menée par Bertrand Chamayou. Autres choix, autres visions. 

Du projet de Claude Debussy d'écrire six sonates pour divers instruments, la maladie ne lui permettra de n'en achever que trois. La première écrite, la Sonate pour violoncelle et piano, voit le jour en 1914. Elle est d'humeur contrastée. Le ''Prologue'' donne le ton de gravité dès l'introduction confiée au seul piano.

Le violoncelle entre sur la pointe des pieds. Si les choses s'animent peu à peu, c'est dans le registre dramatique, en particulier sous l'archet de Jean-Guihen Queyras, dans un mélodisme emprunt de tristesse. La ''Sérénade'', marquée ''fantasque et léger'', est un jeu sur la sonorité généreuse du cello, de pizzicatos singulièrement. Ici magnifié par une exécution retenue et très pensée jusqu'à des pppp venant du tréfonds. Le ''Finale'', en contraste avec ce qui a précédé, est tout de légèreté comme si le ciel s'ouvrait enfin, l'espoir renaissait. Queyras et Javier Perianes forment un magistral duo.

La Sonate pour flûte, alto et harpe, de la même année 1915, association inédite, est la plus développée des trois. Dans le premier mouvement, ''Pastorale'', on retrouve le mystère des Nocturnes ou des Chansons de Bilitis, dans un savant entrelacs des trois instruments qui folâtrent : flûte un brin nostalgique de Magali Mosnier, harpe enchantée de Xavier de Maistre, alto royal d'Antoine Tamestit jouant un strad de 1672. Un régal. Ces effluves envoûtants se poursuivent à l''Interlude'', tempo di minuetto : charme et élégance gallique, et un sentiment d'indicible mélancolie, générée par une interprétation sur le versant retenu. Au ''Finale'', on se délecte des pirouettes des trois protagonistes, mêlant des climats où l'on pense aussi bien à Pelléas et Mélisande qu'aux inspirations les plus modernistes de Debussy : une joyeuse précipitation et une belle envolée lyrique contenue. 

La Sonate pour violon et piano, des années 1916/1917 connaît avec Isabelle Faust et Alexander Melnikov une exécution extrêmement retenue, très intimiste, toute enveloppée d'une secrète magie. Peut-être le « surgissement de l'instant », dont parle Jankélévitch. Qu'imprime un parti pris interprétatif osé, quelque peu éloigné de ce que l'auteur décrivait comme une sonate « pleine d'un joyeux tumulte ». L'allegro vivo, pris très lent et ppp, se voit imposer par la violoniste des ralentissements répétés et une tristesse angoissée qu'accentue l'usage de glissandos. À l''Intermède'', les jeux novateurs typiques de la dernière période debussyste sont abordés dans une manière plus confortable que l'indication ''Fantasque et léger'', laissant affleurer un lyrisme serein, frôlant parfois l'alanguissement. On sait que dans le finale ''Très animé'', Debussy voyait « une idée qui tourne sur elle-même ». Le duo est plus naturellement gallique ici, même si la violoniste sacrifie à un jeu que d'aucuns peuvent qualifier de narcissique. Une lecture pour le moins bien différente de celle apollinienne de la paire Capuçon-Chamayou. Le disque offre encore quatre pièces pour piano, hommage aussi à cette période de la Grande Guerre qui ébranla tant le compositeur. Et sa contribution à l'effort de guerre. La Berceuse héroïque (1914) est traversée par la Brabançonne, l'hymne belge, puisqu'elle a pour dessein de « rendre hommage à S. M. le roi Albert Ier de Belgique et à ses soldats ». Elle est, selon Debussy, « mélancolique, effacée ». Tout aussi sombre est Elégie (1915). Page d'album - Pour l'Œuvre du ''Vêtement du blessé'' est dédiée à sa femme Emma. Enfin Les Soirs illuminés par l'ardeur du charbon, de 1917, sera sa dernière œuvre laissée au piano, inspirée du ''Balcon'' de Baudelaire, ultime rêve musical. Tanguy de Williencourt les joue avec tact.

La prise de son, effectuée dans le Teldex Studio de Berlin, offre une image claire et présente, mettant en valeur la couleur des instruments. La sonate pour flûte, alto et harpe, captée à l'Amphithéâtre de la Cité de la Musique à Paris, se voit réserver une acoustique légèrement plus réverbérante.

Jean-Pierre Robert
ON Mag - Topaudio

20/11/2018

Jean-Guihen en direct ce soir sur France Musique pour les Diapasons d'Or de l'année


                                 

Ne manquez pas, en direct sur France Musique dès 20H, la grande soirée de gala consacrée aux Diapasons d'Or de l'année 2018 !

Dès 20h suivez la remise du palmarès qui sera dévoilé par Emilie Munera, Rodolphe Bruneau-Boulmier et Clément Rochefort.

      

Puis à 22h "l'after" de Lionel Esparza, un Classic Club spécial auquel participera Jean-Guihen, nominé dans la catégorie concertos pour son album des concertos de CPE BACH, Diapason d'Or de juillet

                
                         
Depuis plus de 20 ans, les Diapasons d'Or se sont imposés comme la récompense annuelle la plus prisée en matière d'enregistrement discographique et DVD classiques. Les Diapasons d'Or sont décernés par un jury composé de critiques du magazine Diapason et de producteurs de France Musique.


19/11/2018

Jean-Guihen Queyras, invité de Musique matin sur France Musique

A l'occasion de sa venue à Paris dans le cadre du festival d'automne en compagnie d'Anne Teresa de Keersmaeker pour le magnifique projet "Mitten wir im Leben sind", réécoutez Jean-Guihen qui était l'invité de Saskia de Ville dans son émission "Musique matin" sur France Musique.
16/11/2018 Le Monde

La belle austérité dAnne Teresa De Keersmaeker


« Mitten wir Im Leben Sind », sur du Bach, est présenté à la Philharmonie de Paris dans le cadre du Festival d’automne.

Du scotch pour tirer des ­lignes, tracer des flèches qui filent et des étoiles qui explosent, des courbes qui jettent des ponts jusqu’à affoler le cosmos. Les rubans multicolores collés sur scène par les interprètes tout au long de Mitten wir Im Leben Sind, spectacle austère et beau de la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker, ressemblent à une partition pour des circonvolutions infinies. Au point qu’on se surprend parfois à projeter mentalement au sol les dessins que laisseraient derrière eux les mouvements des ­interprètes [...]

Rosita Boisseau
Le Monde 16/11/2018
15/11/2018 Les Inrockuptibles

Quand Anne Teresa de Keersmaeker revisite Bach

La musique de Jean Sebastien Bach accompagne l’art d’Anne Teresa De Keersmaeker depuis longtemps. La preuve en majesté par "Mitten wir im Leben sind".

Anne Teresa De Keersmaeker dit du musicien prodige de Leipzig, Jean-Sébastien Bach, qu’" aucun autre compositeur ne délivre cette sensation d’une parfaite rencontre entre abstraction et incarnation ". Depuis Toccata en 1993, la chorégraphe flamande croise ses chemins avec certaines des partitions de Bach. Elle y reviendra bientôt avec un nouveau projet, Concertos Brandebourgeois, accompagnée de la violoniste Amandine Beyer et un ensemble de jeunes musiciens. Mais c’est sans doute avec Mitten wir im Leben sind qu’elle s’approche le plus de l’œuvre du compositeur de génie dans une écoute partagée.

Ici, un principe évident : le violoncelliste Jean-Guihen Queyras, cinq danseurs et - presque - rien d ‘autre. Si ce n’est ces dessins au plateau rehaussés de couleurs durant la performance. Queyras donc, de dos, de côté, de face. Et pour chaque soliste, une des Suites de Bach. Mitten wir im Leben sind va déployer deux heures durant ses charmes par le jeu des regards, par l’effet des sauts répétés, par le simple son du souffle. Et lorsque le silence s’impose, l’archet de Jean-Guihen Queyras suspendu, le geste des deux danseurs arrêtés, c’est encore de la chorégraphie [...]
12/11/2018 La Croix

La mélodie secrète dAnne Teresa de Keersmaeker

Dans Mitten wir im leben sind, créé en 2017, le violoncelliste Jean-Guihen Queyras est seul en scène avec quatre danseurs et la chorégraphe. Deux heures durant, il déroule les suites pour violoncelle seul de Bach. Un voyage « initiatique » qu’il a maintes fois effectué en solitaire avant de le confronter à la danse d’Anne Teresa de Keersmaeker [...]
08/11/2018 Le Devoir

Bach-Queyras: nouveaux univers et lente éclosion

Quel chemin parcouru en dix ans ! Il est difficile de reconnaître en Jean-Guihen Queyras, l’interprète de novembre 2018, celui qui a enregistré les Suites de Bach en mars 2007 pour Harmonia Mundi et celui qui les a jouées ici, en 2010, à la salle Pollack

Le violoncelliste avait donné alors au Devoir un aperçu de ce qu’il concevait comme un véritable parcours initiatique en un unique concert en trois parties, jouant les Suites par groupes de deux (1 4, 3 5, 2 6). En 2018, le cheminement occupe deux soirées, allant de la Première à la Sixième, la première soirée étant complétée par la sonate de Kodály, la seconde par les Trois strophes de Dutilleux, qui ne font pas l’objet de ce commentaire.

Rebondir, plus que lier

Il arrive que les interprètes évoluent en fonction de leurs acquis musicologiques. Ainsi, le chef Bernard Haitink a changé sa vision des symphonies de Beethoven (notamment la Septième et son 2e mouvement) dans les années 1990. Avec Queyras, bien des choses sont remises à plat, des phrasés à la production sonore.

En 2010, l’interprète poussait plus loin la conversation avec son instrument et la musique par rapport à la sculpturale poétique des disques de 2007. En 2018, la suprême sensualité et l’élégance ont laissé place à un jeu avec la matière et les phrases. Cette matière est ligneuse, les phrases plus courtes et nerveuses — surtout lors de la première soirée, la seconde ayant vu une lente éclosion sonore.

Jean-Guihen Queyras ne cherche plus à plaire. Il aspire à rebondir plus qu’à lier. Il pense moins à faire résonner l’instrument qu’à en découdre avec la matière. Il amplifie les contrastes et scrute des recoins de phrases.

On comprend le changement en voyant le musicien, dans la Sarabande de la 2e suite, éliminer tout vibrato, même et surtout sur les valeurs longues. Ces Suites pour violoncelle de Bach, notamment les trois premières, se sont « isabellefaustisées », du nom et du jansénisme musical de la violoniste Isabelle Faust, régulière partenaire de musique de chambre du violoncelliste.

Deux soirées contrastées

Il ne faudrait pas condamner la démarche parce qu’elle est moins immédiatement « aimable ». En jouant, mardi, avec un archet plus haut et plus éloigné du chevalet, le violoncelliste réduit et assèche la résonnance et fait passer la musique avant l’instrument. De là le son plus ligneux, mais aussi quelques notes qui s’échappent, accidents absents en 2010. Queyras joue sur une véritable amplification sonore dans les Préludes (Suites nos 2 et 3). Au chapitre ludique, il creuse davantage les contrastes de caractère entre les Menuets I et II (ralentis).

De nouvelles ornementations apparaissent (Allemande de la Suite no 1). Partout, le poids est moindre. Le violoncelle disparaît quelque peu en tant qu’instrument au profit de la musicologie et de l’invention sonore.

Mardi, le violoncelliste semblait stressé au début du concert, au point de faire tout un vacarme avec ses doigts sur la touche dans la 1re suite ? Est-ce une détente progressive de l’artiste qui a également amené, mercredi, un surcroît de générosité sonore ? L’archet se rapprochant du chevalet, la production sonore était souvent plus « habituelle », même si, esthétiquement les différences avec l’enregistrement restaient marquées, par exemple dans la manière hardie d’empoigner les Préludes (Suite no 6) et de jouer avec certaines phrases par petites touches plus qu’avec une longue respiration.

L’îlot esthétique qu’est la Sarabande de la 5e suite est abordé comme en apnée aux confins du silence. Même si l’approche est différente de celle de 2010, le public répond pareillement, avec la même concentration, suspendu aux sons infinitésimaux.

Je ne doute pas qu’il y aura un jour un Bach-Queyras phase 3, quand le musicien aura fait le tour des plaisirs de toutes ces expérimentations qui semblent le faire retomber dans une phase de jubilation ludique quasi adolescente. Il y aura alors la synthèse de 2007-2010 et de 2018, le moyen terme idéal entre l’esthétisme et l’allégement parfois un peu tortueux. La seule chose qui n’a pas sa place avec ce compositeur, c’est la complaisance. Jean-Guihen Queyras est évidemment assez grand musicien pour ne pas tomber dans ce travers, quelle que soit l’obédience esthétique qu’il suit.

 

14/09/2018

Jean-Guihen Queyras : goûter le monde grâce à Vivaldi.


Souvenez-vous Jean-Guihen Queyras : il est ce violoncelliste français qui a accompagné Yannick Nézet-Séguin et son Orchestre métropolitain lors de leur tournée européenne en 2017 (en plus de Stéphane Tétreault, Alexandre Tharaud et Marie-Nicole Lemieux!). L’un des artistes les plus excitants de sa génération, Queyras transcende tout ce qu’il joue. Voici qu’il nous transporte avec six sonates de Vivaldi. Compte-rendu d’une petite merveille, l’album Vivaldi: Sonatas for Violoncello and Basso.

Jean-Guihen Queyras est né à Montréal et a grandi à Sherbrooke jusqu’à l’âge de 5 ans avant de déménager en Algérie, puis en France.

La musique de Vivaldi, Queyras l’a dans les veines.

Ces sonates font partie de mes marqueurs musicaux de manière quasi proustienne.

Ces partitions traînaient déjà à la maison, elles faisaient partie du mobilier au même titre que les vaches provençales et les mouches. Cette musique m’a enveloppé au quotidien, d’une façon totalement naturelle, familière et presque organique.

Queyras joue avec une lumière éclatante dans les doigts et l’archet. Il exprime cette musique avec une diction vigoureusement claire et limpide, et l’imprègne d’une passion communicatrice, à l’instar de ses compagnons Michael Behringer (clavecin et orgue), Lee Santana (théorbe) et Christoph Dangel (violoncelle).

Certaines partitions de l’Italien à la flamboyante chevelure (on l’appelait le prêtre roux) sont construites avec des moyens très simples : peu d’ornements, des lignes mélodiques économes et un accompagnement presque élémentaire.

C’est qu’il laissait probablement le soin aux interprètes d’ajouter leurs improvisations à cette base qu’il leur léguait. Tout cela dans l’esprit qu’on lui associe toujours : celui de la simplicité comme facteur d’émotion directe et sincère.

Ce qui fait dire à Jean-Guihen Queyras :

Vivaldi nous prend par la main, nous invite à « descendre » dans le monde : goûter, voir, danser, faire silence, tendre vers la qualité si chaude et singulière de sa lumière.

07/07/2018

Nouvel opus : VIVALDI, six sonates pour violoncelle et basse continue


             

En amoureux de Vivaldi, Jean-Guihen avait enregistré un volume de concertos pour violoncelle plébliscité à sa sortie par la presse et le public. Il poursuit ici son hommage au compositeur vénitien ave une sélection de sonates dont l'écriture est aussi brillante et inspirée que celle des concertos. "Pisendel avait un jour soumis un essai de concertos au maître ; ce dernier l'a immédiatement dépouillé de la moitié de ses notes : il faut savoir laisser de l'espace pour que filtre le miracle". (Olivier Fourés)

An eloquent interpreter of Vivaldi, Jean-guihen as already recorded several cello concertos by this composer - an album acclaimed bycritics and music lovers alike. His latest homage to the Venetian master feature an inspired selection of cello sonatas also written in his brilliant concertante style. "Pisendel once submitted an attempt at a concerto to his teacher. Vivaldi immediately divested it of half its notes: one must know how to leave enough space to the miracle ti filter through. (Olivier Fourés)

Retrouvez aux côtés de Jean-Guihen, Michael Behringer (Harpsichord/organ), Lee Santana (theorbo), Christoph Dangel (cello).

06/09/2018

Jean-Guihen dans le Carrefour de Lodéon consacré au Diapason de la rentrée et

                        
Frédéric Lodéon consacre son émission du jeudi 06 septembre au Diapason de la rentrée.

"Découvrez ainsi le violoncelliste Jean-Guihen Queyras à l'honneur dans le numéro de rentrée de Diapason, notre partenaire pour cette émission spéciale diapasons d'or de la rentrée !"
01/09/2018 Diapason magasine

Jean-Guihen Queyras, le violoncelle réinventé !

         

                     
 
Retrouvez Jean-Guihen à la une de Diapason qui lui consacre son numéro de rentrée.

Tout savoir :
25/08/2018 Le Devoir de Montréal

Bach et ses Titans


La musique n’est aucunement assimilable à un combat de coqs, et tel n’est certainement pas l’esprit de ces deux artistes. Mais imaginez tout de même… En un mois, nous allons pouvoir vivre les Six suites de Bach par les deux titans du violoncelle, Yo-Yo Ma et Jean-Guihen Queyras. Une telle concordance ne survient probablement qu’une fois dans une vie de mélomane. L’Américain, invité vedette du Festival Bach, les jouera d’une traite en une soirée, le 7 décembre à la Maison symphonique. Le Français en deux soirs, les 6 et 7 novembre à la salle Bourgie. L’apothéose de la danse est pour demain !
14/08/2018 Télérama

Cello Concertos


A l’association de l’éclectique Ensemble Resonanz et de Jean-Guihen Queyras, on devait déjà, chez Harmonia Mundi, un bel album Berg/Schoenberg. Ils remontent le temps avec ce disque consacré à Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), claveciniste à la cour de Frédéric II, lequel encourage les arts en ­général et la musique en particulier. Le compositeur en profite pour écrire, à côté de nombreuses œuvres pour clavier, ses premières symphonies et trois concertos pour violoncelle et cordes.

Le disque retient deux concertos et une symphonie, joués sur cordes moder­nes (en métal). De l’introduction fiévreuse du Concerto en la mineur au feu d’artifice qui clôt le Concerto en la ­majeur, en passant par une brève et raffinée Symphonie en sol majeur, la direction euphorisante de Riccardo Minasi soigne les couleurs et les dynamiques, et le violoncelle virtuose de Jean-­Guihen Queyras dialogue dans une chaleureuse égalité avec l’orchestre de chambre.

07/07/2018

Venez fêter les 30 ans des Rencontres Musicales de Haute-Provence !


Le temps passe mais les Rencontres continuent !

Pour ce cru exceptionnel, les fondateurs du festival que sont Jean-Guihen et Pierre-olivier Queyras, Véronique Marin et Gesine Meyer-Eggen, ont concoté un programme de haute volée.

Le festival ouvrira ses portes avec la traditionnelle journée continue de musique de chambre à la cathédrale de Forcalquier, véritable clé de voûte par laquelle tout a commencé. Point de rencontre des générations et cristallisation de l'esprit des Rencontres Musicales.

Une semaine de musique dans de multiples lieux entre Forcalquier et le Prieuré de Salagon où, à côté des inconditionnels et des jeunes talents, se joindront entre autres Alexandre Tharaud et Kristian Bezuidenhout qui nous enchantera sur un Peyel 1830.

Une soirée anniversaire viendra clore cette saison festive !...

Découvrez l'ensemble de la programmation :
12/07/2018

"Une heure, un concert" sur France Musique avec Jean-Guihen et Alexandre Tharaud


Ecoutez sur France Musique la retransmission du concert donné par Jean-Guihen avec Alexandre Tharaud à l'auditorium de la maison de la radio à Paris le 1er février dernier.

Au programme Brahms, Chostakovitch et Berg.
18/05/2018

Nouvelle parution : les concertis de CPE BACH !


                




Trio Gagnant sur C.P.E. Bach Plus qu un pied de nez... Pourquoi la musique avant Mozart serait-elle dorénavant réservée aux seuls orchestres sur instruments d'époque ? Depuis plusieurs années, l'Ensemble Resonanz a relevé le défi sans négliger la notion de pur plaisir que pouvaient apporter concertos et symphonies du grand C.P.E. Bach. À l'image de leur invité Jean-Guihen Queyras, tous les musiciens maîtrisent avec une égale virtuosité les interprétations historiquement informées (pour les cordes, sur boyaux) ou sur instruments montés modernes (comme ici, sur corde métal). Ce disque est le premier opus célébrant leur collaboration avec le maestro Riccardo Minasi pour harmonia mundi.


15/06/2018

Mezzo diffuse les trois concertos de Schumann avec Jean-Guihen Queyras, Isabelle Faust et Alexander Melnikov


Retrouvez vendredi 15 juin à 20h30 sur Mezzo, le Freiburger Barockorchester, Pablo Heras-Casado (direction) Alexander Melnikov (pianoforte), Isabelle Faust (violon) et Jean-Guihen Queyras (violoncelle) dans les trois concertos de Robert Schumann enregistrés à la Philharmonie de Berlin le 7 mai 2014.
 
Vous pouvez retrouver l'ensemble des protagonistes de ce concert dans un vaste projet discographique regroupant l'intégralité de ces oeuvres.

Programme complet :

Ouverture, Scherzo et Finale en Mi major, Op. 52
Concerto pour piano en la mineur, Op. 54
Concerto pour violon en ré mineur, WoO 23
Concerto pour violoncelle en la mineur, Op. 129

Rediffusion :

21/06 - 08:30
29/06 - 12:30
05/07 - 16:30
13/07- 17:00 sur mezzo live hd
16/07 - 09:30
21/07 - 03:05
24/07 - 14:04
25/07 - 18:05
26/07 - 22:04
27/07 - 07:04
28/07 - 10:34

 

21/04/2018

Retrouvez Jean-guihen et YN Séguin dans Le Concert du soir sur France Musique


Pour sa première tournée en Europe, l'Orchestre Métropolitain de Montréal dirigé par Yannick Nézet-Séguin fait escale à Hambourg avec Marie-Nicole Lemieux et Jean-Guihen Queyras dans un programme placé sous le signe de l’amitié Europe – Canada : Mercure, Berlioz, Saint-Saëns et Elgar.


Concert donné le 1er décembre 2017 à la Elbphilharmonie de Hambourg,  Allemagne

Programme du concert
 

Pierre Mercure
 Kaléidoscope (1948) 

Hector Berlioz (1803-1869)
  Les Nuits d'été (1834-40) 

Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Concerto pour violoncelle n°1 en la mineur op.33 (1872)  

Edward Elgar (1857-1934)
Variations Enigma op.36 (1898-99) 

Maurice Ravel (1875 - 1937)
 Pavane pour une infante defunte  (Bis)

 

04/04/2018

Rosas publishes "Mitten wir im Leben sind/Bach6cellosuiten" photo book



           

Photographer Anne Van Aerschot captured the essence of Anne Teresa De Keersmaeker's latest creation Mitten wir im Leben sind/Bach6cellosuiten. Next to a large selection of pictures this photo book includes an interview with artists Anne Teresa De Keersmaeker and Jean-Guihen Queyras and texts by Jan Vandenhouwe, Wannes Gyselinck and Floor Keersmaekers.

     
05/03/2018

Retrouvez Jean-Guihen et Alexandre sur Radio Classique !


       

Laure Mézan dans le journal du classique recevra jean-Guihen et Alexandre Tharaud lundi 05 mars à 20h à l'occasion dela parution de leur dernier enregistrement autour de Johannes Brahms.

Toutes les informations :
02/03/2018

Jean-Guihen et Alexandre dans la Matinale de France Musique

 
A l'occasion de la sortie de leur disque Brahms, Jean-Guihen et Alexandre seront les invités du jour dans la matinale de Saskia de Ville sur France Musique vendredi 02 mars à 8H05.

Ne manquez pas ce rendez-vous !

Toutes les informations :
El Pais 05/02/2018

Champán francés para dos

Jean-Guihen Queyras y Alexandre Tharaud ponen su talento al servicio de una velada íntima y libre.


Solemos relacionar al Auditorio Nacional con su gran sala de conciertos, esa de las lámparas modernas con estructuras tubulares y el graderío que envuelve por completo a los intérpretes. Pero a veces se nos olvida que en el coliseo de Príncipe de Vergara la magia queda en parte reservada justo para su espacio más íntimo, la sala de cámara. Aquí la música camerística se encuentra cómoda, no siente la frialdad de un escenario demasiado grande y puede sentir el calor de un público que sabe a lo que viene. Mañana martes un dúo francés será el que llene de color la tarde a través de la música de tres siglos.

Jean-Guihen Queyras es un hombre al que le gusta venir a Madrid, o al menos se ha aficionado a visitarnos en los últimos tiempos. El exquisito violonchelista estuvo hace poco en nuestra ciudad acompañando a otro maravilloso instrumentista: el flautista Emmanuel Pahud. En esta ocasión viene con un pianista imaginativo, su compatriota francés Alexandre Tharaud. Ambos conforman una pareja versátil que se entiende con solo mirarse y que comparte una visión abierta de la música. Si bien Queyras es un instrumentista capaz de viajar a través de la Historia de la Música con solvencia sin flaquear, no es menos Tharaud. El pianista tiene una capacidad envidiable de interpretar con igual gusto el repertorio barroco y el contemporáneo.

Para este concierto, se han centrado en un repertorio con mucho regusto germánico y que arranca con la mejor de las firmas, la de Bach. Del alemán intepretarán la ‘Sonata en re mayor para viola da gamba y clave’. Después, darán un salto a través de los siglos para llegar a la Segunda Escuela de Viena de la mano de Alban Berg, jugar con los límites de la decadencia de Shostakóvich y recrearse en la monumentalidad de Brahms. Una tarde de música variada y elegante.

Miguel Perez Martin
El Pais 05/02/2018

31-01-2018

Queyras et Tharaud en duo à Saint-Pierre-des-Cuisines


Le violoncelliste Jean-Guihen Queyras fait escale à Toulouse ce soir mercredi, en compagnie du pianiste Alexandre Tharaud. En tournée européenne, les deux solistes voyagent avec des œuvres de Bach, Brahms et Berg. Ils viennent aussi de signer chez Erato un CD consacré à Johannes Brahms. «Alexandre est sans doute le musicien avec lequel j'ai le plus joué. Nous nous connaissons depuis vingt-cinq ans. Nous ne nous sommes jamais perdus de vue. Notre duo est autant une histoire d'amitié qu'une collaboration artistique.», souligne Jean-Guilhen Queyras.

Longtemps soliste de l'Ensemble Intercontemporain, lorsqu'il était dirigé par Pierre Boulez, le violoncelliste n'a jamais cessé d'élargir son répertoire.

«Dans les recoins des répertoires»

«J'ai toujours aimé jouer des musiques très variées, mettre en rapport des esthétiques différentes lors des concerts, aller chercher dans les recoins des répertoires. Lorsque l'on interprète, par exemple, des pièces de Berg avant des sonates de Brahms, l'auditeur peut écouter autrement l'œuvre du second», explique-t-il. Jean-Guihen Queyras se réjouit de retrouver Toulouse, ville où il a reçu en 2009 la Victoire de la musique de soliste instrumental de l'année. «Je suis seulement revenu l'an dernier à la Halle aux Grains interpréter le Concerto n°1 de Haydn avec Yannick Nézet- Séguin et l'Orchestre de chambre d'Europe», précise-t-il. Professeur en Allemagne, à Fribourg-en-Brisgau, le violoncelliste aime enseigner son art. «La transmission est quelque chose qui me tient à cœur», dit-il.Concert à Saint-Pierre-des-Cuisines mercredi 31 janvier à 20 h 30

La Dépêche
19/01/2018

Nouvel album Brahms avec Alexandre Tharaud !


                  

Complices de longue date, le violoncelliste Jean-Guihen Queyras et le pianiste Alexandre Tharaud unissent à nouveau leur talent pour un magnifique programme romantique consacré à la musique de chambre de Brahms.

Une lecture unique et lumineuse des deux premières sonates pour violoncelle et piano de Brahms par deux artistes passionnés de musique de chambre, épris de liberté et faisant preuve d'une insatiable curiosité musicale. Retrouvez également 6 Danses Hongroises transcrites pour l'occasion par les deux musiciens.

D'une rare intensité, ce nouvel enregistrement de Jean-Guihen Queyras et Alexandre Tharaud nous entraine avec passion et élégance au cœur du romantisme allemand.


"Une magnifique et magistrale réussite d’emblée au sommet de la discographie."
Le Monde


17/01/2018 France Musique

Evénement : sortie CD



Alexandre Tharaud et Jean-Guihen Queyras forment un duo depuis de nombreuses années mais c’est la première fois qu’ils enregistrent ensemble pour Erato. Ils ont choisi de rendre hommage à Brahms avec ses deux sonates pour violoncelle et leurs propres transcriptions des six Danses Hongroises (à l’origine pour violon et piano).

« Alexandre est un merveilleux interprète de Brahms dont le sens de la ligne et la capacité à nourrir de longues phrases sont impressionnants. » confie Jean-Guihen Queyras à Libération. Les deux musiciens se connaissent depuis plus de 20 ans et partagent la même ouverture d’esprit et la même curiosité musicale.

Les enregistrements d’Alexandre Tharaud pour Erato reflètent cette diversité musicale, on le retrouve aussi bien dans Bach, Scarlatti que Chopin ou Rachmaninov, dans le Jazz du Paris des années folles ou rendant hommage à la chanteuse Barbara. Le répertoire de Jean-Guihen Queyras traverse plus de cinq siècles de musique. Il est connu aussi bien pour son travail avec l’Ensemble Intercontemporain mais aussi comme membre fondateur de l’Arcanto Quartet ou partenaire du trio avec Isabelle Faust et Alexander Melnikov.

France Musique - Evénement
 

17/12/2017

Jean-Guihen invité de l'émission "Podium Witteman" dimanche 17/12/2017


Jean-Guihen sera l'invité de l'émission musicale "Podium Witteman". Présentée par Paul Witterman ce programme débutera à 18h pour une heure de partage autour du parcours de Jean-Guihen.

Bachtrack 11/12/2017

De Keersmaeker, Queyras & Rosas in Mitten wir im Leben sind / Bach6Cellosuiten at HAU 1

Approaching HAU, I expected, somehow, a casual evening. Maybe it is the slightly unkept atmosphere of HAU – honestly how many performance venues do you know with a taxidermic fox under their bar counter?

 Anne Van Aerschot
© Anne Van Aerschot

But by the end of the evening, it is clear that there is nothing casual about the performance of Anne Teresa De Keersmaeker, Jean-Guihen Queyras and Rosas' interpretation of six Cello Suites by J.S. Bach.. As we get seated, the cuurtains are open with the working lights on the stage. Three figures, De Keersmaeker, Jean-Guihen Queyras and Michaël Pomero walk on. As De Keersmaeker and Pomero put tape on the floor, Queyras sits with his back facing the audience, with his cello. De Keersmaeker makes a casual sign to the audience – or maybe to the technicians – and then disappears behind the wings. The music and the dance start. Just like I have observed before, Pomero appears, towering over the audience. His movements are in dialogue with the music and De Keersmaeker joins in for some of the movements. The same ritual is repeated for all of the subsequent cello suites. The musician plays from a different position each time and then a new dancer comes on to interpret the suite, with De Keersmaeker giving the start – at this point we understand that she is not communicating with the technicians – and joining in once in a while. At times there is dance but no music, at times music but no dance. Each of the dances follows, however, the structure of the suites, with a slower introduction, a quicker middle section and a slower ending. As we go along there are moments when we see commonality between the different sections danced by the dancers but we do not see the overall effect. The more we see of the piece the more we understand or start understanding that there is logic behind it.

 Anne van Aerschot
© Anne van Aerschot

It is only during the last suite, that the full piece falls into place as we see the whole group perform their sequences simultaneously. At this point De Keersmaeker’s high level of craftsmanship and musical engagement become clear. What seemed like casual movements, in relation to music, are in fact one whole group sequence that makes the “rhythmic vitality and melodic intricacy" of Bach’s music visible. The movement material, casual everyday movement, gestures and more abstract movements, is precisely embroidered on to the music. There is, for example, a section where the dancers are simply walking but each of their movements has a clear relation to the music. The music is almost emanated from their breaths. Notable was Marie Goudot’s interpretation. Her delicate yet strong movements and her limber articulation perfectly matched De Keersmaeker’s movements. Also beautiful is the Caravaggesque image of Queyras, alone on stage playing with a light illuminating him from above. This is then followed by another chiaroscuro in which De Keersmaeker herself dances lit only by a sidelight, the open back of her dress (design by An D’Huys) accentuating the contrast between the blackness of the stage and her white skin. The work could have benefited though from another space, as from my seat in the parterre, the design drawn with the tape stayed somewhat a mystery. And also mysterious were the tapes some of the dancers were wearing – were they injured (K Tape?) or were these decorations? Once you let go of your desire to understand exactly everything that is going on, you enjoy the interplay between the movement and the music, and your experience of the piece changes. It almost becomes meditative, so much so that some people in the audience felt they had to leave the room to cough. Still, the mystery surrounding the piece is not completely lifted. But there is no way to solve it.

It was wonderful to see De Keersmaeker dancing in person. She is a beautiful dancer and her interpretation, between deadly serious, casual and clearly humorous is not to be missed. Her dancers are exquisitely down to earth and Queyras’ interpretation of Bach’s music not to be missed. The work has something Berlinerish about it: it's is a little raw but at the same time very sleek. De Keersmaeker’s Bach6Cellosuiten are the thing for you if you want to have a minimal yet meditative experience observing a work of art growing in front of your eyes. If you get the change, go and see it.

Katja Vaghi
Bachtrack 11/12/2017

Kulturradio 11/12/2017

Ein Treffen der Superlative: Anne Teresa de Keersmaeker und Rosas/ Jean-Guihen Queyras


Johann Sebastian Bachs sechs Cellosuiten, einer der Gipfelpunkte in Bachs Werk, gespielt von einem der besten Cellisten weltweit, Jean-Guihen Queyras und in Tanz übertragen von der bedeutendsten Choreographin Europas, Anne Teresa de Keersmaeker. Es treffen Superlative aufeinander bei diesem Gastspiel, das am Wochenende Premiere im Hebbel am Ufer hatte. „Mitten wir im Leben sind“ haben Keersmaeker und Queyras ihre Auseinandersetzung mit Bach genannt.


Keine Gala, kein Kult - ein Abend mit Widerhaken

Die beiden haben es sich nicht leicht gemacht, sind nicht den bequemen Weg gegangen. Dies ist kein Star-Rummel um Keersmaeker und Queyras, kein Kult um Bach und die himmlischen Cellosuiten, kein Tanz in berückender Schönheit. Das ist ein Abend mit Widerhaken und in Arbeitsatmosphäre, mit überwiegend hartem Arbeitslicht und in Arbeitskleidung: Queyras in Jeans und blauem Hemd, die Tänzer in knielangen schwarzen Hosen und T-Shirts, nur Keersmaeker trägt ein einfaches blaues oder schwarzes Kleid – das ist mehr Studio-Training als Gala.
Der Tanz ist wie eine Strukturanalyse der Musik, abstrakt und systematisch in Mustern, Formen und Abweichungen davon, ohne Narration und ohne an die Emotionen anzuknüpfen, die Bachs Cellosuiten in sich bergen und auslösen können.
In den schwachen Momenten dieser zwei Stunden stehen Musik und Tanz wie unverbunden nebeneinander, in den starken Momenten bilden sie eine erhabene Einheit und verdeutlichen den Titel "Mitten wir im Leben sind", wobei dieser Satz aus einem Luther-Choral einen zweiten Teil hat: "Mitten wir im Leben sind, mit dem Tod umfangen." – der Vergänglichkeitsgedanke: es gibt kein Leben ohne den Tod.

Jean-Guihen Queyras - faszinierend freizügig spielerische Leichtigkeit

Johann Sebastian Bachs sechs Cellosuiten, für viele die Krönung seiner Musik, spielt Jean-Guihen Queyras mit frappierender Leichtigkeit, weich und fließend, ohne starken Bogendruck, ohne dramatische Akzente zu setzen, auch ohne Zwang zu technischer Perfektion, völlig unprätentiös und in einer unglaublichen Einfachheit, Schlichtheit und Selbstverständlichkeit, in den langsamen Sätzen ergreifend zart. Eine faszinierend freizügig spielerische Bach-Version.
Dabei sitzt Queyras auf einem schnöden kleinen Hocker, mit dem Rücken zum Publikum oder seitlich, erst am Ende frontal, aber hinten an der Bühnenrückwand – er ist immer mitten im Geschehen, Teil des Tanzes, im Blickkontakt mit den Tänzern, lächelt und strahlt oder versinkt in der Musik – eine herrliche Hingabe an Musik und Tanz.

Mitten wir im Leben sind / Bach6Cellosuiten
Bild: Theater Hebbel am Ufer; © Anne van Aerschot

Keersmaker-Tanz - Strukturanalyse mit Verflüssigung und Verwirbelung

Anne Teresa de Keersamaeker hat sich in den mehr als 40 Jahren ihrer Karriere oft mit Klassischer und Neuer Musik auseinandergesetzt, auch schon mit Bach, etwa mit den Partiten für Solo-Violine. In ihrer getanzten Strukturanalyse orientiert sie sich an Grundstruktur, Rhythmik und Harmonik, nicht an den Melodien und der Sanglichkeit der Musik. Das ist ein minimalistischer Ansatz wie in den Steve-Reich-Choreographien, mit denen sie Anfang der 80er Jahre berühmt wurde. Auch im Tanz gibt es jene Einfachheit und Schlichtheit wie im Spiel von Queyras – wobei der typische Keersmaeker-Tanz in seiner mathematisch-geometrischen Struktur und in den Wiederholungen und Variationen der Muster eine bezaubernde, noble Eleganz haben kann.
Das Pendeln und Schwingen, das Hinein- und Hinaus-Gleiten aus den rasanten Halb-, Dreiviertel-  und Voll-Drehungen mit kippenden Körperachsen, die Rückwärtsdrehsprünge mit nachkippendem Kopf, die Laufwege in Linien, Kreisen und Ellipsen, alles gleichmäßig im Takt und doch in Unruhe gehalten mit Richtungswechseln, umgelenkt auf einem Fußballen und mit Tempiwechseln mit Beschleunigung und Entschleunigung, mit Unwucht in den Körpern und mit Verflüssigung und Verwirbelung der klaren Formen. Hier treibt sie ihre Tänzer auch vom horizontalen Liegen auf dem Boden in die Vertikale, das sind aufsteigende Spiralen wie als Verbindung von Erde und Himmel.

Mitten wir im Leben sind / Bach6Cellosuiten
Theater Hebbel am Ufer; © Anne van Aerschot

Mitunter akademisch und hermetisch – Zäsur-Setzungen

Das ist trotz der Abstraktion über weite Strecken anmutig, mitunter aber auch akademisch und hermetisch, zumal der Abend ähnlich wie die Satzfolgen statuarisch organisiert ist: zu jeder Suite eine Tänzerin oder ein Tänzer im Solo, dazu ein kleines Duett mit Keersmaeker – das wirkt mitunter auch etwas eintönig. Wogegen sie mit Zäsuren vorgeht, mit Pausen und Szenen mit Tanz ohne Musik oder Musik ohne Tanz, mit einem lustigen Duett in höfischem Barocktanz oder am Ende endlich alle 5 Tänzer gemeinsam in einem ornamentalen Gewebe - etwas mehr Humor und lustvoller Tanz würden bei all der Formstrenge schon gut tun. Welche geometrischen Formen die Tänzer mit Klebeband auf dem Boden festhalten, ist wegen der Guckkastenbühne aus dem Parkett leider nicht erkennbar, zu vermuten ist wegen der Aufstellung aller am Ende ein Pentagramm - der Goldene Schnitt in Geometrie, Musik, Architektur.


Eine der stärksten Keersmaeker-Arbeiten – das Göttliche im Menschlichen

"Mitten wir im Leben sind" ist alles in allem mit den genannten kleinen Einschränkungen ein überzeugender Abend. Wir konnten in Berlin dank der vielen Einladungen zum "Tanz im August" oder zu den Berliner Festspielen die Entwicklung von Anne Teresa de Keersmaeker über die Jahrzehnte kontinuierlich mitverfolgen und dieser Bach-Cello-Suiten-Abend gehört zu ihren stärksten Arbeiten. Im reinen abstrakten Tanz findet sie zu dem, was sie an Johann Sebastian Bach nach eigenen Worten schätzt, dass er "das Göttliche menschlich macht und das Menschliche göttlich".
Dieser Abend hat etwas Erhabenes, löst Staunen und Ehrfurcht aus und auch ein intuitives Wahrnehmen. Die allesamt älteren Tänzer sind grandios und Jean-Guihen Queyras in diesem Tanz-Rahmen zu erleben, macht ganz einfach glücklich.


Frank Schmid, kulturradio

08/12/2017

Live aus Live aus dem Herkulessaal der Münchner Residenz - Surround Konzert des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks


Ecoutez en live le concert de ce soir en direct avec le Bayerischen Rundfunks dirigé par John Eliot Gardiner dans le concerto de Schumann !

Ein halbes Jahr lang tourte John Eliot Gardiner mit seinen eigenen Originalklang-Ensembles quer durch Europa und die USA, um dem großen Jubilar des Jahres 2017, Claudio Monteverdi, zum 450. Geburtstag seine Reverenz zu erweisen - Gardiners stilgerechte Opern-Aufführungen gerieten überall zum Triumph. Nun kehrt der bald 75-jährige britische Grandseigneur zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks zurück, um sich gleichfalls einem einzigen Komponisten zu widmen: dem wegen seiner kühnen Formensprache und seines gebrochenen Tonfalls hochaktuellen Romantiker Robert Schumann. Solist im poetisch-kantablen Cellokonzert ist der Franzose Jean-Guihen Queyras, der neben dem modernen Cellospiel historische Aufführungspraxis betreibt und deshalb für Gardiner ein idealer Partner sein dürfte. Während Clara Schumann "die Romantik, der Schwung, die Frische und der Humor" des Cellokonzerts begeisterten, überwand Robert Schumann mit der Komposition seiner zweiten Symphonie eine psychische Krise: "Die Symphonie schrieb ich im Dezember 1845 noch krank; mir ist's, als müßte man ihr dies anhören." Erst im Jubel des Finales überwindet Schumann die Schmerzensklänge des Adagios. Mit der C-Dur-Symphonie beschließt Gardiner sein Schumann-Porträt, das er beziehungsreich mit der unruhig flackernden Ouvertüre zu Schumanns experimenteller Vertonung von Lord Byrons Dramatischem Gedicht "Manfred" eröffnet - mit dem tragisch zerrissenen Titelhelden Byrons konnte sich Schumann zwangsläufig identifizieren.
05/12/2017

Rediffusion sur Radio Classique du concert à la Philarmonie de Paris


Ne manquez pas sur RADIO CLASSIQUE mardi 05/12/2017 à 20h30 la rediffusion du concert de clôture donné le 03 décembre dernier à la Philarmonie de Paris par Yannick Nézet-Séguin à la tête du Métropolitain de Montréal dans le cadre de leur grande tournée européenne.
Au programme Berlioz avec Marie-Nicole Lemieux, Saint-Saëns sous le doigts de Jean-Guihen et Elgar.
Le Devoir 04/12/2017

Yannick et le Métropolitain: la leçon de vie



La tournée de l’Orchestre Métropolitain s’est achevée à la Philharmonie de Paris, samedi et dimanche, par deux concerts captés par la chaîne Mezzo. Les caméras auront documenté un moment historique.

« C’est une leçon de musique et une leçon de vie », a résumé après le concert Emmanuel Hondré, directeur des concerts et spectacles de la Philharmonie de Paris, qui a bien voulu confier ses impressions aux lecteurs du Devoir. « Leçon de musique, par l’art de chercher des sons énormément variés ; leçon de vie, parce que je n’ai jamais vu un orchestre dont les musiciens s’aimaient autant. »

« L’expérience est de très grand niveau international. La réinvitation est immédiate, car cela s’appelle un coup de coeur », ajoute M. Hondré. « On est plus fort quand on est moins seul » est l’enseignement que tire Emmanuel Hondré lorsque se prolonge notre conversation après ce concert qui aurait fait pleurer des pierres. Personne n’a pu résister, ni Yannick Nézet-Séguin, ni les musiciens, ni le public, ni moi-même.

« Chacun gagne à partager. » Cette phrase du directeur des concerts de la Philharmonie de Paris, je la retrouve sous une autre forme dans mes notes prises lors du concert. Elles parlent d’éblouissement devant la solidarité, la fraternité et les ressources insoupçonnées que ces valeurs peuvent mettre au jour.

La tournée a ainsi profondément transformé tous ceux qui y ont participé. D’ailleurs, le violoncelliste Jean-Guihen Queyras, avant de jouer lumineusement en bis la 1re Strophe sur le nom de Sacher de Dutilleux, s’est adressé au public pour décrire sa semaine en parlant d’une « expérience musicale et humaine unique » dans sa vie et des « extraordinaires musiciens » de l’Orchestre Métropolitain.

Et l’ange posa sa baguette

La Philharmonie de Paris avait voulu raccourcir les concerts en supprimant les oeuvres québécoises, mais Yannick Nézet-Séguin servit tout de même en bis, samedi, la fin de l’oeuvre d’Éric Champagne dans la salle de tous les possibles ; la plus somptueuse.

J’ose avancer, ayant été à des places similaires, que j’ai pris plus de plaisir qu’au Concertgebouw d’Amsterdam. L’acoustique est parfaite sans ce petit enrobage flatteur amstellodamois. Et tous les solistes se sont mis de la partie, notamment Marie-Nicole Lemieux dans des Nuits d’été renversantes. Elle a tenu le choc émotionnel. C’était l’enjeu.

Quant à Yannick Nézet-Séguin et sa famille, je mets au défi pas mal d’orchestres des plus huppés de jouer des Variations Enigma ou La mer (samedi pour la première fois avec les 2e et 3e volets enchaînés) comme le Métropolitain à la Philharmonie de Paris. Pour sculpter cela, Yannick Nézet-Séguin a posé sa baguette et pétri le son à mains nues. Dimanche, la baguette avait carrément disparu pour tout le concert !

Je vous ai gardé une petite chose pour la fin du voyage, née d’une complicité de regard avec François Goupil, le photographe qui accompagnait la tournée. L’idée part d’un détail qui dit tout.

Dans le Concerto pour la main gauche de Ravel, la cadence (passage en solo) de la fin est un saut dans le précipice, un passage si difficile que tous les pianistes, ou presque, s’y égarent en concert. À cet instant, Yannick Nézet-Séguin posait sa baguette, joignait ses mains et entrait en symbiose avec le pianiste, un soutien moral implicite, un acte d’amour spirituel. Ce moment-là, qui exprime la fraternité, la solidarité, l’amour, la vie, j’avais demandé à François Goupil de tenter de l’immortaliser. Lui aussi a fini la tournée en apothéose, et son image orne cet article.

Quant à moi, en tant que musicien, mon plus grand privilège fut de chanter la Messe en si de Bach et, neuf fois, le Requiem de Verdi sous la direction de Carlo Maria Giulini. Il paraît qu’un soir à Turin, en janvier 1999, un jeune homme dans la vingtaine, qui venait du Québec, était assis dans la salle. Dix-huit ans plus tard, il m’a offert cette semaine indescriptible que j’ai pourtant tenté de décrire dans ces colonnes.

Ce retour des choses vertigineux m’a ému à un point que, cette fois, je ne peux plus exprimer.

Christophe Huss
Le Devoir 04/12/2017

Christophe Huss est l’invité de l’Orchestre Métropolitain pour cette tournée européenne

 

 

03/12/2017

Vidéo du concert donné à la Philarmonie de Paris


Enregistré dans la grande salle Pierre Boulez de la Philarmonie de Paris le 03 décembre, le concert de Jean-Guihen avec le Métropolitain dirigé par Yannick Nézet-Seguin est disponible en vidéo durant les 6 prochains mois sur le site ci-dessous !

28/11/2017

Dialogue à deux violoncellistes, Stéphane Tétreault et Jean-Guihen Queyras


En tournée européenne, l’Orchestre Métropolitain a emmené deux violoncellistes. L’un est Québécois, Stéphane Tétreault, l’autre Français, Jean-Guihen Queyras. Le Devoir les a réunis pour parler de leur vie, de leur instrument et de leur répertoire.

Le voyage n’est pas toujours de tout repos pour un violoncelliste, avec son encombrant compagnon. « Je m’attends à avoir forcément des problèmes : que ce soit à l’enregistrement, à la sécurité, à l’embarquement ou aux douanes », dit Stéphane Tétreault. « Par rapport aux autres instrumentistes à cordes, nous coûtons plus cher, car il faut acheter une place pour l’Instrument », renchérit Jean-Guihen Queyras, heureux que, par rapport à ses collègues violonistes ou altistes, la place de son précieux instrument en cabine ne soit pas soumise aux aléas de l’humeur de quelque agent. Car en soute, les bris sont fréquents. 

Désolé, violoncelliste à bord !

« Air Canada capture encore ton violoncelle ? », lance Queyras, goguenard, à Tétreault ? « Oui ! » Les deux artistes s’amusent de la pratique propre à Air Canada et à British Airways : « En cabine, ils mettent un grand filet autour de l’instrument, comme si le violoncelle était une bête sauvage. » Jean-Guihen Queyras mime la scène façon safari, en riant de bon coeur : « Ça vaut le coup de mettre cela dans l’article : c’est d’autant plus drôle que, leur filet, ils ont un mal fou à le fixer ; ça glisse et ça ne sert à rien, alors qu’avec la ceinture et une rallonge le violoncelle est parfaitement attaché. » 

« Et à Air Canada, cela prend du personnel de maintenance spécialement formé, qui peut très bien se trouver à l’autre bout de l’aéroport, ce qui met le vol en retard », précise Stéphane Tétreault. Dans leurs voyages, toutes compagnies confondues, tous deux se sont déjà fait détester, avec des annonces du type : « Ici le commandant de bord, nous sommes en retard, désolé, mais nous avons un violoncelliste à bord ! »

Aucun incident n’a heureusement émaillé le déplacement de Jean-Guihen Queyras et de Stéphane Tétreault en Europe. Le premier joue le Concerto no 1 de Saint-Saëns à Dortmund, à Rotterdam, à Hambourg et à Paris. Le second, le Concerto d’Elgar à Cologne, à Amsterdam et à Paris. 

Élégance et existentialisme

Jean-Guihen Queyras n’est-il pas un peu jaloux de voir son collègue jouer Elgar ? « La jalousie, ce n’est pas mon truc, avoue le violoncelliste français né à Montréal. On a tellement plus à gagner de l’admiration et du désir. » « C’est évident que le concerto d’Elgar a une dimension dramatique que n’a pas celui de Saint-Saëns et que, si je devais aller sur une île déserte, je choisirais le concerto d’Elgar, parce qu’il va plus loin, il est plus existentiel. Il y a une épaisseur dans la coda qui est à mettre sur le même plan que celle du Concerto de Dvorák. » Et Queyras de se remémorer une entrevue de Yo Yo Ma, où le violoncelliste s’était presque fait reprocher de jouer un concerto plutôt léger. « Yo Yo Ma avait répondu : “ Mais dans la vie, on ne peut pas toujours être profond !” » Saint-Saëns est un concerto d’un classicisme pur, très touchant dans sa pureté et sa simplicité. » 

Stéphane Tétreault, qui a joué le Concerto de Saint-Saëns avec Yannick Nézet-Séguin à Philadelphie, parle d’une « expérience magique, pour le menuet notamment » et souligne que « pour Chostakovitch, le concerto de Saint-Saëns était le concerto parfait, tellement il est bien construit et tellement les mélodies sont développées de manière idéale ».

« C’est un concerto que j’adore, mais je ne suis pas jaloux, car le concerto d’Elgar m’a marqué dans ma jeunesse plus que tout autre, à travers la vidéo avec Jacqueline du Pré et, donc, le jouer en tournée avec Yannick dans de si grandes salles est un privilège. » 

Découvrir l’autre

Les musiciens sont réputés pour ne guère assister aux concerts. Nous avons pourtant vu Stéphane Tétreault, en janvier dernier, au Théâtre Maisonneuve, boire du petit lait lors du récital de Jean-Guihen Queyras et Alexander Melnikov. « J’y allais pour l’inspiration. Ce n’est pas pour savoir si nous faisons un passage différemment ou s’il utilise un autre doigté ou différents coups d’archet çà et là. C’est un élément intéressant, certes, mais le but ultime est d’apprécier la vision d’un autre musicien. Et peu importent les idées musicales : quand c’est convaincant et entier, c’est toujours beau. J’ai un souvenir impérissable de ce récital-là, ainsi que des trios de Schubert renversants à Gstaad, avec Isabelle Faust et Alexander Melnikov. »

Jean-Guihen Queyras a entendu les disques de Stéphane. « Un jour, tu m’as joué quelque chose : c’était un vrai bonheur. Ce qui m’a frappé, c’est l’entièreté, le don de soi absolu dans ton jeu. Tu te plonges en entier dans la première note et on le sent ; on se dit “ ça, c’est Stéphane ”. Il n’y a pas d’artifice et on comprend pourquoi Yannick s’intéresse à toi. »  Et si chacun de nos solistes pouvait inspirer un compositeur d’aujourd’hui, de qui aimerait-il recevoir la partition d’un concerto ? Là, les goûts diffèrent. Très engagé depuis le début de sa carrière dans la musique contemporaine, Jean-Guihen Queyras fait ardemment le siège du compositeur allemand Jörg Widmann. Quant à Stéphane Tétreault, son esprit s’évade : « Si je pouvais rêver, je dirais que d’avoir un concerto d’Arvo Pärt serait vraiment génial. »

Christophe Huss
Le Devoir 28/11/2017


Retrouvez cet entretien en vidéo en cliquant ici !
23/11/2017

Le Métropolitain affûté pour la conquête de l'Est


L’Orchestre Métropolitain quitte Montréal ce jeudi pour sa première tournée à l’étranger. Ce sera l’Europe avec les oeuvres jouées à Montréal mercredi, plus deux oeuvres québécoises (Kaléidoscope de Pierre Mercure et Exil intérieur d’Éric Champagne), ainsi que d’Elgar le Concerto pour violoncelle, avec Stéphane Tétreault, et les Variations Enigma. Le tout forme deux programmes entre lesquels les organisateurs ont pu choisir, seul Paris entendant les deux.

Le concert touffu tel que proposé mercredi était donc propre à Montréal et servait notamment à peaufiner trois oeuvres avec des solistes variés qui se joindront à la tournée selon les dates et endroits.

La dentelle attentive

L’Orchestre Métropolitain est prêt à partir à la conquête de l’Europe. Les programmes sont conçus de manière à proposer deux oeuvres avec solistes. C’est rare, mais très malin. Avec ce que nous avons vu mercredi, nous comprenons que Yannick Nézet-Séguin fait de la finesse de l’accompagnement une sorte de « marque de fabrique » de l’OM. Il se place donc sur un terrain inverse du « Philadelphia Sound », avec lequel le Métropolitain ne saurait concurrencer.Or une fois cette idée de dentelle attentive ancrée dans la tête des auditeurs, on la découvre appliquée dans le répertoire symphonique. Ce fut le cas de La mer, mercredi. Je suis sûr que les Variations Enigma connaîtront le même traitement. Jamais Yannick Nézet-Séguin ne joue la puissance : il oblige l’auditeur à dresser l’oreille et à faire attention au détail et à l’alchimie sonore.Tout cela ne prive aucunement les partitions de leur énergie : les pizzicatos de contrebasses de la fin du 1er mouvement de La mer sont vraiment « arrachés » comme le demande Debussy et on n’a jamais vu les violoncelles du Métropolitain aussi vigoureux qu’à l’amorce de la coda de La mer. Tous les pupitres sont affûtés : pourvu qu’ils gardent la forme.Au-delà de la performance de l’orchestre, il faut parler de l’association avec les solistes. Jean Guihen Queyras, une semaine après la pantalonnade de Steven Isserlis à l’OSM dans le même concerto, nous donne une leçon de style dans le 1er Concerto de Saint-Saëns. Tout y est : le 2e volet sonne comme le rêve d’un menuet ancien, le soliste ne s’épanche jamais et tous les équilibres sont préservés.

Nézet-Séguin sermonne le public

Alexandre Tharaud donne une lecture très phrasée, très « chantée » du Concerto pour la main gauche, là où d’autres sont plus tapageurs. Sur le même piano, Jean-Philippe Collard donnait plus de son en juin dernier, mais Kent Nagano aussi, et le couvrait ! Mais le miracle de la soirée, peu perçu et peu compris comme tel par le public, fut la prestation illuminée de Marie-Nicole Lemieux dans Les nuits d’été de Berlioz.

« Ce léger parfum est mon âme, et j’arrive du paradis… » Aucune chanteuse au monde ne peut même rêver approcher ce que nous avons entendu hier soir dans les toux, raclements de gorge et autres crachats qui ont atteint un tel sommet de ridicule et d’indécence qu’ils en ont fait sourire la chanteuse et amené le chef à se retourner après Sur les lagunes pour admonester le public en lui disant : « Par respect pour la musique et pour les autres, restons tous collectivement dans le moment. » C’était dit !

Cela devait être dit après un « Que mon sort est amer ! Ah ! Sans amour s’en aller sur la mer ! S’en aller sur la mer ! » chanté dans un état d’hébétude somnambulique par une artiste en état de grâce, accompagnée par un orchestre qui tout au long du Spectre de la rose et de Sur les lagunes dessinait des ombres sonores et tissait des toiles évanescentes.Le Devoir sera en Europe pour vous dire qui des publics de Dortmund, Rotterdam, Hambourg ou Paris aura été le plus à la hauteur de cet art-là, de cet art suprême, de cette quintessence musicale qui ne se décrit plus en mots.


Cristophe Huss
Le Devoir 23/11/2017

 

Ludwig van Montréal 22/11/2017

Entrevue dans un taxi avec Jean-Guihen Queyras


Les cours de maîtres étant ce qu’ils sont, nous avions déjà pris une bonne demi-heure de retard quand j’ai enfin eu la chance de parler à Jean-Guihen Queyras, après sa rencontre avec des étudiants de la Faculté de musique de l’Université de Montréal, mardi soir. Comme il avait d’autres obligations, je lui proposai de poursuivre notre entretien dans un taxi, en route vers son prochain rendez-vous.

Première révélation : le violoncelliste porte des gants d’hiver ornés du logo des Canadiens de Montréal. Serait-il fan de hockey?
 

Le Québec

Yannick Nézet-Séguin l’a mentionné plusieurs fois : les musiciens français qu’il a invités à se joindre à la tournée ont un lien fort avec le Québec. On connait déjà la passion d’Alexandre Tharaud pour le Québec, qu’il visite très souvent. Jean-Guihen Queyras, lui, est né à Montréal et il a grandi à Sherbrooke jusqu’à l’âge de cinq ans avant de déménager en Algérie, puis en France.

« Pour moi, Montréal, c’est extraordinaire, dit-il. J’ai de la famille ici, des cousins et mon père biologique, avec qui j’a renoué depuis quinze ans. Je n’avais pas remis les pieds au Québec jusqu’à l’âge de vingt ans. Je suis revenu pour passer Noël chez une tante alors que j’étudiais à New York. Tout d’un coup, ça a été un sentiment incroyable d’entendre la langue québécoise, de voir l’hiver, le froid. J’ai été fasciné de constater à quel point ce que l’on vit dans les cinq premières années de sa vie nous marque. Pour moi, c’était un retour à la maison. Émotionnellement, c’était très fort. »

Le violoncelliste apprécie la chaleur humaine et la simplicité des Québécois.

« Il y a moins de snobisme, les rapports entre les gens sont sains », dit-il.

L’enseignement

C’était très évident pendant le cours de maître qu’il a donné à l’Université de Montréal : Jean-Guihen Queyras aime enseigner. Malgré un agenda de concerts bien rempli, il a une classe d’une douzaine d’élèves, à Freibourg, en Allemagne, où il vit.

« On est toujours en train d’essayer de trouver un équilibre entre les tournées de concert et l’enseignement. C’est clair que j’ai des étudiants très souples. Ils profitent du fait que j’ai une expérience de la scène, et ça peut être un atout dans l’enseignement, mais le prix à payer c’est que l’on se voit moins souvent. Je leur donne un plan au début du semestre et ils savent que je m’occupe d’eux. J’aime enseigner car c’est un plaisir de transmettre quelque chose qui nous passionne. Dans l’échange avec l’étudiant, on est obligé de réfléchir à la manière d’interpréter la musique. Cela va aussi dans l’autre sens. J’amène dans mes cours mon expérience du concert. Quelque part, quand on donne un concert, c’est aussi un acte de transmission et de communication. »

Le prochain disque

Le violoncelliste prépare ces temps-ci un nouvel enregistrement de Sonates et de Danses hongroises de Brahms, avec Alexandre Tharaud.

« Nous avons transcris six des Danses hongroises pour le violoncelle et piano. Ça avait déjà été fait, notamment par Alfredo Piatti, un virtuose du début du XXe siècle, mais nous n’étions pas satisfaits de cette transcription. Nous avons tout retravaillé et trouvé d’autres solutions pour déterminer quel instrument joue telle ligne ou telle mélodie. D’une façon, ce sera un peu une première. »

« Pour être honnête, je n’y connais rien, répond-il, pragmatique. Je les ai achetés à l’aéroport parce que j’avais perdu les miens. »

Déception.

Ce n’est pas pendant cette tournée que l’on aura droit à une discussion enflammée entre violoncellistes sur la saison du Tricolore, entre deux concertos (sachant que Stéphane Tétreault, lui-même, est amateur de notre sport national.)

Une fois bien installés dans notre taxi, le précieux instrument occupant le siège avant, virtuose et journaliste à l’arrière, on enchaîne avec les questions d’usage.

Le chef

Bien qu’il ait joué plusieurs fois sous la direction de Yannick Nézet-Séguin avec d’autres orchestres, Jean-Guihen Queyras n’avait jamais joué avec l’Orchestre Métropolitain avant cette semaine.

« Nous avons eu notre première répétition ce matin et j’ai trouvé l’ambiance délicieuse, dit-il. L’atmosphère de travail est très détendue, mais on sent une certaine électricité parce qu’ils vont partir en Europe, et c’est un moment particulier dans leur vie. Ça me fait plaisir d’être avec eux à ce moment-là. En ce qui concerne Yannick, on manque un peu de superlatifs. Ce qui est extraordinaire, avec lui, c’est de voir que malgré une telle célébrité, il est toujours là, disponible, dans l’instant, avec les musiciens. »

Le concerto

Avec l’OM en tournée, Jean-Guihen Queyras jouera le Concerto pour violoncelle no 1 de Camille Saint-Saëns, une œuvre qu’il ne joue pas souvent.

« C’est un concerto très connu, notamment parce que souvent, c’est l’un des premiers qu’on apprend quand on est jeune violoncelliste et qu’on commence à avoir une technique développée. Musicalement, c’est un concerto très classique, j’ai presque envie de dire que c’est un cas d’école, mais avec beaucoup de charme. Je ne l’ai pas joué beaucoup, contrairement à ceux de Schumann, de Chostakovitch ou d’Elgar. Quand Yannick me l’a proposé, je me suis dit, pourquoi pas, ce sera un peu un retour vers l’enfance, car je l’ai appris quand j’avais environ douze ans. »

Caroline Rodgers
Ludwig van Monteréal 22/11/2017

 

 

13/11/2017

Annulation de la tournée à Anvers avec Anne-Teresa de Keersmaker

   
Suite à des difficultés techniques rencontrées dans le cadre de travaux réalisés par la salle de Singel où devaient se produire Jean-Guihen et Anne-Teresa de Keersmaker, la série de représentations "Mitten wir im Leben sind" Bach 6 Cellosuiten prévue entre les 15 au 18 novembre prochain a été annulée (ainsi que la masterclass du 17) et réportée à une date encore inconnue.

                                            ***
This performance is postponed (date unknown).
16/10/2017

Retrouvez Jean-Guihen sur ARTE Concert dans le triple concerto de Beethoven


Après plus de deux siècles, le "Triple concerto en do majeur" de Beethoven est de retour au Gewandhaus de Leipzig, interprété par Isabella Faust (violon), Jean-Guihen Queyras (violoncelle), Martin Helmchen (piano) et l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, sous la direction inspirée du chef d’orchestre suédois Herbert Blomstedt.

Le "Triple concerto en "do "majeur" de Beethoven se rapproche dans sa forme d’une symphonie concertante ou d’un trio avec piano. Associant d’un côté l’orchestre et de l’autre un trio de piano, violon et violoncelle, ce concerto, composé en 1804, est longtemps resté le seul en son genre. Rarement jouée, cette pièce ambitieuse offre aux trois solistes Isabella Faust (violon), Jean-Guihen Queyras (violoncelle) et Martin Helmchen (piano) un dialogue intense avec l’orchestre, dans une atmosphère intimiste qui n’est pas sans rappeler celle de la musique de chambre, sous la direction inspirée du chef d’orchestre suédois Herbert Blomstedt. Plus de deux cents ans après la création du morceau au Gewandhaus de Leipzig, ARTE capte depuis cette salle fameuse le concert de solistes d’exception.
13/10/2017

Experience without Additives

One cellist, six suites, one dancer in each of them, intermittently joined by Anne Teresa De Keersmaeker herself. Simultaneously, with a slow and steady pace, the sun is setting. “The absolute antithesis of Tomorrowland”[1] was what the choreographer called her latest: a stubborn celebration of unfashionable faith in an “experience without additives.” [...]
20/09/2017 BOZAR

Fragen Bozar : Entretien avec Jean-Guihen Queyras

 

1. D’où vous vient votre amour pour le violoncelle ?

J'ai grandi dans une famille où la musique était omniprésente.

De plus, ma mère était pianiste amateure, et jouait régulièrement avec un violoncelliste.

Le coup de foudre à proprement parler eu lieu lorsque j'avais neuf ans. J'assistais à un concert au cours duquel un jeune violoncelliste jouait le concerto de St-Saens. Le violoncelle devint instantanément mon obsession.

 

2. L’éclectisme semble une notion importante pour vous. Pourquoi est-ce important d’aborder tout autant Bach, que les classiques, les romantiques, les compositeurs modernes et contemporains ?

Tout d'abord, cet éclectisme est plus une question de nature que de choix conscient: j'ai toujours été curieux and gourmand.

Ceci étant dit, je pense en effet que côtoyer les compositeurs vivants aide à comprendre les maîtres du passé, et que, réciproquement, interpréter les grands classiques nous aide à donner forme et structure aux créations d'aujourd'hui.

 

3. Cet éclectisme se traduit également par l’exploration d’autres univers musicaux, à l’instar de votre album « Thraces ». Comment ce projet vous nourrit-il?

Le projet Thraces me tient à cœur car il réunit plusieurs pans  de ma vie: Les sons entendus lors de mes années d'enfance (de 5 à 8 ans) en Algérie; l'amitié avec les frères Chémirani que je connais depuis l'âge de 8 ans;

Mes années passées à L'Ensemble InterContemporain et la découverte notamment des ponts entre musiques de différentes régions et périodes.

 

4. Le fait d’avoir voyagé durant votre jeunesse (Québec, Algérie, France, puis Allemagne) peut-il expliquer en partie cet esprit d’ouverture ?

Se frotter à d'autres cultures, langues et traditions dès l'enfance a certainement un impact (à mon sens très positif) sur le développement d'une vision du monde ouverte et inclusive.

 

5. Avez-vous une devise qui illustre le regard que vous portez sur le monde, sur la musique ?

Tolérance, curiosité, empathie, écoute.

 

6. Le nouveau projet mené en collaboration avec A.T. De Keersmaeker et Rosas vous permet-il de poser un nouvel éclairage sur les Suites de Bach que vous connaissez bien ?

Le travail intense avec A.T.K. et Rosas m'a poussé à approfondir encore ma connaissance des Suites, et le rapport entre le rythme et la présence des danseurs influence ma perception de ce chef d'œuvre et mon interprétation.

 

7. La danse procure-t-elle une énergie particulière à cette musique ? Pourquoi ?

Les Suites sont basées librement sur des danses baroques qui sont la trame de leur énergie rythmique.

Et cette musique donne à son tour naissance à la danse.

C'est cette sorte de 'retour à l'envoyeur' qui stimule et inspire.

 

8. Vous nous avez fait l’honneur de votre présence à plusieurs reprises. Pourriez-vous évoquer un souvenir marquant de l’un de vos concerts au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles ?

Je me souviens avec beaucoup d'émotion des 3 Pièces de Webern et de la sonate de Rachmaninow avec Alexander Melnikov.

 

9. Cette saison, vous jouerez à 3 reprises dans la grande salle Henry Le Bœuf. C’est un lieu que vous appréciez/redoutez ?

C'est un lieu immensément inspirant, un espace idéal, au demeurant habité par des décennies de sommets musicaux, une de mes salles préférées au monde!

 

10. Après les Suites de Bach, vous venez en février en compagnie d’Alexandre Tharaud. À quand remonte votre rencontre ? Qu’est-ce qui vous plait particulièrement chez cet artiste et dans le fait de collaborer ensemble ?

Alexandre est comme un frère pour moi.

Nous nous connaissons et collaborons depuis plus de 20 ans, et n'avons plus de secrets l'un pour l'autre, à la ville comme en musique.

Du coup j'ai le sentiment d'être à la maison quand je partage la scène avec lui.

 

11. Comment avez-vous conçu le programme de ce concert (Bach, Chostakovitch, Berg et Brahms) ?

Bach, source d'inspiration constante de Chostakovich, et ponctuelle pour Brahms, notamment dans la sonate op 38.

Les 4 Pièces de Berg, chef d'œuvre, font écho à la veine viennoise de Brahms.

 

12. Ensuite, vous côtoierez Emmanuel Pahud et Eric Lesage. Vous n’en êtes pas à votre première collaboration. Qu’appréciez-vous dans ce trio et chez ces musiciens ?

Emmanuel est bien évidemment une légende vivante de son instrument.

Eric a un touché velouté miraculeux.

Un grand privilège et bonheur de collaborer avec eux!

 

13. Une pièce au programme de ce concert vous touche-t-elle particulièrement (Haydn, Weber, Martinů) ?

S'il faut choisir, mon cœur va avant tout à Haydn, don't j'aime chaque note, et dont la musique révèle qu'il devait être un homme délicieux, plein d'esprit, de générosité, de gourmandise...

 

14. En juin, vous rejoindrez sur scène le Belgian National Orchestra et son nouveau directeur musical Hugh Wolff. Sera-ce une première pour vous une première en compagnie de l’orchestre et du chef ?

Oui.

 

15. Vous interpréterez la Symphonie concertante de Prokofiev. Cette œuvre, qui n’est pas un concerto à proprement parler, implique-t-elle un type de jeu particulier de la part du soliste ?

Prokofiev était particulièrement fier des harmonie présentées par l'orchestre, ce qui explique sans doute ce titre.

Par ailleurs, c'est une œuvre extrêmement solistique, d'une immense virtuosité en raison de son dédicataire, Rostropovich, qui aimait en découdre.

 

16. Quels autres projets passionnants vous attendent cette saison ?

Je citerai le concerto de Schumann avec l'orchestre de la Radio Bavaroise dirigé par un immense Schumannien, Sir John Elliot Gardiner, et le Concerto d'Elgar dans le cadre extraordinaire des Proms de Londres au Royal Albert Hall.

L'Echo 23/09/2017

Les "Suites" de Bach selon Anne Teresa De Keersmaeker


Après la Ruhrtriennale, cet été, Anne Teresa de Keersmaeker et Jean-Guihen Queyras présentent à la Monnaie leur travail sur les six "Suites" de Bach.

La musique imprègne depuis toujours le travail de la chorégraphe flamande Anne Teresa de Keersmaeker, et Bach singulièrement, en qui elle retrouve l'architecture savante qui structure ses propres créations. Il y eut "Toccata", "Zeitung", "Partita 2", et à présent "Mitten wir im leben sind", une chorégraphie pour 5 danseurs et un violoncelle sur les six "Suites" pour violoncelle de Bach.

Ce dernier opus est né de la rencontre ave le brillant violoncelliste français Jean-Guihen Queyras qui avait été subjugué par l'union singulière qu'elle propose entre danse et musique. "Dans tout ce que j'avais vu d'elle, explique le musicien, ce qu'il m'a paru le plus incroyabe, c'est qu'elle créé de compositeur à compositeur. Elle va chercher la matrice de la musqiue pour recréer quelque chose de très fort." Cette matrice, ce cheminement vers l'essence de la musique de Bach, c'est Queyras qui en fera don à la danseuse pour lui permettre d'entreprendre sa relecture.

"Et c'est exceptionnel parce que Jean-Guihen a une intense activité de concertiste, enchaîne Anne Teresa de Keersmaeker, mais nous avons réussi à passer beaucoup de temps ensemble à analyser les partitions. Presque comme il l'aurait fait avec ses propres étudiants, éclairant pour nous leur structure harmonique, les carrures, les lignes sous-jacentes de basse, les articulations, la rhétorique et ce qu'il avait lui-même appris de ses maîtres comme Anner Bylsma."

" Pour construire une interprétation, il faut avoir conscience de la base harmonique de la pièce et du rythme de sa basse"
, précise Jean-Guihen Queyras.
Or, dans les "Suites" de Bach, la basse continue n'existe pas. Queyras s'est donc atelé à la reconstituer virtuellement pour servir de base au contrepoint dansé d'Anne Teresa de Keersmaeker. "Cette base virtuelle, nous l'avons ensuite enregistrée, poursuit le violoncelliste. Sans dévoiler tout le spectacle, il y a un moment où les danseurs marchent tout simplement sur son rythme comme s'ils égrenaient un chapelet."

Anne Teresa de Keersmaeker porte ainsi plus loin encore le travail entamé avec la violoniste baroque Amandine Beyer avec "Partita 2". On y voyait  Anne Teresa de Keersmaeker, en couple avec le chorégraphe Boris Charmatz, reprendre la structure de la "Chaconne" de Bah, jouée précédemment dans le noir absolu par la violoniste, puis la redonner, à trois cette fois, dans une exultation finale.

"Anne Teresa a fait ce même genre de travail dramaturgique avec les six "Suites", poursuit Jean-Guihen Queyras. Mais c'est plus que restituer l'oeuvre de Bach: elle créé autre chose, comme un grand cinéaste qui adapterait "A la recherche du temps perdu". Ce sont les "Suites" d'après Anne Teresa."

La quête de l'harmonie

"Il ya comme une nouvelle porte qui s'est ouverte, abonde-t-elle. Tout ce travail d'étude, de recherche a créé un nouveau point d'ancrage pour la chorégraphie. Celle-ci prend sa source dans l'harmonie des pièces de Bach. Un travail déjà esquissé dans "Partita 2" avec Amandine et aussi après, avec le "Cosi fan tutte" que j'ai fait à Paris avec Philippe Jordan."

Anna Teresa De Keersmaeker réfute toutefois l'idée de créer un vocabulaire chorégraphique qui transposerait littéralement les enchaînements entre les tonalités, entre modes majeurs et mineurs de Bach. "Il est clair que Bach emploie certains codes, mais jamais de façon systématique. Quand on le chorégraphie, il faut définir, articuler une approche et faie des choix, développer un certain concept qui suit une logique. Ce n'est pas la logique musicale mais une logique de mouvements qui est une interprétation, une transformation du langage musical...mais jamais de manière figée. Il y a aussi une grande ambiguïté des choix entre les règles de la musique et les règles de jeu que l'on s'impose et dont on dévie évidemment."

Jean-Guihen Queyras reprend: " On joue beaucoup ensemble. Au fur et à mesure des performances se créé un vrai travail de musique de chambre. En percevant le geste des danseurs et comment ils prennent leurs appuis, je sens que cela influence mon jeu."

Au final, cette nouvelle dimension harmonique du travail d'Anne Teresa de Keersmaeker semble ouvrir son art si architecturé à une dimension plus sensuelle, approchant cet équilibre qu'elle entrevoit dans la nature: "Il y a de l'abstraction chez Bach, mais on y reconnaît l'expérience humaine et toutes les émotions qui l'accompagnent. Il y a cette harmonie."

Xavier Flament
L'Echo 22/09/2017

Le Vif/L'Express 22/09/2017

Bach sous l'orage


Anne Teresa De Keersmaeker pose une danse dépouillée sur les Suites pour violoncelle de Bach. Une plongée dans l'obscurité se clôturant par une renaissance le tout porté à bout d'archet par l'extraordinaire Jean Guihen Queyras. Bientôt notamment à la Monnaie.

Iles trônent inertes au fond de la salle Ces machines compresseurs générateurs convertisseurs qui donnent son nom à la Maschinenhalle de l'ancien site minier du quartier de Zweckel construite en 1909 au nord de
Gladbeck Le long du mur de gauche abondamment balafré et où subsiste du carrelage blanc montant à hauteur d homme les portes et les fenêtres sont grandes ouvertes. A travers depuis les gradins on peut voir les arbres et les pelouses qui se dorent encore aux derniers rayons de cette soirée d'août. Ici le charbon a désormais fait place à la culture dans un mouvement
de reconversion que bon nombre de villes tentent d'appliquer à l'ère postindustrielle. Ce soir c'est la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker qui investit la vaste friche à l'occasion de la Ruhrtriennale. Et comme d'habitude avec elle tout a été soigneusement pensé.
Le spectacle présenté en première mondiale commence précisément à 19 h 30 et est éclairé presque exclusivement par la lumière naturelle ce ne sera hélas pas le cas pour le reste de la tournée en salle C est loin d être la première fois qu Anne Teresa De Keersmaeker
s extrait de la boîte noire de la salle de spectacle pour que sa danse se reconnecte avec le passage du temps avec la vie On pourrait citer sa récente incursion muséale de neuf semaines au Wiels bruxellois pour l exposition
Work Travail Arbeid ou la version filmique du cultissime Rosas danstRosas tournée dans une ancienne école technique de Louvain Et en 2011 au festival d Avignon les spectateurs de son Cesena devaient se présenter à 4 h 30 à la cour d honneur du Palais des papes pour assister à une chorégraphie illuminée par l aube. L'année précédente c était autour du crépuscule que s articulait En attendant présenté au cloître des Célestins.
Ce déclin de la lumière se retrouve au coeur de ce Mitten wir im Leben sind - Bach 6 Cellosuiten.

[...]
10/09/2017 New York Times

A Cellists Challenge: Playing Bach, Surrounded by Twisting Bodies


HAMBURG — The cellist Jean-Guihen Queyras has collaborated with period-instrument ensembles, made expeditions into the craggy corners of the avant-garde and produced burnished readings of chamber-music classics.

But he is probably best known for his performances of Bach’s six suites for solo cello, a summit of the repertory which he continues to scale from different vantage points. Mr. Queyras, 50, has experimented on the work with historical instruments and different combinations of strings and bow. He commissioned six contemporary composers to write introductions to the suites. In 2009, he performed four of them in a room specially designed for the music by the architect Zaha Hadid. And he is now playing the complete set as the accompaniment to a new dance work by the acclaimed choreographer Anne Teresa De Keersmaeker.

The piece is called “Mitten wir im Leben sind,” after the opening words of a Martin Luther chorale: “In the midst of life, we are in death.” After its premiere on Aug. 26 at the Ruhrtriennale festival, it arrived here last weekend and will travel to more than a dozen locations across Europe this season.

Ms. De Keersmaeker translates each suite into a kind of constellation, with geometric patterns chalked on the floor and the five dancers — the choreographer and four others from her company, Rosas — taking turns pacing, jogging and skipping patterns around Mr. Queyras, who is seated on a stool near the center. Austere, self-absorbed and soft-limbed, the dancers appeared like plain particles guided through space by laws of brilliant complexity, unexceptional humans slouching through a creation of undeserved beauty and perfection.

On Sunday at the Elbphilharmonie hall here, many audience members crept toward the exits during the piece’s two intermissionless hours. Though I, too, was put off by the asperity of Ms. De Keersmaeker’s choreography, I was eager to hear from Mr. Queyras what had led him to this collaboration and how the experience of working with dancers had shaped his understanding of the suites.
 

In a phone conversation, he spoke admiringly of Ms. De Keersmaeker’s deep understanding of music and described how she had peppered him with questions about the work’s harmonic structure and asked him to record just the spectral bass lines that underpin each movement. Now that they had begun performing the work, Mr. Queyras said that increasingly “there is this chamber-music quality happening: They react to a timing of mine in the music and I react to what they do.”

As an example, he cited the penultimate movements of each suite, in which Ms. De Keersmaeker had dancers pace out the bass line. “They almost don’t dance anymore,” Mr. Queyras said. “And I have been going as far as possible toward inhabiting this movement. I am beginning to feel I am their dancing partner.”

While I had been able to identify some instances in which the choreography mirrored the music — a twisting body in the first suite, for instance, that matched the way the cello’s arpeggios pivoted around a fulcrum note — I told Mr. Queyras there were other moments when I felt the movement was flatly at odds with his playing. Several times the cello expressively landed on a movement’s final note in ways that spoke of comfort or resignation, while the partnering dancer stopped with one sneaker-clad foot hovering in the air. To me, so much of the pathos of Bach’s music lies in the way it gracefully or reluctantly bends toward the inevitable; this choreography remained uncommitted.

“When we had the first rehearsals of some pieces,” he said, “I would be intrigued by some of Anne Teresa’s choices.” He cited a different example, of Ms. De Keersmaeker’s counterintuitive reaction to the upbeat-downbeat opening salvo that begins each Courante section: “She is asking the dancers to jump in the air on the downbeat and fall to earth on the second. At first I thought, oops. But then I started to see what she was doing and I ended up loving it. And I adapt my playing to it.”

Although Mr. Queyras has no dance training, the physicality of music is important to him. He said that, in his teaching at the music academy in Freiburg, Germany, “it’s a recurrent theme with my students that music has to be more in your body. It cannot be just in your head. I do ask them to get on their feet and perform the move from beat one to two in a Sarabande to get a feeling of how sensuous it is.”

Enduring the marathon performances — this is the first time Mr. Queyras has played all six suites in one go, without intermission — is another matter. “It has the quality of extreme sport,” he said, noting that he feels the exertion in his arms and shoulders afterward.

In the latter part of the show, beginning with the fourth suite, there are breaks built in, when the dancers perform in silence. Mr. Queyras said that feature arose not just from his need for a rest, but, more important, to allow the music to take a breather, too.

“The true depth and power of music is derived at the point in your performance where you touch the infinite, which is silence,” he said. “In order for the listener to go into the third dimension of music, the depth of it, you need silence. You cannot do this with notes coming at you for two hours.”

Mitten wir im Leben sind
Touring Europe this season; rosas.be.

 

05/09/2017 Resmusica

Herbert Blomstedt et le Gewandhaus orchester, magistraux

A l'occasion de son 90e anniversaire, Herbert Blomstedt poursuit avec ce Triple Concerto et la Symphonie n°5, sa relecture du corpus symphonique beethovénien dont la publication récente de la Symphonie n°9 nous avait donné un avant gout prometteur. Une interprétation magistrale qui s'inscrit dans un projet d’intégrale à paraître très prochainement chez Accentus sous forme d'un coffret de 7 disques enregistrés durant un cycle de trois ans avec l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig dont le chef suédois fut le chef principal de 1998 à 2005. Une lecture qui s'inscrit dans la droite ligne de la publication précédente : classique, dynamique et jubilatoire, où l'on sent toute la maturité musicale de ce chef emblématique et l'intelligent profit qu'il a su tirer, à la fois des influences d'une certaine tradition germanique, parfaitement assimilée , et des interprétations plus récentes dites « historiquement informées », réunies toutes deux, ici, dans un improbable et superbe syncrétisme. Une vision d'une grande pertinence qui prend garde d'd'éviter tout excès , refusant toute grandiloquence un peu datée comme toutes les outrances de certaines lectures récentes . Le Triple Concerto, dont la première représentation publique eut lieu à Leipzig en février 1808, année de composition de la Symphonie n°5, est l'occasion de retrouver en première partie, un trio d'instrumentistes fameux, Isabelle Faust, Jean-Guihen Queyras et Martin Helmchen. Tous trois nous livrent ici une interprétation de cette " Symphonie concertante " (encore que la conception beethovénienne de la symphonie soit bien loin de cette appellation) qui ne sombre jamais dans l'individualisme, les solistes ayant un souci constant et prenant un réel plaisir à s'écouter mutuellement. C'est de cette manière qu'une interprétation de haute volée , claire, équilibrée, romantique, est proposée, sachant trouver sous la direction d'Herbert Blomstedt comme une évidence naturelle. L'Allegro initial, d’une admirable ampleur, fait la part belle à la sonorité exceptionnelle du violoncelle, au lyrisme du violon et au jeu perlé du piano. Le Largo central très intériorisé et émouvant observe un court répit avant le Rondo alla polacca conclusif particulièrement virtuose et engagé. Très attendue du public du Gewandhaus, la Symphonie n° 5 parachève le triomphe de cet enregistrement live, mettant en avant la qualité superlative de cette mythique phalange, tous pupitres confondus (cors, petite harmonie, contrebasses), transcendée par la direction extrêmement efficace et dépouillée du chef suédois qui évite tout effet de manche pour développer une vision d'une indiscutable grandeur, à la fois sereine et fervente annonçant déjà la neuvième symphonie. Sonorité magnifique, mise en place au cordeau, tempo dynamique, phrasé subtil, contrastes et relief de la narration… Rien ne manque à cette remarquable interprétation jubilatoire et envoutante qui traduit, à l'évidence, une connaissance sans faille des textes et une grande affinité entre le maître de Bonn et le chef suédois . Une belle présentation du livret et une prise de son satisfaisante ajoutent encore à l'attrait de ce DVD.

Patrice Imbaud
Resmusica 05/09/2017
27/08/2017 La Libre

Instants sublimes de danse et musique avec Bach et Anne Teresa De Keersmaeker

Création  samedi du magnifique spactacle d'Anne Teresa De Keersmaeker sur les suites pour violoncelle de Bach.

Un grand moment de grâce et de beauté. La nouvelle création  d'Anne Teresa de Keersmaeker sur les six suites pour violoncelle de Bach a été ovationnée samedi soir par le public é la Rhurtriennale, pris par l'émotion.

La première se donnait dans l’ancienne grande salle des machines du charbonnage de Gladbeck, près d’Essen. Comme seul décor autour de la scène : la suite des machines, reliques du passé et à droite, un mur avec des écrans de contrôle. Sur le côté gauche, une rangée de larges fenêtres et portes ouvertes sur la lumière du jour.

Commencé à 19h30, au soleil couchant, le spectacle s’avance, peu à peu, vers la pénombre. Tournant parfois le dos au public, se déplaçant d’une suite à l’autre, le grand violoncelliste français Jean-Guihen Queyras joue durant deux heures les six suites de Bach. Il cite volontiers l’aphorisme de Cioran: « Si quelqu’un doit bien tout à Bach, c’est Dieu ». Cette musique magique, à la fois si construite, si simple et si pleine d’émotion, « triomphe de l’esprit sur la matière », ne pouvait qu’inspirer la chorégraphe qui admire tout particulièrement Bach (elle l’a déjà travaillé dans Toccata, Zeitung et Partita 2).

Les six suites composées par Bach entre 1720 et 1725 forment un tout, une montée progressive vers plus de complexité et de spiritualité. ATDK y voit « le témoignage d’une expérience existentielle fondamentale, une sorte de récit de la condition humaine que chacun peut s’approprier. »

Sur la tombe de Pina Bausch.
Elle a donné comme titre « Mitten wir im Leben sind » (Mit den Tod umfangen), tiré de la phrase « Au coeur de la vie, nous sommes entourés par la mort », phrase de Luther gravée maintenant sur la tombe de Pina Bausch.

Anne Teresa De Keersmaeker y danse elle-même, accompagnée de quatre formidables danseurs (Michaël Pomero, Julien Monty, Marie Goudot et Bostjan Antoncic). Comme à son habitude, elle a étudié les fondements de ces 6 suites pour en tirer sa chorégraphie.

Chacune est composée d’un prélude et des danses baroques (allemande, courante, sarabande, gigue) et une « galanterie » (menuet, bourrée ou gavotte). Chaque suite est dansée par un seul danseur, chaque fois différent, et la danse fait écho à la personnalité de celui-ci. Elle se déploie en spirales, cercles, pentagrammes, croissant d’une suite à l’autre. Mouvements rapides, larges ou resserrés, sauts, courses le long des cercles, grandes diagonales, alternent avec des moments de recueillements où le corps est immobile tandis que la musique règne seule. La chorégraphe recrée l’amplitude des préludes, le hiératisme de la sarabande, les petits pas du menuet, la joie des gigues, etc.

Le vide de la cinquième.
Dans l’allemande de chaque suite, ATDK vient brièvement, avec une grâce infinie, accompagner le danseur, comme Bach qui réussit à faire d’une instrument à une seule voix, une musique aussi polyphonique. Pour chaque danseur, ATDK répète et adapte la même phrase chorégraphique.

La 2e suite est celle de la tristesse, la 4e celle de l’affabilité.

La 5e, la plus innovante, est un sommet de la musique, placée au « nombre d’or » du cycle, fait remarquer ATDK. 


25/08/2017 L'Echo

Corps-ac­cords ma­jeurs

'Mitten wir im Leben sind/Bach 6 Cello-suiten', c'est la rencontre de deux univers faits pour se rejoindre. Celui d'Anne Teresa De Keersmaeker, musicienne des corps, et de Jean-Guihen Queyras, instrumentaliste habité. Ils ont bénéficié  d'un entremetteur en la personne de Bernard Foucroulle, patron du festival d'Aix-en-Provence. En 2015, l'ex-directeur de la Monnaie glisse à  Queyras de s'intéresser à  l'univers d'ATDK, et vice-versa. L'entente entre les deux est immédiate tout comme leur décision  de collaborer.

Le travail chorégraphique  d'Anne Teresa explore inlassablement l'intériorité de la musique. Elle la dissèque'dissèque se coule en elle pour en faire jaillir le mouvement. Quitte à bousculer la matière musicale, à  aller au-delà des notes, dans une interprétation mêlant  philosophie et mouvement. Pour "Mitten wir im Leben sind", elle convoque dans son travail préparatoire Newton (les lois de la gravitation) et Leibniz (l'arrachement à la terre et à  la gravitation).

Jean'Guihen Queyras, fin connaisseur de l'univers de Bach, a accompagné le travail en amont du spectacle par son anlyse concrète du chef-d'oeuvre qui "humanise le divin et divinise l'hulain". En effet, la composition  musicale peut se faire sur deux axes : horizontal avec la construction d'une mélodie et vertical avec l' harmonie des accords. Bach, à  la différence d'autres compositeurs qui n' explorent qu'un seul des axes, combine et sublime les deux. C'est cette richesse que Jean-Guihen Queyras a voulu impulser au travail des corps.

ATDK qui avait déjà  travaillé sur la "Chaconne" de Bach s'est tout naturellement approprié  cette vision polyphonique. "Marcher est le geste le plus simple, celui qui me déplace dans l'espace et articule mon temps.
", déclaret-elle à  ce propos. "Ce mouvement de base, pensé en deux dimensions, je cherche aujourd'hui à le projeter dans un espace tridimensionnel : nous travaillons sur un axe horizontal et un axe vertical."

Entrer dans la musique, faire corps avec elle, la réinventer et la transcender.

Isabelle Plumhans
L'Écho 25/08/2017
30/07/2017 Elbe-Jeetzel-Zeitung

Wie der Kanadier Jean-Guihen Queyras den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker ein Ausnahmekonzert bescherte


Der Virtuose des musikalischen Geistes

Wie der Kanadier Jean-Guihen Queyras den Sommerlichen Musiktagen Hitzacker ein Ausnahmekonzert bescherte

Resonanz, aus der in der Begegnung mit Musik Veränderung entstehe, sei nicht vorhersehbar, hatte Christian Strehk am Sonnabend bei der Eröffnung...
20/07/2017

Retrouvez Jean-Guihen aux Rencontres Musicales !


Dimanche 23 juillet s'ouvre par une "journée continue" à la cathédrale de Forcalquier la semaine de festival des Rencontres Musicales de Haute-Provence.

Au programme cette année, Musique et littérature, avec Gérard Pesson comme compositeur invité.

Ainsi les musiciens enchaîneront une semaine de musique de chambre et de création dans les magnifiques lieux que sont le Prieuré de Salagon à Mane et le Couvent des Cordeliers à Forcalquier.

Tout savoir en cliquant sur le lien ci-dessous !
26/06/2017

Le concert du soir sur france musique : Jean-Guihen Queyras et le Chamber Orchestra of Europe dans un programme Haydn et Beethoven


France Musique rediffuse dans son émission " Le concert du soir " présentée par Clément Rochefort le concert donné le 07 février 2017 à la Philarmonie de Paris de Jean-Guihen Queyras aux côtés du Chamber Orchestra of Europe sous la baguette de Yannick Nézet-Séguin.

Créé en 1981 par un groupe de musiciens issus de l’Orchestre des Jeunes de l’Union Européenne, le Chamber Orchestra of Europe (COE). Tous poursuivent parallèlement leur propre carrière musicale, qu’ils soient solistes internationaux ou chefs de pupitre au sein de divers orchestres nationaux.

Programme du concert :

Joseph Haydn
Symphonie n°44 en mi mineur "Funèbre"
Joseph Haydn
Concerto pour violoncelle et orchestre n° 1 en do Majeur H VIIb/1
Bis:
Jean Sébastien Bach
Suite N2 en ré mineur BWV 1008 : prélude
Ludwig Van Beethoven
Symphonie n°6 en fa Majeur op 68 "Pastorale"

Et à la réécoute pendant 3 mois !
10/06/2017

Concerts à Hong-kong en images !


Découvrez en image les deux soirées de concert données le 8 juin dernier, en récital, ainsi que le 10 juin aux côtés du HK Sinfonietta à Hong-kong.

Merci au HK Sinfonietta !

01/06/2017

Disparition de Jiri Belohlavek

   
Dear Jiří,
I will miss you immensely, your generosity, your noble simplicity.
Thank you for everything you gave us as a great musician and beautiful human being.
RIP

Choc puissant, profonde tristesse de voir disparaître beaucoup trop tôt un très grand artiste et un homme exemplaire à tous égards, dépourvu de tout égoïsme, et dont la générosité d'âme lui avait permis d'atteindre une forme noble de simplicité.
Merci Jiří!

                                                 
27/04/2017 Die Presse

Pianissimi, wie Spinnweben überkreuzt


Im Streichquintett D 956 zumal, bei dem sich Jean-Guihen Queyras am zweiten Cello homogen ins Ensemble einfügte, konnten die fünf sogar das dreifache Piano noch unterbieten, ohne dass der Klang brüchig wurde. So schwebte sie noch zarter, die unnennbare, dreistimmige Melodie der Mittelstimmen, die Violine und Cello im Adagio liebkosen; und dem langsamen Scherzo-Trio verlieh es fast geisterhafte Präsenz. Musikantisch-genießerisch das Finale: große Begeisterung [...]
27/04/2017 Badische Zeintung

"Spielen wie mit Freunden und Geschwistern" BZ-INTERVIEW: Jean-G. Queyras und die Badenweiler Musiktage.


Jean-Guihen Queyras gehört zu den vielseitigsten Cellisten überhaupt. Vor seinen Konzerten bei den Badenweiler Musiktagen hat sich Georg Rudiger mit dem französisch-kanadischen Professor der Freiburger Musikhochschule unterhalten.

BZ: Bei den Badenweiler Musiktagen sind Sie an drei von vier Konzerten beteiligt. Könnte man Ihre Rolle als "Artist in residence" bezeichnen?
Queyras: Ja, es ist sozusagen eine Mini-Residenz an einem verlängerten Wochenende. Wir haben das "Carte Blanche" genannt – "Jean-Guihen and friends" würde auch passen. Es spielen dort enge Freunde, die ich sowohl menschlich als auch musikalisch sehr schätze. Beim Belcea Quartett kenne ich den Cellisten Antoine Lederlin und die großartige Primaria Corina Belcea. Pierre-Laurent Aimard war der Pianist von Pierre Boulez’ Ensemble intercontemporain, als ich in jungen Jahren dort angefangen habe. Ich war sofort fasziniert von der magnetischen Qualität seines Könnens. Bei ihm habe ich auch das Unterrichten gelernt, weil ich viele Jahre Assistent in seiner Kammermusikklasse am Pariser Konservatorium war. Pierre-Laurent ist auch ein fantastischer Denker und hat die große Fähigkeit, Worte über Musik zu finden.

BZ: Und das Trio mit Isabelle Faust und Alexander Melnikov?
Queyras: Die beiden sind meine ständigen Kammermusikpartner. Isabelle habe ich mit Anfang Zwanzig kennengelernt. Sie ist meine Seelenschwester auf der Geige. Wir mussten kaum etwas besprechen. Bogendruck, Bogengeschwindigkeit, Rubato – da hatten wir sofort eine große Übereinstimmung. Viele erleben uns im Zusammenspiel als Geschwister.

BZ: Der Festivalleiter Klaus Lauer ist für seine klugen Konzertprogramme bekannt. Wie kann man sich die dramaturgische Zusammenarbeit mit Ihnen bezüglich der kommenden Badenweiler Musiktage vorstellen?
Queyras: Wir haben uns durch die Neue Musik, genauer gesagt durch Pierre Boulez kennengelernt. Ich kam in den 1990er Jahren zum ersten Mal mit dem Ensemble Intercontemporain zu den Römerbad-Musiktagen. Und war fasziniert davon, wie leidenschaftlich er sich in diesem kleinen Kurort für zeitgenössische Musik einsetzt. Klaus Lauer kennt ein sehr großes Repertoire. Das Programm entstand in enger Zusammenarbeit. Auch die Idee des Soloabends von Pierre-Laurent Aimard am 29. April mit den "Vingt regards sur l’enfant Jésus" (Zwanzig Blicke auf das Jesuskind) ist gemeinsam entstanden. Er spielt die Musik von Messiaen wie kein anderer. Und ich darf zuhören [...]
10/04/2017 Evening Standard

Jean-Guihen Queyras and Thrace, review: Loving alien sounds


The Wigmore Hall audience was enthralled by this refreshing cold shower.

With a scratchy bow scrape, pluck and slide, cellist  Jean-Guihen Queyras threw us into a totally alienating world with his opening solo piece by Marco Stroppa. We got eerie harmonics, extreme low and high notes, and nothing that could be described as a tune. Afterwards, he said he liked to begin with this to open the ears to different scales and sound worlds. A refreshing cold shower.

Nobody fled and we were treated to a fantastic evening of new and thrilling music mainly from the eastern Mediterranean with Queyras’s Thrace quartet. Alongside the cello were Sokratis Sinopoulos on lyra, a three-stringed fiddle traditional in Crete and often played by angels in Renaissance frescoes, and Bijan and Keyvan Chemirani on Iranian frame and goblet drums. 

The concert alternated traditionally based compositions from Greek and Iranian sources with more austere classical repertoire by Lutoslawski, Kurtág and the aforementioned Stroppa. There were melodic dialogues between cello and lyra, with its piercing but delicate tone[...]

10/04/2017

Programme des Rencontres Musicales 2017 !

    
L'édition 2017 des Rencontres Musicales de Haute-Provence se déroulera du 23 au 29 juillet sur le thème "Musique et littérature" avec comme compositeur invité Gérard Pesson.
La journée continue de musique de chambre entamera cette riche semaine musicale le dimanche 23 juillet à la cathédrale de Forcalquier.
Suivront 6 soirées de concerts au Prieuré de Salagon et au Couvent des Cordeliers.

Retrouvez l'intégralité du programme :
10/03/2017

Concert en direct de la Maison de la Radio pour les 60ans de Philippe Schoeller !


France Musique retransmet en live le concert donné à l'Auditorium de la Maison de la Radio à l'occasion de l'anniversaire du compositeur, que célèbre l'Orchestre Philarmonique de Radio France. A cette occasion, Jean-Guihen interprètera le concerto "The Eyes of the Wind".
Compositeur inventif, il fait partie de ceux dont a musique n'en finit pas de nous surprendre.
Cinéphile depuis toujours, il a aussi composé de nombreuses partitions de musique de filme (pour L'Exercice de l'Etat, Dans la Forêt, etc.).

A écouter ou réécouter :
Compositeur inventif, il fait partie de ceux dont la musique n’en finit pas de nous surprendre, comme vous en rendrez compte à l’occasion de la création de sa Deuxième Symphonie, qu’il a choisi d’intituler « Âme ». Cinéphile depuis toujours, il a aussi composé de nombreuses partitions de musique de film (pour L’Exercice de l’État, Dans la Forêt, etc.). Sous la direction de Pascal Rophé, l’Orchestre philharmonique nous révèle une personnalité attachante et multiple.
- See more at: http://www.maisondelaradio.fr/evenement/concert-classique/les-soixante-ans-de-philippe-schoeller#sthash.J5qTaG4q.dpuf


Philippe Schoeller a soixante ans : l'Orchestre Philharmonique de Radio France célèbre une grande figure de la musique française d'aujourd'hui.

Philippe Schœller a soixante ans, certes, et se revendique de la tradition de la musique écrite. Compositeur inventif, il fait partie de ceux dont la musique n’en finit pas de nous surprendre, comme vous en rendrez compte à l’occasion de la création de sa Deuxième Symphonie, qu’il a choisi d’intituler « Âme ». Cinéphile depuis toujours, il a aussi composé de nombreuses partitions de musique de film (pour L’Exercice de l’État, Dans la Forêt, etc.). Sous la direction de Pascal Rophé, l’Orchestre philharmonique nous révèle une personnalité attachante et multiple.

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Philippe Schoeller a soixante ans : l'Orchestre Philharmonique de Radio France célèbre une grande figure de la musique française d'aujourd'hui.

Philippe Schœller a soixante ans, certes, et se revendique de la tradition de la musique écrite. Compositeur inventif, il fait partie de ceux dont la musique n’en finit pas de nous surprendre, comme vous en rendrez compte à l’occasion de la création de sa Deuxième Symphonie, qu’il a choisi d’intituler « Âme ». Cinéphile depuis toujours, il a aussi composé de nombreuses partitions de musique de film (pour L’Exercice de l’État, Dans la Forêt, etc.). Sous la direction de Pascal Rophé, l’Orchestre philharmonique nous révèle une personnalité attachante et multiple.

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Philippe Schoeller a soixante ans : l'Orchestre Philharmonique de Radio France célèbre une grande figure de la musique française d'aujourd'hui.

Philippe Schœller a soixante ans, certes, et se revendique de la tradition de la musique écrite. Compositeur inventif, il fait partie de ceux dont la musique n’en finit pas de nous surprendre, comme vous en rendrez compte à l’occasion de la création de sa Deuxième Symphonie, qu’il a choisi d’intituler « Âme ». Cinéphile depuis toujours, il a aussi composé de nombreuses partitions de musique de film (pour L’Exercice de l’État, Dans la Forêt, etc.). Sous la direction de Pascal Rophé, l’Orchestre philharmonique nous révèle une personnalité attachante et multiple.

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09/03/2017

De la Flandre au Queyras, Jean-Guihen dans Classic Club sur France Musique


En direct et en public depuis l'Hôtel Bedford, Jean-Guihen Queyras et Reinoud Van Mechelen, aux côtés de Lionel Esparza !

 


A la table des invités de l'émission :

Jean-Guihen Queyras
(violoncelliste),
pour le CD Thrace sorti chez Harmonia Mundi
le concert à l'occasion des 60 ans de Philippe Schoeller demain en direct sur France Musique depuis l'Auditorium de Radio France, avec l'Orchestre Philharmonique de Radio France dirigé par Pascal Rophé

Reinoud Van Mechelen (ténor)
pour le CD Erbarme dich chez Alpha
le concert du 11 mars à 20h à Bel-air - La Ravoire près de Chambéry

Vous pouvez réécouter l'intégralité de cette émission à la carte en cliquant sur le lien suivant :

27/02/2017

Retransmission des trois concertos de Schumann sur Mezzo !

 
Enregistré à la Philharmonie de Berlin le 7 mai 2014, ne manquez pas l'intégrale des concertos de Robert Schumann interprétés par Alexander Melnikov (pianoforte), Isabelle Faust (violon) et Jean-Guihen Queyras (violoncelle), avec le Freiburger Barockorchester sous la baguette de Pablo Heras-Casado !

Ce concert s'inscrit dans une vaste trilogie discographique qui s'est complétées de l'intégrale des trios de Schumann. Le dernier opus de ce projet musical est paru en 2016 chez Harmonia Mundi.

Au programme du concert :

Ouverture, Scherzo et Finale en Mi major, Op. 52
Concerto pour piano en la mineur, Op. 54
Concerto pour violon en ré mineur, WoO 23
Concerto pour violoncelle en la mineur, Op. 129


Rediffusion le 05/03/2017 à 8h30.

09/02/2017

Retourvez Jean-Guihen à la Fnac de Toulouse pour une rencontre dédicace jeudi à 16h30


Alors qu'il se produira à la Halle aux Grains demain soir, jeudi 09 février en compagnie du chef Yannick Nézet-Séguin à la tête de l'Orchestre de Chambre d'Europe, dans un programme Mozart, Haydn et Beethoven, la Fnac de Toulouse a organisé une rencontre et dédicace avec Jean-Guihen à partir de 16h30.
Entrée libre !


07/02/2017

Vivez en direct le concert du 07 février à la Philarmonie de Paris !


Retrouvez Jean-Guihen en direct ce mardi 07 février à la Philarmonie de Paris en compagnie du jeune et talentueux chef Yannick Nézet-Séguin à la tête du prestigieux Chamber Orchestra of Europe dans un programme Haydn et Beethoven !

Le live sera diffusé à la fois :
- sur le site live.philharmoniedeparis.fr où il restera disponible pendant quatre mois
- sur Medici TV


Le Devoir - Montréal 31/01/2017

L'art de la communication

   
Pro Musica rend un digne hommage à son ancien, et remarquable, directeur artistique Pierre Rolland avec cette série au Théâtre Maisonneuve qui porte son nom et nous fait retrouver un petit rituel du « lundi musical » perdu à tort. Après le surprenant récital de Lukas Geniusas, le duo Queyras-Melnikov a répondu à toutes les attentes… et même plus.

 

Je ne peux qu’adhérer à l’opinion exprimée lundi dans le courrier des lecteurs, posant la question « l’ovation est-elle le signe d’un réel enchantement ? » Cela fait belle lurette que non. Dans le milieu musical, Montréal est connu comme la place où le monde se lève quasi systématiquement pour tout et n’importe quoi. Par contre, il y a des signes d’une vraie adhésion et d’une vraie émotion qui ne trompent pas. On peut parler du silence dans la salle, une ouverture des auditeurs, sorte d’aiguisage de l’écoute. Lorsqu’on en arrive à ce que personne n’ose se racler la gorge entre les mouvements il y a fort à parier que l’on est en train de vivre collectivement quelque chose de grand.

C’est ce qui s’est passé lundi au Théâtre Maisonneuve entre Jean-Guihen Queyras, Alexander Melnikov et le public. Et pour cause : il s’agissait de scruter des nuances subtiles et souvent infinitésimales des musiciens. Dans Beethoven, les protagonistes s’ingéniaient à prolonger sur leur instrument les nuances créées par leur comparse. Quel tact de Queyras, quel toucher de Melnikov !

Souvent, les lecteurs me témoignent du bonheur de m’avoir lu mettre des mots sur leurs émotions, expliquer pourquoi tel concert était formidable. Je dois avouer que pour décrire le concert de lundi les mots me manquent. Peut-être l’esprit était ailleurs, peut-être, justement, à ce degré de raffinement, de distinction, de perfection instrumentale et d’émotion, il n’y a rien à ajouter, rien à justifier. À quoi bon invoquer des extinctions de mouvements lents sorties de nulle part (Chopin) ou des textures rares (Debussy) ? Chacun sait bien qu’il s’est retrouvé au bon moment au bon endroit pour communier en musique. La vraie.

En guise de rappel, les interprètes ont dédié aux victimes de la fusillade de Québec le mouvement lent de la sonate de Rachmaninov.

Christophe Huss
Le devoir 31/01/2017

 

29/01/2017

Vivez lexpérience Jean-Guihen Queyras et Alexander Melnikov au Théâtre Maisonneuve dès ce soir! Le virtuose du violoncelle est de retour dans sa ville natale


Jean-Guihen Queyras, à l'occasion d'un concert présenté par Pro Musica, dont la mission, depuis 59 ans, est de faire rayonner la musique de chambre à Montréal, animera la scène du Théâtre Maisonneuve de la Place des Arts e soir dès 20h. Au cœur de son programme musical, il interprétera plusieurs œuvres des répertoires de Claude Debussy, Frédéric Chopin et Ludwig van Beethoven. Le violoncelliste de renommée internationale ravira le public accompagné par le célèbre pianiste Alexander Melnikov. C’est l’occasion parfaite pour se délecter de musique classique!
25/01/2017

Retrouvez en réécoute Jean-Guihen dans le triple concerto de Beethoven !


Si vous avez manqué la diffusion en direct du concert donné au Gewandhaus de Leipzig le 15 janvier dernier du triple concerto pour violon, violoncelle et piano, interprété par Jean-Guihen en compagnie d'Isabelle Faust et Martin Helmchen sous la baguette d'Herbert Blomstedt voici toutes les dates de rediffusion de ce concert unique sur la chaîne MEZZO :

28/01 - 14h41 sur mezzo live hd

29/01 - 15h13 sur mezzo live hd
08/02 - 15h08 sur mezzo live hd
10/02 - 18h37 sur mezzo
11/02 - 15h20 sur mezzo live hd
13/02 - 14h54 sur mezzo
19/02 - 14h56 sur mezzo
22/02 - 15h00 sur mezzo live hd

Et toujours sur Internet via le site d'ARTE-CONCERT !

13/01/2017

Jean-Guihen en direct ce soir à 20H sur Mezzo et ARTE-Concert !

 
Retrouvez ce soir en direct depuis Leipzig Jean-Guihen aux côtés d'artistes hors paire : la violoniste Isabelle Faust et le pianiste Martin Helmchen dans le triple concerto de Beethoven, sur Mezzo et ARTE-Concert !

Herbert Blomstedt ancien chef principal de l'orchestre du Gewandhaus de Leipzig et qui fêtera cette année son 90e anniversaire dirigera à cette occasion ce concert entièrement dédié à Beethoven.

Retrouvez toutes les rediffusions sur le site de la chaîne Mezzo ainsi que sur le net via ARTE.

Bonne écoute !
18/12/2016

La tribune des critiques de disque : Jean-Guihen version de référence pour la Suite de Bach N°2


La tribune des critiques de disque se penchait ce dimanche pour élire la meilleure version de la Suite N°2 pour violoncelle seul de JS Bach parmis lesquelles Anner Bilsma, Pierre Fournier, Mischa Maisky, Peter Wispelwey ou encore Bruno Cocset.

Emmanuelle Guiliani, Christian Merlin et Philippe Venturini ont élu comme version de référence celle de Jean-Guihen devant Peter Wispelwey :

"Noblesse, tendresse, hauteur de vue et virtuosité souveraine : rien n’est trop beau pour le Bach de Jean-Guihen Queyras, archet vibrant et phrasés solaires. Prélude et Sarabande jouent la carte d’un lyrisme recueilli, Courante et Gigue crépitent dans un sentiment d’allégresse. Voici la grande version moderne."
 
(Ré)écoutez l'ensemble de l'émission en cliquant sur le lien suivant :

 

25/11/2016

Toute la série des Grands entretiens de Jean-Guihen Queyras sur France Musique en réécoute et podcast!

 
Chaque semaine, un musicien se confie dans un entretien au long cours…En cinq chapitres, un parcours d’artiste et un portrait intime, où l’on prend le temps de revenir aux sources d’une vocation, à dérouler le fil d’une vie dédiée à la musique, et à ses jardins secrets…

Jean-Guihen évoque aux côtés de Judith Chaîne son parcours personnel et musical, en cinq étapes.
Lundi 21 novembre : Montréal, Mostaganem & Rêve Hippie
Mardi 22 novembre : La crevette
Mercredi 23 novembre : Le choc
Jeudi 24 novembre : Boyau ou métal, pourquoi choisir ?
Vendredi 25 novembre : Etre un bon interprète (5/5)

08/11/2016

Un concert exceptionnel : Amandine Beyer / Jean-Guihen Queyras !

 

Réserver votre place sur 

Venise-sur-Seine : Amoureux de Vivaldi, Amandine Beyer et Jean-Guihen Queyras se sont donnés rendez-vous le 8 novembre à 20 h 30 sur une barge amarrée au pied du pont Alexandre III, Flow-Paris, récemment transformée en salle de concerts. Ils y célèbreront aussi Bach, Kodály, Leclair et Vilsmayr, mais la part belle sera faite au compositeur vénitien dont Amandine Beyer et Gli Incogniti viennent de rendre hommage - en compagnie d'un autre amoureux du compositeur, le violoniste Giuliano Carmignola - dans un enregistrement de duos pour violons qui scintille comme un feu d'artifice sur la lagune. Le disque est déjà plébiscité par la presse (Diapason d'or, octobre 2016).

Le concert du 8 novembre est lui aussi exceptionnel à plusieurs titres : c'est la première fois qu'Amandine Beyer et Jean-Guihen Queyras joueront ensemble et ce sera le premier concert  public organisé par harmonia mundi et [PIAS]. Ce sera aussi le premier concert de musique classique qui aura lieu sur le Flow. Il sera suivi par une rencontre avec les artistes sur la terrasse couverte de la péniche. Un moment qui s'annonce comme inoubliable et que nous aimerions partager avec vous.
Propice à la musique de chambre, la salle du Flow est de petite taille (300 places). Pour avoir le privilège de toutes ces premières à la fois, nous vous conseillons de réserver vos places dès maintenant sur www.fnac.com.
Toute l'équipe d'harmonia mundi sera là pour vous accueillir !


                   

22/09/2016

Jean-Guihen Queyras, invité de la matinale de France Musique

 
Le dernier opus de Jean-Guihen Queyras, paru le 26 août dernier, puise son inspiration dans la culture de la civilisationdes Thraces. Entre les percussions envoûtantes de frères Chemirani et la lyra de Sokratis Sinopoulos, cet opus ouvre les portes de territoires musicaux inédits. Au croisement de la recherche contemporaine, de l'improvisation, et des musiques traditionnelles de Méditerranée, un même esprit souffle, puissant, irresistible.

Matinale de France Musique, 22/09/2016
12/9/2016

"Sur les Thraces de Jean-Guihen Queyras et des frères Chemirani" matinale de France Culture

                                     
                          

Aux côtés d’un joueur de lyre Grec, le violoncelliste invite ses amis d’enfance, percussionnistes renommés, à un programme d’échange virtuose.

Un violoncelle, une lyra, deux percussions et un rythme en cinq temps (khamsa), point de départ pour le transport sonore sur le chemin des Thraces. Les Thraces (avec un H donc) c’est ce peuple, cette civilisation qui s’étendait dans les Balkans, de la Grèce actuelle à la Bulgarie en passant par la Turquie, à son apogée au IIIème et IIème siècle avant J.-C. Les musiciens que vous entendez ont trouvé dans ces Thraces qu’ils présentent comme un peuple « curieux, ouvert sur l’interaction avec les autres cultures » une métaphore de leur démarche musicale.

Puisqu’en effet tous ne viennent pas du même chemin : au violoncelle un archet bien connu l’Ensemble Intercontemporain, Jean-Guihen Queyras. Les autres cordes (trois petites cordes) ce sont celle de la lyra, petit violon qui remonte à l’époque byzantine, ici posé sur les genoux de Sokratis Sinopoulos. De l’autre côté, deux percussion, celles des frères Bijan et Keyvan Chemirani, qui jouent respectivement du daf et du zarb, instruments iraniens qu’ils emmènent bien au delà de la tradition persane.


Thrace » sous titré « Sunday Morning Sessions »…

Oui des sessions du dimanche matin entre les frères Chemirani et Jean-Guihen Queyras, amis d’enfance puisqu’ils ont grandi en voisins dans les collines en Haute-Provence, près de Forcalquier, et si je n’oublie pas Sokratis Sinopoulos, il faut aussi entendre la virtuosité douce des frères Chemirani, notamment dans l’impressionnant « Dast é Kyan ».

Le violoncelliste Jean-Guihen Queyras lui aussi « pollinisé » par les percussions, il nous confiait utiliser « de plus en plus souvent » la caisse du violoncelle comme percussions lors des improvisations. Et il a même essayé la petite et difficile lyra : « La très grande souplesse de la mèche de l'archet donne une douceur et une suavité dans la production du son; Et le fait que les doigts de la main gauche soient au contact de la corde de manière latérale et avec les ongles donne une grande souplesse de vibrato et d'intonation. »

Les mots choisis ont aussi leur musique, et il faut entendre la liberté des improvisations, le choix d’un répertoire qui va dans ici de pièces très contemporaines (« Etude Digitale » de Jörg Widmann écrite en 2015 en hommage à Pierre Boulez) à des danses populaires comme cet air des Balkans « Hasapiko ».

Matthieu Conquet
"L'actualité musicale", Matinale de France Culture 12/09/2016

23/07/2016

Best-of des Grands concerts de Radio-France : écoutez Jean-Guihen dans "Tout un Monde Lointain" !

   
Dans le cadre de sa programmation estivale, France Musique rediffuse les Grands Concerts qui ont marqué Radio France. Deux heures de déambulation dans le riche patrimoine musical de l'Orchestre national de France, de l'Orchestre philarmonique de Radio France.
Retrouvez Jean-Guihen parmis les concerts à l'écoute, dans le concerto de DUtilleux "Tout un monde lointain" donné le 19 avril 2012 au Théâtre des CHamps Elysées avec l'Orchestre national de France.

L'émission est à la réécoute jusqu'au 22/08/2016 !

 

20/07/2016

Festival dAix-en-Provence - Émotion et création pour le dernier concert de la carte blanche de Jean-Guihen Queyras


Une fois de plus, en cette avant-dernière journée du Festival d’Aix-en-Provence, l’auditorium du Conservatoire Darius Milhaud avait fait le plein pour un rendez-vous exceptionnel au cours duquel allait être créé le cycle pour voix et violoncelle de Gilbert Amy, « Le Poète inachevé ». Auparavant, c’est avec la suite pour violoncelle seul n° 3 de Britten que Jean-Guihen Queyras avait ouvert la soirée, non sans avoir installé l’œuvre dans le contexte qui est celui que nous vivons actuellement après l’horreur du 14 juillet à Nice. Cette suite de Britten, composée pour Rostropovitch étant intimement placée sous le signe de la mort et du totalitarisme soviétique. C’est la troisième et dernière suite sur une série envisagée de six par le musicien et le compositeur, ce dernier décédant peu après cette composition. On y retrouve des fragments de mélodies populaires ou liturgiques russes autour d’une architecture dont Britten était friand avec des temps forts et des plages paisibles, comme autant de questions avec et sans réponses rythmées par quelques notes de musique populaire. Une suite enregistrée, il y a plus de 20 ans, par Jean-Guihen Queyras qui, mardi, lui a donné une réelle puissance émotionnelle par son interprétation.
Suivait la création de Gilbert Amy sur des textes de René Leynaud, poète et résistant lyonnais abattu par la Gestapo en 1944. Une composition très structurée, parfaitement servie par le violoncelle de Jean-Guihen Queyras et la voix de Marc Mauillon qui avait accepté il y a quelques jours, de remplacer Stéphane Degout. Challenge relevé par le baryton qui a su dominer la densité de l’œuvre et ses difficultés. Pour terminer, rejoints par le flûtiste Olivier Girardin et le pianiste Alphonse Cemin, Queyras et Mauillon ont donné Trois Chansons Madécasses de Ravel, chansons sensuelles pour deux d’entre-elles et violente pour l’une, ici aussi données avec classe et puissance par Marc Mauillon.
Ce concert marquait la fin de la carte blanche offerte cette année à Jean-Guihen Queyras dont la participation à l’Académie et auprès des jeunes musiciens de la Méditerranée fut des plus actives, pour son plus grand bonheur. Bonheur partagé par ceux qu’il a côtoyés et par un public totalement charmé par son talent, sa gentillesse et son sourire…

Michel EGEA
Destimed 20/07/2016
19/07/2016

Dernier concert de la carte blanche au Festival d'Aix

  
Retrouvez Jean-Guihen ce soir pour un concert exceptionnel : la création d'un cycle pour voix et violoncelle en compagnie de Marc Mauillon.
Le Poète inachevé, commande faite par le Festival d’Aix au compositeur Gilbert Amy, constitue le point fort de cette soirée musicale. La Suite pour violoncelle de Britten écrite à l'intention de Rostropovitch lui succède majestueusement, en neuf mouvements chargés d'affectivité. S'inspirant du folklore poétique malgache, les Chansons Madécasses réunissent la voix et un trio instrumental, où l'on retrouve deux jeunes musiciens passés par l'Académie du Festival d'Aix.

Salle Campra du conservatoire à 20H


14/07/2016

Retransmission en direct du concert ce soir à 20H

  
Au programme du deuxième concert de sa carte blanche, Jean-Guihen a convié le Quatuor Arcanto qu'il forme avec les violonistes Antje Weithaas et Daniel Sepec ainsi que l'altiste Tabea Zimmermann.
Ils joueront des oeuvres de Britten, Purcell et Beethoven.

Le concert se déroulera à l'Auditorium Campra du Conservatoire Darius Milhaud à 20H et sera retransmis en direct sur les ondes de France Musique !
13/07/2016

Festival dAix-en-Provence : Queyras-Melnikov, duo gagnant


Disposant d’une nouvelle carte blanche cette saison au festival d’Aix-en-Provence, le violoncelliste français Jean-Guihen Queyras a débuté, lundi 11 juillet, ces mélodieux travaux d’Hercule liés à cette invitation exceptionnelle. C’était au cœur de l’auditorium du Conservatoire Darius Milhaud où, en compagnie d’Alexander Melnikov, étaient données les sonates pour violoncelle et piano n° 3, 4 et 5 de Beethoven. Des œuvres que les deux musiciens connaissent bien puisqu’ils en ont enregistré l’intégrale, il y a quelques mois déjà, un double CD étant paru chez Harmonia Mundi à l’automne 2014. Et s’ils connaissent bien ces œuvres, les deux hommes se connaissent bien aussi et travaillent régulièrement ensemble. Dès lors, en osmose parfaite, ils vont livrer les trois sonates choisies avec passion et talent. Une leçon d’interprétation, en fait, avec une extrême attention de l’un pour l’autre, et réciproquement, une précision d’horloge helvétique, un son hypnotique et des couleurs bien présentes, même si pour les n° 4 et 5 c’est le gris qui domine. Car les deux sonates sont composées en 1815 par un Beethoven malade, en proie à des problèmes financiers et proche du suicide. Et c’est un sombre et complexe dialogue qui s’installe entre le violoncelle et le piano, les mouvements lents, presque apaisés, succédant aux puissants excès fiévreux. Plus enjouée, la sonate n° 3, composée en 1808, est un lumineux sommet de musique de chambre dont les couleurs et les nuances furent magnifiées par Jean-Guihen Queyras et Alexander Melnikov. Et après cette partie très « germanique » et rigoureuse, c’est avec Debussy et le prologue de sa sonate pour violoncelle et piano, l’une des dernières œuvres composées par le musicien, donné en bis, que s’achevait ce concert. Un autre registre, d’autres couleurs, un grand moment pour le violoncelle… Debussy allait être rattrapé par la maladie et s’éteindre moins de trois ans plus tard n’écrivant que peu de pièces après cette sonate.

Michel EGEA
Destimed


12/07/2016

Tête-à-tête avec Jean-Guihen Queyras

  
Cette année, et pour la deuxième fois dans l’histoire du Festival, une carte blanche est offerte au violoncelliste Jean-Guihen Queyras.
A cette occasion, une rencontre avec le public dans le cadre d'un "tête-à-tête" s'est déroulée le 12 juillet dernier dans la cour du Presbytère .

A la réécoute en cliquant sur le lien suivant !
12/07/2016

Entretien avec Jean-Guihen Queyras

 

Cette année, et pour la deuxième fois dans l’histoire du Festival, une carte blanche est offerte au violoncelliste Jean-Guihen Queyras. Concerts, récital et master classes sont au programme. Rencontre avec ce musicien curieux, adepte de l’interaction et de la transmission, tout de bleu-blanc-rouge vêtu, à quelques heures de la Finale de l’Euro 2016.
 

Cette année, vous intervenez dans plusieurs master classes de l’Académie. En quoi consiste votre participation ?
Lors d’une master classe, il y a celui qui reçoit et celui qui donne, et celui qui reçoit est aussi responsable que celui qui donne. Ici, j’ai affaire à des quatuors qui sont déjà professionnels et qui ont un niveau exceptionnel. Le travail est donc très différent de celui que j’offre quand je suis de passage dans un Conservatoire par exemple. C’est plutôt de l’ordre de l’échange. Finalement, la seule chose que j’ai de plus qu’eux, ce sont les années d’expérience !
 

Vous dévoilerez également les ficelles de votre enseignement lors d’une master classe publique …
Une master classe publique, c’est comme une relation à trois. Au cours de cette séance, je vais donc communiquer au quatuor ce que je souhaite lui transmettre, mais je vais aussi faire des petites digressions et me tourner vers le public pour lui expliquer pourquoi on travaille sur tel ou tel détail, à quoi cela correspond dans l’œuvre, etc. C’est une chance formidable d’avoir une carte blanche dans un lieu comme Aix car le public est connaisseur sans pour autant être snob ! C’est d’ailleurs quelque chose qui m’a fasciné quand je suis venu en 2014, les master classes publiques étaient remplies de passionnés qui voulaient découvrir les cuisines de la musique.
 

La transmission, c’est quelque chose que vous aimez partager ?La transmission fait partie de ma vie depuis toujours. J’aime transmettre des choses à la jeune génération mais aussi au public. Surtout quand ce sont des musiques plus difficiles à aborder. Ça vient peut-être de mes dix années passées à l’Ensemble Intercontemporain, et le fait d’avoir eu la chance de me plonger dans une musique très complexe et d’apprivoiser ce langage avec des compositeurs comme Boulez. J’aime essayer de donner les outils sur la manière dont la musique est construite aux auditeurs car il n’y a rien à faire, on a beau leur dire : « fermez les yeux, laissez-vous porter par la musique », ils ont très souvent envie de comprendre. Mais ça, c’est un petit défaut qu’on a tous !

Qu’est-ce que vous recherchez dans une interprétation ?
Le travail de recherche que je fais en tant qu’interprète et dans le cadre des master classes, c’est d’essayer de déchiffrer ce qu’il y a derrière les notes que le compositeur a posé sur le papier. Ce qui fait un chef-d’œuvre, ce n’est pas seulement le fait qu’il soit bien construit, c’est aussi qu’il repose sur quelque chose de très personnel et de très émotionnel. Je pense à Schumann et à toute la douleur qu’on peut déceler dans sa musique, ou encore un Puccini qui compose des arias qui vont droit au cœur. Ce sont des chefs-d’œuvre parce que ces compositeurs ont eux-mêmes ressenti des choses incroyables et qu’ils ont eu besoin de les exprimer. L’interprétation consiste donc à essayer d’entrer le plus possible en osmose avec le langage du compositeur et de se demander comment transmettre cette émotion  dans la formation du son.
 

Vous allez donner deux concerts avec le Quatuor Arcanto, et vous proposez un répertoire large : Purcell, Britten, Bach, Mendelssohn, mais aussi la Suite Lyrique d’Alban Berg…
Cela fait des années qu’on joue cette Suite lyrique ! C’est une œuvre particulière dans le sens où elle a une histoire extraordinaire. C’est d’abord un chef-d’œuvre de construction, car Berg était un fou de logique, de mathématique, c’était un fétichiste du chiffre. Cette suite est donc construite de manière architecturale. Et puis il y a eu la découverte, dans les années 1970, de la correspondance qu’il a eue avec Hanna Fuchs, et de cette passion qui a déclenché la composition de cette œuvre. On a également découvert une partition imprimée que Berg a lui-même annoté à l’attention de la jeune femme. Il écrit : « regarde, ce thème-ci, c’est toi et moi ; ce thème-là ce sont tes enfants ; et ici, j’exprime mon désespoir de ne pas pouvoir te revoir ». Il y a donc toute une symbolique derrière et Berg a tout décortiqué pour elle ! C’est passionnant !
 

Vous  créerez le Cycle Le Poète inachevé, une commande du Festival à Gilbert Amy. Comment ce projet a-t-il vu le jour ?
Le Festival a commandé à Gilbert Amy un cycle pour voix et violoncelle, Le Poète inachevé, sur des poèmes de René Leynaud. J’avais justement envie de monter un projet autour de la voix car Aix reste un festival d’art lyrique ! Je connais Gilbert Amy depuis longtemps. Il y a quelques années, il avait d’ailleurs composé un magnifique concerto pour violoncelle que j’avais créé au Japon. Je trouvais déjà que dans son écriture pour le violoncelle, il y avait quelque chose de lyrique.
 

Pour cette édition, vous retrouverez aussi le saxophoniste Raphaël Imbert, autour d’une création sur le thème du blues ?
Chaque année, j’organise les Rencontres Musicales de Haute-Provence, un festival de musique de chambre. Par tradition, on propose quelque chose d’un peu plus ouvert, de plus cross-over lors du dernier concert. Raphaël Imbert y a souvent participé et nous a emmené vers le jazz, nous, musiciens classiques, qui sommes plus timides face à l’improvisation. C’est un travail extrêmement salutaire car c’est une lacune du musicien classique. L’improvisation, qui était évidente à la période baroque, a peu à peu disparu car les compositeurs sont devenus de plus en plus maniaques, et c’est bien dommage car c’est quelque chose qui apporte énormément à l’interprétation de la musique classique. Raphaël Imbert et moi-même nous côtoyons donc depuis longtemps, et comme j’improvise de temps en temps, on s’est dit que ce serait chouette de se rejoindre pour ce projet-là. Il y aura aussi d’autres musiciens. D’ici là, il y a les concerts et les master classes, le planning est chargé. Je vais donc arriver, je ne sais pas si je dois dire, comme la cerise sur le gâteau ou comme un cheveu dans la soupe, mais quoi qu’il en soit, je serai là (rires).


Propos recueillis le 10 juillet 2016 par Saskia de Ville pour le Festival d'Aix-en-Provence

11/19 juillet 2016

Festival d'Aix édition 2016 : carte blanche !

    
Pour cette édition 2016, et pour la deuxième fois de son hisoire, le Festival d'Aix-en-Provence offre une nouvelle Carte Blanche à Jean-Guihen Queyras !

Retrouvez Jean-Guihen et ses amis, pour quatre concerts exceptionnels qui débuteront les 11/14/15 juillet, dont une création mondiale commandée par le Festival d'Aix au compositeur Gilbert Amy autour d'un cycle pour violoncelle et baryton, qui réunira à ses côtés, le 19 juillet prochain, Stéphane Degout, qui tient le rôle titre de Pelléas dans la nouvelle production du festival.


Invités exceptionnels de la nouvelle Carte blanche confiée au violoncelliste Jean-Guihen Queyras avec qui ils forment le Quatuor Arcanto, Antje Weithaas, Daniel Sepec et Tabea Zimmermann donnent des master classes aux ensembles de l’Académie.

Retrouvez également Jean-Guihen pour un Tête-à-tête dans la cour du Presbytère le 12 juillet à 18h.

Enfin, le concert avec le Quatuor Arcanto du 14 juillet sera retransmis en direct sur France-Musique.
Les concerts avec Alexander Melnikov du 11 juillet et le Quatuor Arcanto seront quant à eux respectivement retransmis les 8 août et 24 août à 20H sur les ondes de France Musique.

Et pour se remémorer la carte blanche que lui consacrait le Festival d'Aix-en-Provence 2014 voici à la réécoute le Tête-à-tête enregistré à cette occasion (Interview menée par Anne Le Nabour) et l'album Flickr du Festival.

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"Cross-over instrumentaux et vocaux" Libération 16/06/2016

 

En marge du rendez-vous lyrique aux voix incessantes assaillant des tympans conquis, le Festival est aussi un lieu de concerts. De beaucoup de concerts ! «C’est ce qui fait la force du Festival, selon Emilie Delorme, la directrice de l’Académie : tout le monde est présent, tout le monde participe aussi aux performances des autres artistes.» Des cross-over se forment : le violoncelliste Jean-Guihen Queyras par exemple (qui vient d’ailleurs de sortir un très bon album Schumann), invité spécial, jouera des sonates de Beethoven (accompagné d’Alexander Melnikov au piano, le 11 juillet) mais se produira aussi avec Stéphane Degout dans une formule trio et baryton (le 19). Queyras participera enfin à deux autres concerts avec le Quatuor Arcanto (les 14 et 15) pour un répertoire large : Purcell, Britten, Bach, Mendelssohn, Berg […]





Libération 16/06/2016

Cross-over instrumentaux et vocaux

Le Festival accueille aussi une foultitude de concerts qui osent des associations inédites. Et au-delà du symphonique, des sessions interculturelles.


En marge du rendez-vous lyrique aux voix incessantes assaillant des tympans conquis, le Festival est aussi un lieu de concerts. De beaucoup de concerts ! «C’est ce qui fait la force du Festival, selon Emilie Delorme, la directrice de l’Académie : tout le monde est présent, tout le monde participe aussi aux performances des autres artistes.» Des cross-over se forment : le violoncelliste Jean-Guihen Queyras par exemple (qui vient d’ailleurs de sortir un très bon album Schumann), invité spécial, jouera des sonates de Beethoven (accompagné d’Alexander Melnikov au piano, le 11 juillet) mais se produira aussi avec Stéphane Degout dans une formule trio et baryton (le 19). Queyras participera enfin à deux autres concerts avec le Quatuor Arcanto (les 14 et 15) pour un répertoire large : Purcell, Britten, Bach, Mendelssohn, Berg…

Parmi les grands ensembles concertants, le Freiburger Barock-orchester, en résidence et qui avait brillé l’an dernier sur tempo rapide dans l’Enlèvement au sérail conduit par Jérémie Rhorer (qu’on retrouvera cette année deux soirs à la direction de Così fan Tutte) ressort ses instruments anciens pour un programme Bach-Haendel conduit par Petra Müllejans. Et, pour ne pas oublier les chœurs, l’éclatant Raphaël Pichon dirigera les voix de son ensemble Pygmalion dans une intégrale des motets de Bach, en marge de sa direction, en version de concert, du Zoroastre de Jean-Philippe Rameau au Grand Théâtre de Provence (le 18 juillet).

Dans un autre genre de cross-over, les musiciens du London Symphony Orchestra (LSO) seront à nouveau présents à Aix, mais ne joueront pas : ils encadreront les membres de l’Orchestre des jeunes de la Méditerranée. Depuis plusieurs années, quelques instrumentistes du LSO (9 pour cette édition) accompagnent durant trois semaines, dans un stage immersif d’orchestre, ces 84 jeunes d’une vingtaine de nationalités différentes du bassin méditerranéen. L’Orchestre des jeunes se réunit, lui, à Aix chaque année pour un concert symphonique (le 20 juillet) avant une tournée, cette année à Marseille, Zadar (Croatie) et Ljubliana (Slovénie).

Mais il n’y a pas que le symphonique dans la musique, et l’Orchestre des jeunes de la Méditerranée pratique aussi des sessions interculturelles. Pour cette édition, autour du saxophoniste Raphaël Imbert, une douzaine de musiciens présenteront le 18 juillet une création sur le thème du blues. Et seront accompagnés par le percussionniste Jean-Luc di Fraya et le violoncelliste… Jean-Guihen Queyras.

Guillaume Tion
Libération-Next 16/06/2016

29/05/2016

El País 30/05/2016 : "Johann Sabastian Queyras" !


  
06/05/2016

Album Peter Eötvös : DoReMi, Speaking Drums & Cello concerto grosso


         
    

Enregistrés en novembre 2014 à la Maison de Radio France, ces trois concertos du génial Péter Eötvös représentent en quelque sorte sa carte de visite concertante : pour violon, pour violoncelle, pour percussion ; le tout sous la direction du compositeur lui-même. Deux des solistes – la violoniste Midori (de son nom complet Midori Gotō, à ne pas confondre avec la violoniste baroque Midori Seiler) et le percussionniste Martin Grubinger – sont également les créateurs de leurs concertos respectifs, tandis que Jean-Guilhen Queyras interprète celui pour violoncelle initialement conçu pour Miklós Péreny. On sait que Eötvös aime à composer « sur mesure », si l’on veut, déroulant son discours musical en fonction de ce qu’il estime être le style personnel de l’interprète ; ce qui n’empêche pas, bien évidemment, que d’autres s’en saisissent par la suite ! Les trois ouvrages ont été écrits dans un espace très court de trois ans, de 2010 à 2013. On y retrouve le langage le plus élégiaque et brillant du compositeur, une superbe poésie des couleurs orchestrales et de l’émotion thématique que bien peu de compositeurs contemporains savent ainsi maîtriser. Et sans oublier quelques touches de tendre humour qu’il saupoudre avec élégance de temps à autres, en particulier dans le concerto pour percussion Speaking Drums qui ne refuse ni les inspirations orientales, ni celles de la musique de danse récoltée de tous les côtés de la planète ; et dans lequel le soliste ne se contente pas de taper sur une invraisemblable panoplie de percussions, mais émet aussi des cris, des grognements, des mots, des borborygmes en tout genre. Un grand, grand compositeur, pour trois immenses concertos modernes.
SM/Qobuz


28/04/2015

Rediffusion du concert du 8 mars sur France Musique


Dans Le concert de l'après-midi ce jour, réécoutez le concert donné le 08 mars 2016 au Théâtre des Champs-Elysées, à Paris.
Sous la direction de Sasha Goetzel, Jean-Guihen Queyras et l'Orchestre de Chambre de Paris interprètent la Symphonie "Neue Lambacher" de Leopold Mozart, le concerto pour violoncelle de Haydn et la 3ème Symphonie de Schubert.
15/4/2016

Master-Class publique et gratuite avec Jean-Guihen à l'Auditorium de Lyon

   
Dans le cadre du Happy Day "Journée du violoncelle" du samedi 16 avril, l’Auditorium-Orchestre national de Lyon, le CIMCL et le CNSMD de Lyon vous proposent une master-class publique avec Jean-Guihen Queyras le vendredi 15 avril de 15h-18h. Elle aura lieu à l’Auditorium-Orchestre national de Lyon pour quatre étudiants des classes de violoncelle du CNSMD de Lyon.

Au programme :
Franz Schubert Sonate pour arpeggione et piano en la mineur, D. 821
Claude Debussy Sonate pour violoncelle et piano
Sergueï Prokofiev Symphonie concertante op. 125 (premier mouvement)             
14/04/2016

Concert retransmis en direct sur Radio Classique depuis l'Auditorium de Lyon


05/04/2016

Concert retransmis en direct de Lausanne ce soir à 20h sur les ondes de la RTS


Ne manquez pas Jean-Guihen Queyras avec l'Orchestre de Chambre de Lausanne pour la création suisse de "Ouroboros", concerto pour violoncelle et orchestre de Thomas Larcher, ce soir à 20h, dans le cadre de sa saison "Les Grands Concerts 7/10".

Le concert sera retransmis en direct depuis la salle Métropole de Lausanne dans le cadre des "Concerts du mardi soir" de la RTS .

Avec Pascal Rophé à la direction et la soprano Christina Landshamer, l'OCL interprétera ensuite une version pour orchestre de chambre de Klaus Simon de la Symphonie n°4 de Gustav Mahler.


 

01/04/2016

Sortie du Concerto pour violoncelle de Schumann : dernier opus de l'intégrale !


                     

Dernier volet de la trilogie de l'intégrale des concertos et trios de Schumann, cet enregistrement fait ici la part belle au violoncelle de Jean-Guihen Queyras. Publié tardivement, le concerto, pourtant énergiquement défendu par Clara Schumann, ne fut créé qu'après la mort du compositeur. Interprété dans le même esprit poétique que les deux autres, ce troisième volume clôt une aventure qui aura à jamais changé notre écoute de l'œuvre de l'œuvre de Schumann.

Un DVD Bonus "Cello concerto : The Concert" enregistré à la Philarmonie de Berlin accompagne le coffret !

A l'occasion de cette sortie, retrouvez Jean-Guihen Queyras dans l'émission de Lionel Esparza, Classic Club "Schumann swingue", du 22 mars dernier sur France Musique et Le Journal du Classique du 29 mars de Laure Mézan sur Radio Classique. 

Radio Classique retransmettra en direct le prochain concert de Jean-Guihen en France à l'auditorium de Lyon sous la direction de Ton Kopmann.

Choix France Musique

 
03/03/2016

Présentation du concert de Jean-Guihen avec l'Orchestre de Paris

   
Étienne Cardoze, violoncelliste, présente le concert du 8 mars au théâtre des Champs-Élysées avec Jean-Guihen Queyras au violoncelle et Sascha Goetzel à la direction : cliquer ici !

Au programme :
Mozart, Symphonie "Neue Lambacher"
Haydn, Concerto pour violoncelle en ut majeur
Mozart, Symphonie n°1
Schubert, Symphonie n°3

Information et réservation
01/03/2016

Carte Blanche au Festival d'Aix-en-Provence

    
                            


Pour cette édition 2016, le Festival d'Aix-en-Provence offre une nouvelle Carte Blanche à Jean-Guihen Queyras !

Retrouvez Jean-Guihen et ses amis, pour quatre concerts exceptionnels dont une création mondiale commandée par le Festival d'Aix au compositeur Gilbert Amy autour d'un cycle pour violoncelle et baryton, qui réunira à ses côtés, le 19 juillet prochain, Stéphane Degout, qui tient le rôle titre de Pelléas dans la nouvelle production d'Aix.

Les festivités débuteront, le 11 juillet, en compagnie de son complice Alexander Melnikov pour une soirée Beethoven, répertoire dans lequel le duo a déjà fait ses preuves, notamment à travers leur intégrale qu'ils ont gravée et qui a été unanimement saluée par la critique.

Jean-Guihen propose également deux soirées, les 14 et 15 juillet, en compagnie du Quatuor Arcanto qu'il a fondé avec ses trois autres immenses comparses que sont Tabea Zimmermann, Antje Weithaas et Daniel Sepec.

Toutes les informations sur le site du Festival !

Et pour se remémorer la carte blanche que lui consacrait le Festival d'Aix-en-Provence 2014 voici à la réécoute le Tête-à-tête enregistré à cette occasion (Interview menée par Anne Le Nabour) et l'album Flickr du Festival.      

08/01/2016

"Tu me dois un pizzicato!"

 

Avec les géants, la première impression peut être physique.
Comme si l'on pouvait saisir l'aura d'une personne hyper charismatique.
J’avais ressenti cela lors de ma première rencontre avec Rostropovitch.
Il en fut de même avec Boulez, quelques années plus tard.

 

Janvier 1990.
Je prends l’avion de New York - où je termine mes études – à Paris pour passer l’audition d’entrée pour le poste vacant de violoncelliste à l'Ensemble InterContemporain.
Parvenu en finale, je me colle à l’ultime épreuve de lecture à vue : un extrait de la Sérénade op. 29 de Schoenberg.

Pierre Boulez écoute ma première tentative, se lève, vient vers moi, me donne quelques instructions d'amélioration, et je rejoue l’extrait, cette fois sous sa direction.
Il se tient à deux mètres de moi, tenant la partition dans une main, dirigeant de l’autre.
Je ressentis dans ces premières 40 secondes de musique partagées avec Pierre ce dont j’allais faire l’expérience au cours des dix années suivantes passées au sein de son Ensemble: une présence absolue, une calme intensité qui avaient le pouvoir de galvaniser ses interprètes, un feu intérieur qui lui permettait d’aller chercher au plus profond d’un instrumentiste le meilleur de lui-même, de se transcender.

 

Au lendemain de cette audition (réussie, donc), mes parents reçurent une drôle de visite dans leur atelier de poterie en Provence. Une petite dame énergique ouvrit la porte avec élan et déclara devant mes parents bouche bée: «Bonjour! Je suis la sœur de Pierre Boulez. Il me charge de voir d’où sort sa nouvelle recrue! ".
Cette phrase fut le début d'une longue amitié entre eux.

Cette anecdote fut pour moi la première illustration d'une qualité non anecdotique de Boulez: si le processus de création fut toujours au centre de sa vie, il se souciait néanmoins profondément et authentiquement de toutes les personnes impliquées autour de lui.
 

Il était à tout moment disponible, non seulement pour les questions au sujet de la musique, mais aussi lorsque l'un de ses musiciens avait des problèmes avec son instrument, sa santé ou autre.

Lorsque je dus m’arrêter de jouer pendant 6 mois suite à une blessure à la main, je reçus ses lettres ou coups de fil à intervalles réguliers, posant des questions sur l'évolution de ma santé, si j’avais les médecins qu’il me fallait, ou si autre chose pouvait être fait pour m’aider…


Tout a été dit sur son oreille légendaire.
Il entendait tout et dans les musiques les plus complexes.

Un an après avoir rejoint l'Ensemble, nous donnions des concerts à Badenweiler, dans une série organisée par son ami Klaus Lauer. Au programme notamment la même Suite op. 29 de Schoenberg mentionnée plus haut.
A la répétition générale, le jour du concert, je manque une entrée et ne joue pas une note «pizzicato» (sans archet), dans un passage complexe où de nombreux sons se mélangeaient. J’espérais donc que cela passerait inaperçu.

Pierre n’interrompit pas.

Mais deux heures plus tard, lorsque je le rencontrai par hasard dans le couloir, il me saisit par le bras et me dit d’un air rieur: «Tu me dois encore un pizzicato !".


Mon tout premier plongeon dans l’univers du compositeur Boulez fut intense et sans préliminaires.
Après quelques nuits blanches passées à apprendre ma partie (je ne n'avais jamais joué quelque-chose d’aussi difficile), je descendis dans les sous-sol de l'IRCAM, pour rejoindre dans l’Espace de Projection une trentaine de musiciens entourés d’un impressionnant dispositif électronique. Mon expérience initiatique au sein de l’EIC se fit donc dans l’univers génial et psychédélique de Répons.

La densité de cette musique, si intense, complexe, aux innombrables couches, me fit l’effet d’un tremblement de terre.

Je ne pouvais pas à proprement parler «comprendre» ce qui se passait autour de moi, mais je me sentais en confiance, emporté par quelque chose d'unique, fort et révolutionnaire.

Ce fut mon « instant Bateau-îvre».

Peut on vraiment «comprendre» le chef-d'œuvre de Rimbaud?

Et pourtant, la force évocatrice et la physique du langage nous mènent vers de nouveaux territoires dans un flux irrésistible.

 

Je découvris plus tard, peu à peu, en m’intéressant plus en profondeur à son langage musical, à quel point le génie de Pierre Boulez devait certes beaucoup à une force d’esprit hors du commun, mais reposait également sur les fondements d’une patience et d’un dévouement quotidien au travail, une construction pierre à pierre de l’édifice, à l’instar d’un Bach ou d’un Beethoven.

Je garde de mes 10 ans au contact quasi quotidien de Pierre le souvenir d’une chaleur humaine, d’une grande fidélité, d’une authenticité basée sur une constance et sur le dévouement à un idéal.
 

Et je retiens que, si l’on veut voir loin ou grand, il faut avancer pas à pas, un pizzicato à la fois.